清水麻帆

駒沢を「スケボーの聖地」に押し上げた地元スケーターたちの熱き歴史をご存じか

世田谷区「駒沢スケートパーク」はスケーターの聖地です。利用は無料で、家族連れから女性まで多くの人たちが利用。しかしここまで来るには多くの困難がありました。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。盛り上がりは2010年代から　東京2020オリンピック競技大会から新種目となったスケートボードは、昨年特に注目されたスポーツです。そんなスケートボードが以前から盛り上がっている場所が、都内にあります。それは駒沢オリンピック公園（世田谷区駒沢公園）にある、ストリートスポーツ広場（以下、駒沢スケートパーク）です。 　駒沢スケートパークは、スケーターの「聖地」のひとつ。利用は無料で、プロスケーターはもとより、家族連れから女性まで、初心者から上級者まで多くの人たちが利用しています。週末ともなると、1日100～200人が訪れるほどです。 スケートボードのイメージ（画像：写真AC）　しかし、以前は違っていました。 　約35年前の中学生頃から駒沢公園でスケートボードをしている、「URA3（ウラさん）」こと浦本譲さんによると、1990年代に子どもの姿はなく、多様な人たちが来るようになったのは2010年代に入ってからだといいます。 　駒沢スケートパーク元々、現在のような公式スケートパークではありませんでした。1980年代後半から2008年頃までは、浦本さんや彼の先輩たちなどを始めとするスケーターや、BMXに興じる人たちが10～30人ほど集まり、手作りの木製ランプやバンク、ボックス、レールなどを設置して遊んでいました。なお、これらの道具はセクションと呼ばれます。 粘り強い都との交渉粘り強い都との交渉　木製のセクションは劣化しやすく出火の恐れがあるため、2000（平成12）年頃から浦本さんたちは鉄製のものを設置し始めました。 　しかし、落書きや騒音などの苦情が発生したため、スケーター仲間のアーティストがそれらをきれいにペイント。結果、落書きを抑制し、日暮れにはセクションに施錠をすることで対策を講じました。苦情の解消は、自分たちが自由に使える場所を確保することでもあったのです。 　しかし残念ながら苦情は減らず、都からセクションの完全撤去を命じられます。それを契機に、浦本さんら数名がイニシアチブを取り、多目的スペース確保の署名活動を行いました。2005年から2009年にかけて東京都と粘り強く交渉を続け、石原慎太郎都知事（当時）に要望書を提出し続けました。 駒沢オリンピック公園のストリートスポーツ広場（画像：(C)Google）　苦労のかいあって、東京都が2010年に現在の駒沢スケートパークの場所に柵を設置。スケートパークとしての試行期間が1年与えられました。その期間はセクションが設置されず、フラットなスペースだけに。 　その結果、子どもたちが当時はやっていたキャスターボード（プレイボードやくねくねボードとも）を持って遊びに来るようになりました。この頃から駒沢スケートパークには、子どもたちだけでなく女性の姿も見られるようになりました。そして2011年、晴れて都公認の施設となったのです。 　それまでは、浦本さんたちと都の間では「どんなパークにしていくのか」「どのようなコンセプトのスケートパークにするのか」などの話し合いが重ねられました。 　以前の駒沢公園は、浦本さんのようなスケート技術の高い人たちが集まる空間だったため、駒沢スケートパークも 「プロ仕様の空間にしよう」 「初心者も滑れる空間にしよう」 と、さまざまな意見が出ました。 　最終的に浦本さんたちは、公園は公共空間であるため、初心者からプロまで利用できる空間にすると決定。それに東京都も賛同し、現在のようなスケートパークが形成されたのです。 　浦本さんたちはコンセプトだけでなく、スケートパークの空間作りについても関わっています。例えば、多くの人が安全に利用できるよう、平らな部分を広く取ったセクションの配置など提示。話し合いを重ねて、現在の形になっています。 自由なスケートパークを存続するために自由なスケートパークを存続するために　スケートパークの利用ルールについても、浦本さんたちの意見が反映されています。 　当時、ほとんどのスケートパークではヘルメットの着用が義務付けられていましたが、駒沢スケートパークではそれを無くすかわりに、下地はコンクリートより柔らかいアスファルトにしました。 　このほかにも「利用規約の承諾」「登録手続きの義務」など、スケートパークではよくあるルールは採用せず、できるだけ気軽に利用できるよう、最低限のルールで運用していきたいと都に提案しました。 　そして、トラブルが増えるようであれば改めてルール設置する――という条件で合意に至ったのです。 　現在、設置された看板には ・スケートパーク内での飲酒や喫煙の禁止 ・パーク外での滑走禁止 ・無断商用撮影行為禁止 ・譲り合いの利用 などが掲げられていますが、罰則などは定められていません。浦本さんいわく、 「ローカルスケーターたちが啓発活動を行い、ルールの認識が利用者に共有され続ければ、自由度の高いスケートパークを存続できるはず」 とのことです。 駒沢オリンピック公園のストリートスポーツ広場（画像：(C)Google）　駒沢スケートパークの原型はこうして作られ、2016年にはリニューアル工事が完了。その機能はさらに進化しています。防音とケガ軽減のため、路面を円滑にする特殊な塗装が施され、全てのセクションが新設されました。 　それを機に、東京都からの要請で年に2回、キッズスクールを開催。毎年50人の定員はすぐに埋まってしまうほどの人気となりました。 　駒沢のローカルスケーターたちによってスケートパークが作られ、そしてスケートボード文化が根付き、今の状態に。浦本さんたちは現在でもスケートパークを見回り、パークが安心安全で円滑に使われるよう、啓発活動を続けています。 　こうした草の根の活動は若者たちにも引き継がれています。まさに「ローカルカルチャーとしてのスケートボード」を体現しているといえるでしょう。 今後ますます重要になる事項今後ますます重要になる事項　1990（平成2）年頃、新宿中央公園（新宿区西新宿）に集まっていたスケーターたちが結成した「Newtype（ニュータイプ）」というチームがあります。浦本さんはその初期メンバーのひとりでした。Newtypeは、自分たちのパフォーマンスを撮影・編集したビデオを販売。当時、日本の先駆的なスケーターチームとなっていました。 　現在、スケーターたちが自分たちのパフォーマンスをYouTubeなどに公開するのは一般的ですが、当時はインターネットが普及しておらず、かなり珍しい存在だったといいます。浦本さんいわく、 「おそらく、日本で初めて長編ビデオを作ったスケートチームではないか」 とのこと。その後、スケーターたちによる映像配信は日本各地に普及していきました。 ※　※　※ 　ローカルスケーターによるこうした地域への取り組みは、今後ますます重要になるでしょう。これらを継承するためには、 ・若者スケーターへの意思の伝達 ・世代間のつながりの維持 が鍵になるのかもしれません。 　ということで、コロナ禍が明けたら、皆さんもぜひ駒沢スケートパークをのぞいてみてください。

意外と知らない？ 居酒屋が「江戸時代」に誕生・発展した3つの理由

緊急事態宣言が解除され、居酒屋に人が戻ってきました。今回は江戸の居酒屋文化について、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。居酒屋の発祥・発展　10月1日に緊急事態宣言が解除され、東京の居酒屋に人が戻ってきました。お酒好きな人なら、もう1回くらいは行かれたことでしょう。そんな居酒屋ですが、皆さんはいつ発祥したのかご存じでしょうか？ 　江戸時代は、食文化が飛躍的に発展した時代でした。 「京都の着倒れ、大阪の食い倒れ、江戸の呑み倒れ」 という言葉があるように、居酒屋が現れたのは江戸時代でした。 　食文化史研究家・飯野亮一の「居酒屋の誕生」（筑摩書房）によると、1811（文化8）年には、江戸に1808軒の居酒屋（当時の煮売り酒屋）が存在しており、居酒屋は飲食業をリードするまでに発展していました。なお煮売りとは、飯や副食物とする魚・野菜・豆などを煮て売ることで、その煮売りを兼業した居酒屋が煮売り酒屋です。 江戸時代の煮売り酒屋。『鶏声粟鳴子（けいせいあわのなるこ）』猛斎芳虎（歌川芳虎） 画 。1851年（画像：国立国会図書館デジタルコレクション）　歴史学者・北原進の「百万都市 江戸の生活」（KADOKAWA）によると、当時の江戸の人口は少ないときで約100万人、通常は120万人程度だったといいます。そのうち、武家の人口は50数万人を占めていました。その背景には、江戸が将軍のお膝元であり、地方の大名たちが常に江戸に参勤していたことがあります。 　残りは町人で、その数は ・1733（享保18）年：約53万人 ・1747（延享4）年：約51万人 ・1832（天保3）年：約54万人 ・1844（弘化元）年：約55万人 と年を経るにつれて、増加していきました。特に1700年代前半は人口の男女比率が不均衡で、男性が圧倒的に多かったのです。 　実際、1721年の江戸の人口は50万1394人で、男性は32万3285人（64%）でした。なお1733年は、男性人口が34万人（64%）に対して女性が19万人、1747年は、男性が32万人（63%）、女性が19万人でした。居酒屋の発祥・発展に影響を及ぼしたのは、こうした社会構造でした。 発展の背景にあった社会構造　江戸の酒屋は独り身や労働者の人たちが気軽に酒が飲める場所でした。酒を量り売りし、店先でも飲めました。これを「居酒（いざけ）」といいます。 　そうした酒屋のなかで、新たなビジネスモデルを使って繁盛した店があります。それが、神田鎌倉河岸（千代田区内神田）にあった「豊島屋」です。 　豊島屋は当時から居酒を提供。1736（元文元）年には酒だけでなく、田楽も安く売り、大繁盛していました。現在も千代田区（神田猿楽町に移転）で酒屋として営業しており、江戸時代に人気を博した白酒も、ひな祭りの時期に期間限定で販売されています。 千代田区神田猿楽町にある「豊島屋本店」（画像：(C)Google）　そして1748年から1751年頃にかけて、居酒屋という言葉が使われ始めました。 　当時、飲食を提供する場所としての居酒屋は、酒をメインで提供する酒屋とは別業種として区別されていました。酒屋から居酒屋へ転業したり、煮売り茶屋から居酒屋へ転業したりと、年月を経て前述の煮売り酒屋という業種が発展しました。 　参勤交代は現在の単身赴任であり、武士も自炊をしなければなりません。また、町民の男性もまた自炊が必要でした。長屋に住む独身男性が狭い台所で、しかも火をおこすことはとても面倒な作業でした。 　そうしたことから、彼らは気軽に飲食できる酒屋や煮物を売る煮売り茶屋を利用することが多く、結果、酒と食べ物を提供する居酒屋という形態の業種が生まれ、発展していったのです。 上方より江戸のほうがおいしい酒が飲めたワケ上方より江戸のほうがおいしい酒が飲めたワケ　食文化はもともと、江戸より上方（京都およびその周辺）のほうが発展していました。酒も同様です。そのため、伊丹や池田、灘などで作られた酒が江戸まで運ばれ、飲まれていました。これを「下り酒」といい、そのなかでも、伊丹や灘の酒の名声は高いものでした。 　酒は元々、上方から馬で陸送されていましたが、寛永年間（1624～1644年）にはたる回船で運ばれるように。その後、正保年間（1644～1684年）には、菱垣廻船（かいせん）で大量に輸送することが可能になりました。さらに1730（享保15）年からは、より速度の速い酒専用のたる回船で運ばれるようになり、多くの酒が上方から江戸へ供給できるようになったのです。 　1724年から1731年までの酒の年間平均積載量は、約22万だるに上りました。この傾向は長く続き、1795（寛政7）年から1801（享和元）年までの年間平均積載量は約81万だるとなりました。1たるは4斗（18l）入りで、1.8lの瓶40本分です。 日本酒のイメージ（画像：写真AC）　江戸での下り酒の需要が高かった理由のひとつが、味です。 　江戸に運ばれたのは、諸白酒（もろはくざけ。麹米、蒸米とも精白した米で造った酒）でした。船で輸送されている間に酒は熟成し、味が変化。まろやかで芳醇（ほうじゅん）な香りになっていたといわれています。 　出荷元である上方は、江戸まで輸送したたるを江戸で下ろさず、いくつか残したまま上方まで再度運んでいました。なお、上方ではその酒を富士見酒と呼び、称賛していました。 　このように江戸への輸送時間がおいしい酒を造り、その酒が江戸の人たちを魅了していたのです。酒の味がよく需要が高かったことは、提供する居酒屋の発展にも影響を及ぼしたと考えられます。 酒好きな江戸の人たち酒好きな江戸の人たち　慶安年間（1648～1652年）には飲酒量を競う「大酒会」などが盛んに行われ、ときを挟んで、19世紀に入って再び行われるようになりました。 　そのなかでも、有名な催しが江戸四宿（品川宿、内藤新宿、板橋宿、千住宿）のひとつである千住で行われた千住酒合戦です。 　この大酒会の記録はさまざまな書籍に残っており、当時の狂歌のスーパースターだった大田南畝（なんぽ）も、これについて記述を残してています。また、ニューヨーク公立図書館には、そのときの様子を描いた絵巻「高陽闘飲図」が所蔵されています。この酒合戦は、千住の商家・中屋六右衛門の還暦を祝うもので、多様な人たち総勢約100人が参加しました。 「高陽闘飲図巻」（写本）（画像：世田谷デジタルミュージアム）　江戸文化研究者・田中優子の「江戸はネットワーク」（平凡社）によると、参加者の飲酒量はかなりのものでした。 　例えば、62歳男性は3升5合（6.3l）、大長という男性は4升と次の朝に1升5合、ある農民はとうがらし三つをさかなに4升5合、米屋の者は3升7合、小山（栃木県）の者は7升5合など酒を飲んだといいます。 　そのほか、この酒合戦には浅草や馬喰町から駆けつけた者や、芸者や飲食店の女性、江戸の文芸人たち、会津からの旅人なども参加していました。 　ここから分かるのは、男女・職業を問わない多様な人たちによる酒を通じた交流や、江戸の人たちの酒好きです。こうした人たちが、日常生活の中で気軽に飲める場所が江戸の居酒屋だったのです。 居酒屋のメニューを今に食す　当時の江戸の居酒屋メニューで今も食されているのは、 ・ふぐの吸い物 ・アンコウ汁 ・ねぎま鍋 ・マグロの刺し身 ・湯豆腐 などです。 　江戸時代の汁は現在のおかずのようなもので、ご飯に添えました。アンコウは当時から高級魚とされていました。都内唯一のアンコウ料理専門店「いせ源」（千代田区神田須田町）のルーツは、1830（天保元）年に現在の京橋3丁目付近でどじょう屋を営んでいた「いせ庄」で、大正時代にアンコウ料理専門店に業態替えしています。 千代田区神田須田町にある「いせ源」（画像：(C)Google）　ねぎま鍋は、マグロのトロとねぎを一緒に煮た料理です。マグロは当時、下魚として扱われていたため値段も安く、特にトロは保存が難しかったため、庶民の間では、ねぎと一緒に食べられていました。これが居酒屋の定番となったのは、マグロの豊漁がきっかけでした。 　そんなねぎま鍋ですが、「浅草一文本店」（台東区浅草）で江戸野菜の千住ねぎを使った江戸のねぎま鍋を食べられます。 ※　※　※ 　これまで、江戸の居酒屋の発祥と発展を見てきました。その理由は ・江戸の社会構造による需要の高まり ・江戸の酒のおいしさ ・多様な人たちが楽しめる場の存在 にまとめられます。 　季節ももう冬。皆さんも今年は、お酒とお鍋で冷えた体を温めてはいかがでしょうか？ ●参考文献 ・飯野亮一「居酒屋の誕生 江戸の呑みだおれ文化」（筑摩書房） ・北原進「「100万都市 江戸の経済」（KADOKAWA） ・田中優子「江戸はネットワーク」（平凡社）

みんな大好き「かつサンド」 初期ブームを作ったのは花街の芸者だった！

今ではメジャーな食べ物のなかで、花街や芸者衆とともに発展したものがあります。いったい何でしょうか。解説するのは文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんです。花街で生まれた「かつサンド」　芸者屋などの集まった花街――その最盛期は明治から大正、昭和初期にかけてでした。東京の代表的な花街といえば、 ・柳橋 ・新橋 ・赤坂 ・芳町（現・中央区日本橋人形町） ・神楽坂 ・浅草 でした。そうした花街や芸者衆とともに発展し、今も広く一般に食べ続けられているものがあります。今回はそれらについて取り上げます。 ※　※　※ 　ひとつ目は「かつサンド」です。かつサンドの発祥は1930（昭和5）年創業、箸で切れるやわらかいとんかつを考案した、上野のとんかつ屋「井泉（いせん）」（文京区湯島）といわれています。 　井泉は今も変わらぬ人気店。戦前は1日約600人、バブル期は1日約600～700人が訪れ、コロナ前でも約550人に上ります。かつサンドが生まれたのは、創業に近い1930年代頃です。 　とんかつをパンに挟む発想は、初代女将（おかみ）ならではでした。初代店主・石坂一雄さんの孫で、3代目女将（代表取締役）を現在務める石坂桃子さんによると、祖母の初代女将・石坂登喜さんは明治生まれだったものの、朝食はパン食に紅茶でサンドイッチを好んでいました。実際、後述する銀座の資生堂フルーツパーラーにもよく通っていました。 　そんなハイカラな初代女将がかつサンドのヒントを得たのは、ハムサンドからです。初代店主が店でとんかつを揚げているのを見ていたとき、「とんかつをハムサンドのようにパンに挟んだらおいしいのではないか」と考えました。すでに当時、かつサンド用のソースも考案されています。 　また特筆すべきは、通常のパンより小さいパンを特注して、かつサンドを作ったことです。その背景には、井泉がある湯島（当時は下谷同朋町）は当時花街として栄えており、多くの芸者衆が同店にとんかつをよく食べにきていたことがあります。 　芸者衆と交流のあった初代女将は、芸者衆の口元が汚れたり、口紅が取れたりしないように、小さいサイズのパンを特注しました。また、芸者衆はお座敷にいるあいだは食事を取れないため、芸の合間につまめるという思いもありました。 「井泉」のかつサンド（画像：井泉）　初代女将の思いやりから生まれた井泉のかつサンドは、口を大きく開けなくても食べられるサイズで、今も当時のままです。 　そのほかの人気商品として、井泉にはたまごとカニサラダのサンドイッチもあります。たまごのサンドイッチは日本で定番ですが、カニサラダのサンドイッチはまだマイナーで、どちらかというとアメリカなどでよく見かけます。こちらもハイカラな商品といえます。 ハイカラだった「ソーダ水」ハイカラだった「ソーダ水」　次は、若者に人気のクリームソーダの前身である「ソーダ水」です。 　資生堂パーラーの広報担当者によると、ソーダ水は1902（明治35）年、現在の資生堂パーラーの前身・資生堂薬局の一角に設置されていた『ソーダファンウンテン』で、アイスクリームとともにスタンド方式で販売されていました。このソーダ水は、当時人気を博し、銀座の一大名物になっていました。 　1897年から、資生堂薬局は高級化粧水「オイデルミン」を販売していました。その強みを生かし、景品としてソーダ水1杯につきオイデルミン1本をつけて販売したところ、来訪客が大幅に増えました。 　加えて当時の場所が、新橋の芸者衆が使う踊りの稽古場に近かったこともあり、彼女たちが休憩時間や帰りに立ち寄っていました。そのため、ハイカラな流行発信場所となっていました。 新橋色のアイスクリームソーダ（画像：資生堂パーラー）　現在でも、銀座8丁目の資生堂パーラー サロン・ド・カフェ 銀座本店では、毎年5月に開催されている新橋花柳界のお祭り「東をどり」の期間中、限定のスペシャルメニューとして、「東をどりパフェ」「新橋色のアイスクリームソーダ」を提供しています。 　前者は抹茶などが使われ、飾りに番傘が付いています。また後者は、明治後期に新橋芸者衆の間で「新橋色」という青緑の着物がはやったことから、その色にちなんだアイスクリームソーダになっています。 　これらのメニューは同店で10月12日（火）から31日（日）まで提供されています。 芸者衆と客とで作る「お好み焼き」芸者衆と客とで作る「お好み焼き」　最後は「お好み焼き」です。なお、これには諸説あります。 　例えば『お好み焼きの物語 執念の調査が解き明かす新戦前史』（新紀元社）によると、花街と戦前のお好み焼き屋は関連が深く、その理由のひとつに、戦前の東京にあったお好み焼き屋の主な顧客が、芸者衆や芸者見習いだったことが挙げられています。 『コムギ粉の食文化史』（画像：朝倉書店）　また『コムギ粉の食文化史』（朝倉書店）によると、お好み焼きは、芸者衆とその客たちが好きなものを焼いて食べる遊び（遊戯）になっていたとのことです。さらに、お好み焼き屋は当時、 ・見知らぬ男女が出会う場所 ・男女が会うための場所 という意味合いもありました。 　永井荷風の作品をはじめとして、当時のさまざまな書籍でもそうしたことが分かる表現があります。民俗学者の池田彌三郎も、銀座の路地裏のお好み焼き屋が密会所となり、風俗営業として、取り締まりが行われるようになったと記述しています。 　江戸文化研究者の田中優子元法政大学総長は『芸者と遊び』のなかで、 「色気なしでは、花柳界という社交場は成立しないが、色が目的となっては、社交の場は失われる」 と述べています。 　先述のように、店でのお好み焼き作りが旦那衆と芸者衆との遊戯だったなら、芸者衆と旦那衆との社交と色の場のひとつとして、発展してきたのかもしれません。しかし現在のお好み焼き屋は学生も気軽に立ち寄れる場所であり、B級グルメの代表的存在のため、こうした光景は想像がつきません。 　諸説ありますが、江戸時代に露天で売られていたお好み焼きの前身（子どもの食べ物）が、昭和初期の花街とともに大人の食べ物へと変容してきたといえます。 現存する最古のお好み焼き屋は浅草に現存する最古のお好み焼き屋は浅草に　現存する最古のお好み焼き屋といわれている店は、浅草にあります。1937（昭和12）年に創業している「染太郎」（台東区西浅草）です。 台東区西浅草にある「染太郎」（画像：清水麻帆）　当時、染太郎がある同じ路地には2軒のお好み焼きがあり、「お好み横丁」と呼ばれていました。染太郎の外観は井泉と同様、趣のある外観で、こうした物語を想像しながら食べるのも風情があります。 　今回、かつサンド、ソーダ水、お好み焼きの歴史を見てきましたが、芸者衆の存在や動向が食文化の流行に少なからず影響を及ぼしていたことがわかりました。現在は「食欲の秋」。そうした食文化の物語を感じれば、この季節をさらに堪能できます。

下町・宿場町だけじゃない！ 足立区「千住地区」はかつて江戸とつながるアートな街だった

下町や宿場町のイメージが強い千住地区ですが、かつてアートの街と呼べる盛り上がりがあったことをご存じでしょうか。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。続々発見される江戸の芸術作品　足立区の千住地区は、現在「下町」、江戸時代は「宿場町」というイメージが強いです。しかし近年、狩野探信守政（かのうたんしんもりまさ）の「西王母・東方朔図屏風」を始めとする、江戸・明治時代の琳派（りんぱ）や狩野派などの貴重な作品も発見されています。 千住地区の中心である北千住駅周辺（画像：(C)Google）　足立区郷土博物館（足立区大谷田）によると、きっかけは2010年に「千住の琳派」という展示会を開催したところ、「同じような絵がうちにもある」という情報が足立区住民からあったことでした。その後、博物館は調査を始め、千住の人々の横のつながりで情報を得ながら、歴史的価値の高い多くの芸術作品を発見していきました。 　こうした作品が多く残っているのは、江戸と地方を結ぶ宿場町の千住が当時、アートな街だったからではないでしょうか。 宿場町として栄えた千住　背景のひとつには、千住の街が栄えていたことが挙げられます。 　千住は1597（慶長2）年、奥州街道と日光街道の宿駅（旅客の宿泊所や荷物輸送の人馬などを用意した施設のあるところ）となり、 ・千住宿 ・板橋宿 ・内藤新宿 ・品川宿 といわれた宿場町（江戸四宿）のひとつでした。人口も約1万人の四宿最大で、岡場所（政府公認の遊郭）としても栄えていました。 　また周辺は風光明媚（めいび）な行楽地としても発展しており、千住大橋や西新井大師、関谷の里などを始めとして、江戸町民の観光地になっていました。 冨嶽三十六景「隅田川関屋の里」（画像：文化庁）　実際、浮世絵師の葛飾北斎や歌川広重はこうした行楽地を描いています。葛飾北斎の富嶽（ふがく）三十六景『隅田川関屋の里』は、足立区千住仲町の氷川神社南の墨堤通り沿いから描いた作品であると言われています。 　さらに、千住は商業の街としても発展していました。その背景には、荒川や隅田川が近くを流れ、材木から野菜・魚などの物資を江戸へ運び込むための中継地点になっていたことが挙げられます。 町の発展とパトロンの存在　このように江戸時代の千住は、 ・中継地点の「宿場町」 ・江戸町民の「観光地」 ・盛んな「商業の街」 として、栄えていました。 千住4丁目にある横山家住宅（画像：清水麻帆）　こうした町の発展とともに経済力を持つようになった豪商の一部には、パトロンだった人も存在していたのでしょう。例えば、千住の地すき紙問屋であった横山家には、狩野派の絵師・狩野寿信（1820～1900年）の作品と見られる『群鶴図屏風』が代々伝えられてきました。 千住のアートを振興した文化サロン千住のアートを振興した文化サロン　千住がアートな街として繁栄していたもうひとつの背景には、文化交流が盛んだったことが挙げられます。 　当時の千住は、文化人と旦那衆（住民）との交流が盛んでした。そのきっかけとなったのが、建部巣兆（たけべそうちょう、1761～1814年）です。 　巣兆は画人・俳人として評価された文化人で、養子になったことをきっかけに千住に移り住んでいます。そして「秋香庵（しゅうこうあん）」という活動拠点を構え、そこで「千住連」という俳諧活動を行っていました。 　千住連のメンバーは、千住宿の掃部（かもん）宿や青物問屋、川魚問屋などの旦那衆が中心でした。会には、江戸の文化人である谷文晁（たにぶんちょう）、小林一茶、酒井抱一（ほういつ）、大田南畝（なんぽ）、亀田鵬斎（ぼうさい）などが招かれ、文芸活動や文化交流を積極的に行っていました。 　こうした文化活動を行っていた千住連は、今でいう「文化サロン」の役割を担っていました。巣兆は彼らとともに文芸活動を行い、酒を飲み、知的な会話を交わしていたのです。 世代を超えて行われた交流世代を超えて行われた交流　こうした文芸活動は千住で根付いていました。巣兆が亡くなった後も、江戸の文化人と千住の人々との交流が続いていたのです。巣兆が亡くなった翌年の1815（文化12）年10月21日、千住連は「千住酒合戦」を開催し、江戸を代表する文化人たちも招かれました。 　千住酒合戦は俳諧の会ではなく、千住の飛脚問屋の主人の還暦を祝う酒呑イベントで、総勢約100人も参加したようです。そのなかには、巣兆の友人だった谷文晁を始めとする江戸の文化人たちの姿もありました。 　また数年後には、巣兆や文晁の書画などの展覧会が源長寺（足立区千住仲町）で開催されています。源長寺は、当時、巣兆寺と呼ばれ、巣兆が生前に酒を飲み、絵を書いていた巣兆ゆかりの場所です。 足立区千住仲町にある源長寺（画像：(C)Google）　そして、前述の狩野派の絵師・狩野寿信の3代前の狩野章信（1765～1826年）も千住酒合戦に参加していた文化人のひとりであり、千住と狩野派の絵師との交流は世代を超えて続いていました。 　このように巣兆が造った文化サロンを通じて、江戸の文化人と千住の人々の文化的交流が広がり、千住文化の発展や貴重な芸術作品を生み出され、今に伝えられています。 発展を支えた創造的空間　千住という地域は元々、宿場町という街の特性から多様な人々との交流やつながりが多く、他者を受け入れて、町を発展させてきた背景を持ちます。 　こうした他者との交流に寛容な街は社会に多様性をもたらし、文化的交流も促進します。 　千住文化の発展や貴重な芸術作品は、その結果と言えるのです。

都内23区にワインの「ぶどう畑」があった！ 場所はどこ？ 醸造酒と地域コミュニティーの関係性に迫る

日本酒やワイン、クラフトビールと聞くと、地方をつい想像しがちです。しかし東京都内にも製造しているところがあります。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。醸造酒 ＝ 地方のもの？　皆さんは醸造酒と聞いて、何を思い浮かべるでしょうか。恐らく日本酒やワイン、クラフトビール（地ビール）だと思います。 　日本酒では地方の地酒、ワインでは山梨ワインなどが有名です。これは、醸造酒の原材料が地域文化と深く結びついているためです。 練馬区にある東京ワイナリーのぶどう畑（画像：清水麻帆）　そんななか、東京23区内でも日本酒、ワイン、クラフトビールがつくられています。 芝に東京23区内で唯一の酒蔵が　東京23区内の酒蔵は現在、東京港（みなと）醸造（港区芝）だけです。開業は2011(平成23）年。都営地下鉄三田駅から歩いて5分もかからない、周囲はオフィスビルに囲まれた都心に立地しています。一見すると、ここで酒造りが行われているようには見えませんが、酒蔵に必ずある「杉玉」「酒林」が軒先にぶら下がっています。なお、酒造りは4階建てのビルのなかで行われています。 港区芝にある東京港醸造（画像：清水麻帆）　さて、なぜこんな都心に酒蔵があるのでしょうか？ それはこの場所に、蔵元が元々暮らしていたということと、蔵元の仕事の歴史に深く関係しています。 　蔵元は現在、雑貨業を経営していますが、実は幕末に芝で造り酒屋・若松屋を経営していたのです。若松屋は1812（文化9）年から100年続いていましたが、1909（明治42）年に廃業。その後は飲食業から現在の雑貨業へと変容し、晴れて蔵元として再開されたのでした。 使用する水は東京都の水道水使用する水は東京都の水道水　若松屋は薩摩藩の御用商人として、芋焼酎や濁り酒を製造し、それらを藩の屋敷に納めていました。また酒蔵でもありましたが、奥座敷があり、当時の要人だった西郷隆盛、勝海舟、坂本竜馬、山岡鉄舟、高橋泥舟（でいしゅう）などが訪問、西郷隆盛は寝泊まりにも利用していたと言い伝えられています。 　こうした背景から、江戸無血開城に尽力した人物が杯を交わしたとされる場所にちなんで、最高級品には「江戸開城」の名が付けられています。 　また東京港醸造の商品の特徴として、東京都の水道水が使われている点が挙げられます。東京の水道水は高度な浄水処理がなされ、「東京 水」としてペットボトルでも販売されています。 　また鉄分やマンガンを含まず、硬度も中軟水で、日本酒造りに適しているため、個性を形づけるひとつの要素になっています。2019年には、原材料の米・水・酵母・土地が全て東京産という「純米吟醸原酒 江戸開城 All Tokyo」が開発・販売されています。 東京港醸造が手掛ける日本酒の数々（画像：清水麻帆）　さらに、サステイナブルな取り組みを積極的に行っているのも東京港醸造の特徴です。酒造には洗米工程があり、米1kgに対して水10lが必要で、それがとぎ汁として排水されることで、環境負荷となっています。こうした問題に対して、「Sustainable Sake Project（持続可能な日本酒プロジェクト）」という無洗米を使った醸造方法を研究、従来の味や品質に劣らない製品を作り出しています。 　このように「東京港醸造」は23区内で酒蔵を復活し、その地域性や個性を生かしつつも、社会に優しい日本酒造りに取り組んでいるのです。 23区内でぶどう畑を持つワイナリーも23区内でぶどう畑を持つワイナリーも　東京ワイナリー（練馬区大泉学園町）は東京23区内で唯一、ぶどう畑を持つワイナリーで、大田市場（大田区東海）で野菜の仲卸をしていた越後屋美和さんが始めました。 練馬区大泉学園町にある東京ワイナリー（画像：清水麻帆）　ぶどう畑は練馬区の大泉学園周辺に位置し、越後屋さんが持っているひとつと農家と契約している五つの合計六つで、それぞれの面積は大きくないものの、丁寧に管理されています。 　なぜ練馬区内でぶどうをつくり、そのぶどうでワインをつくりはじめたのでしょうか。越後屋さんによると、元々市場に勤めていたこともあり、東京の農業を元気にしたいという思いから、ワイナリーを2014年に開設したということでした。 　練馬区の農地面積は23区内1位で、江戸野菜でもある練馬大根が有名であるように、農業がさかんな土地柄であり、その文化も継承されています。越後屋さんのほか、農家の人たちがワインづくりで協力しているため、練馬の農業コミュニティーによってつくられているワインとも言えます。 練馬産ブランドのワインを開発　ここで提供されるフードも地元練馬や東京の野菜を中心としており、東京ワイナリーのワインに合うものを提供しているそうです。こうした活動を通して、東京在住の人たちにもっと東京の農業や野菜の魅力を知ってほしいと、越後屋さんは話していました。 　そのため、東京産の高尾ぶどうを100%使ったワインや「練馬ヌーボー」（11月限定）など、ほかにも東京産や練馬にこだわった製品がつくられています。また、練馬のぶどう畑を歩いて見学しながら、品種ごとの葉の違いや新芽をかじる体験プログラム「ねりま青空マルシェ」も行っています。 東京ワイナリーのぶどう畑の地図（画像：清水麻帆）　さらに「ねりまワインプロジェクト」では、質の高い練馬産ブランドのワインを開発。「食農文化のまち」としてのアピール活動も行っています。 　また前述の東京港醸造と同様、持続可能な活動として、練馬産のぶどうの剪定（せんてい）枝でつくったリースを地域住民の人たちに無料配布したり、ワインの製造過程で排出されるオリをせっけんに再利用して販売したりする取り組みも積極的に行っています。 下町の人びとに愛されるクラフトビール醸造所下町の人びとに愛されるクラフトビール醸造所　北千住には、クラフトビールの醸造所・さかづきブルーイング（足立区千住）があります。開業したのは、ビール大手のアサヒビール（墨田区吾妻橋1）で商品開発に携わっていた金山尚子さんです。 足立区千住にあるさかづきブルーイングの醸造所（画像：清水麻帆）　ブルワリーの1階には醸造所と、そこでつくられたクラフトビールの立ち飲みのスペースがあり、2階がビールとそれに合う料理が提供されるオープンキッチンのレストランになっています。なお、ビールはテイクアウトで量り売りもしています。 　1階には、目当てのクラフトビールを決めて注文している常連の人、店に初めて立ち寄り店員さんにお勧めを聞く人、お目当てのクラフトビールが売り切れていた人などさまざまな人たちが見られ、世代も若い人から老いた人まで多様です。ここでしか飲めない味を求めて、皆、ここのオリジナルのビールを求めてやってきます。 　10種類ほどあるクラフトビールのネーミングもユニークです。そのネーミングも金山さんが付けているそうで、訪問時に直接聞いてみるといいかもしれません。 　金山さんは醸造家ですが、接客も行っているため、その際、希望の味を聞いてレシピを書いたり、感想を次の醸造に生かしたりしながら、ビールづくりに励んでいるそうです。コミュニティーの人びとの声が反映されたビールづくりから生まれる、北千住でしか体験できない味、いうなれば「千住ビール」がここで体験できるのです。 　クラフトビールを通じて地元の人びとが集う場所にしたいという目標について、金山さん自身は現状、達成できていると感じているそうです。 醸造酒と地域性醸造酒と地域性　小規模でローカル志向な職人たちが丹精こめてつくった醸造酒は、地域文化や地域コミュニティーに関わりながら形作られています。それが地域のフードカルチャーとして形成され、地域の活性化や街づくりに貢献していくことにつながります。 　実際にアメリカ・ニューヨークのブルックリンで創業したブルックリン・ブルワリーはそれを体現しています。 　創業者であるスティーブ・ヒンディによると、ブルックリン・ブルワリーは、地域のフードカルチャーとしてコミュニティーに貢献しつつ、活気づけて再生させたと述べています。現在ではニューヨークを飛び出し、ブルックリン・ブルワリーは世界的な企業にまで発展、図書館とバーが一体化したサロン・K5（日本橋兜町）の地下に世界初のフラッグシップ店「B」を開業しています。 日本橋兜町にある「B」の入るK5（画像：(C)Google）　東京23区内には、ほかにもワイナリーやブルワリーが点在しています。コロナ禍のため、お取り寄せやテイクアウトでさまざまな地域性やそのオリジナリティーを家で楽しんでみてはいかがでしょうか。

治安が悪いって言ったの誰？ 「住みたい街」に大変貌する足立区を支える強固な草の根活動

ネガティブなイメージで語られがちな東京・足立区。しかし近年「住みたい街」1位に輝くなど、その変貌が注目されています。背景にはいったい何があるのでしょうか。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。犯罪は減少、地域愛は増加　東京都の区部北東部に位置する足立区――。皆さんはそんな足立区にどのようなイメージを持っているでしょうか。 東京都足立区（画像：(C)Google）　犯罪や貧困が多いなど、ネガティブなイメージのある人もきっと少なくないでしょう。しかし近年は老若男女が集まる活気ある街に生まれ変わりつつあり、イメージは飛躍的に向上しています。 　例えば区内の北千住は、「SUUMO住みたい街ランキング2021 関東版」の「穴場だと思う街」で2015年から2021年まで7年連続、1位に選出されています。 　また、足立区住民の意識に関しても、世論調査で同様の結果が得られています。足立区民の約ふたりにひとりは足立区を誇りに思っており、区民による足立区への評価も以前に比べて格段に上がっています。 　実際、区内の犯罪件数（刑法犯認知件数）はこの20年間、減少傾向が続いています。2001（平成13）年の件数は1万6800件を超えていましたが、2020年には3693件まで減っています。前年よりも約1000件以上減少し、2年連続で戦後最小の件数となりました。 　なお犯罪件数の多さは23区中19位で、人口比にすると9位。つまり、23区内で犯罪数が一番多いわけでもなく、むしろ以前の状況を勘案すると健闘しているのです。 　それは区民の意識調査にも表れています。2012年には「治安が良いと思う」割合が「治安が悪いと思う」を超え、それ以後「治安が良い」と思う住民の割合は増加し、2020年には60%以上に達しています。 　つまり、2012年を契機に犯罪件数の低下だけでなく、街に対する住民の意識や体感も転機を迎え、劇的な変化が見られます。 レシピ本にもなった足立区の給食レシピ本にもなった足立区の給食　では、なぜ劇的に変化したのでしょうか。 　その背景には、 ・区が大学誘致（2003年～現在）を始めとするさまざまなアプローチを行っていること ・地域の人びとが一体となって街づくりを行っていること が挙げられるでしょう。 　今回はそのひとつである「食」を取り上げます。まずは給食です。足立区の給食はおいしく、栄養のバランスが取れていることで知られます。2011年に出版されたレシピ本「東京・足立区の給食室」（泰文堂）は約6万部を売り上げました。 「東京・足立区の給食室」（画像：泰文堂）　副題にあるように「日本一おいしい給食」を目指し、化学調味料は使用せず、地元の野菜をなるべく使用し、ソースなどもすべて手作りのものを提供しています。 　掲げられたモットーは次の四つで、 ・味（美味しいこと） ・食材（安全・安心・新鮮で旬な地産地消のもの） ・献立（食文化の継承や食べたくなるメニューの提供など） ・環境（安全で衛生的な調理環境や食事の雰囲気など） 食を通して「生きる力」「感謝の気持ち」を理解し、「給食時間の充実」「残菜ゼロ」を目標としています。 　その結果、課題のひとつである残菜量の減少を達成しました。足立区によると、2008（平成20）年度の小中学校の残菜率と残菜量はそれぞれ11%、381tでしたが、わずか2年で7%、106tまで減少しています。 市場との連携で野菜情報強化　では、実際の取り組みをいくつか見てみましょう。 　足立区は昨今のコロナ渦で、給食を急きょ「簡易昼食（2皿以下）」にする必要がありました。しかしその課題にも迅速に対応し、栄養バランスの考えられた新たな丼ものメニューが開発されました（簡易給食は8月で終了）。 　足立区によると、小中学校の子どもたちが選んだ「丼ものランキング」では、1位がわかめご飯・煮物でした。そのほかにはキムチチャーハン、シチュー、ねぎ塩豚丼、焼きそば、種々（いろいろ）ピラフ、揚げパン、中華丼など、さまざまな丼ものや一皿メニューが上位に入りました。 2020年6月の「丼ものランキング」（画像：足立区）　このほかにも、メキシカンライスやプルコギ丼など、大人でも食べてみたいと思わせるものがあり、子どもたちが給食が楽しみになるようさまざまな工夫がなされています。 　それが功を奏したのか、丼もののメニュー期間の残菜率は1%前後で、ほとんどの学校で廃棄がなかったという結果になりました。 　また、北足立市場（足立区入谷）と北足立市場協会、足立区とが「あだちベジタブルライフの事業協力に関する覚書」を締結し、野菜に関する知識などの提供を含め連携しています。 　さらに子どもたちが地元農家との交流を通じて、食への関心やおいしさを楽しみながら学べる「食に関する授業」を行うなど、食育にも積極的に取り組んでいます。こうした授業を通じて、野菜嫌いの子どもが野菜を食べられるようになったという例も報告されています。 　このような取り組みは、野菜の知識を広げ、その消費を促進し、地域内経済の循環につながります。 地域でこども食堂を支える地域でこども食堂を支える　地域社会でも同様な取り組みが自然と行われています。 　足立区が情報提供・発信しているこども食堂は区内で15か所（2021年3月時点）ですが、それ以外の子ども食堂の団体や地域の飲食店も子どもたちの支援を積極的に行っています。例えば、子ども食堂「六町100円食堂」です。 　コロナ渦で子ども食堂が開催できなかった際、六町駅前商店会の飲食店が協力し、「キッズランチ」という100円弁当を提供しました。同様に「あだち子ども食堂たべるば」も、本来の子ども食堂が開催できないため、見守りも兼ねて、子どもたちの自宅に弁当を届け、iPadも無料配布。オンラインでの交流を促進し、居場所を作る取り組みを行いました。 2021年3月時点の「子ども食堂MAP WITHフードパンドリー あだち」（画像：足立区）　そのほか、コッペパンのサンドイッチを販売する2538kitchen DELI-coupe（足立区千住）は2020年の学校休校を受けて、子ども弁当を1食250円で販売していました。子育てパレットは当該会員のひとり親家庭に、企業などから寄付された食品を届けたり、子どもに関する相談を受け付けたりしています。 　そのなかでも特筆すべきは、足立区内の野菜と花き専門の市場である北足立市場の関係者が設立した「こども食堂支援協議会」の活動です。 　この組織は2021年4月の時点で、子ども食堂を運営する18団体に助成を行っており、助成は当該市場の野菜の即売会で得た収益から配分されています。即売会はボランティアで構成され、西新井大師参道（毎週土曜・午前）など区内8か所で、定期的に開催されています。 　このように地域一体となって食を通じて、子どもたちの心身の健全化を図り、地域の人びととの交流やつながりを作ることで、貧困や犯罪の悪循環を断ち切り、非行の減少にもつなげています。 　また地産地消は地域内の経済循環を促進し、地域経済の活性化にも一役買うことにもつながります。食を通じた相互互助の活動や取り組みが街自体を活性化し、住民のつながりや絆を深め、自然と街自体を元気にする原動力になっているのです。こうした食を通じた実質的な草の根活動が、街の景色やイメージを変容させているのです。

「鉄腕アトム」から「はじめの一歩」まで！ 今、都内のマンホールが熱すぎる

都内を普段歩いていて、凝ったデザインのマンホールをよく見かけないでしょうか。その歴史と近年の役割について、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。明治初期のマンホールは木製　突然ですが、映画『ローマの休日』で知られる「真実の口」、実はマンホールだったことをご存じでしょうか。 　映画のなかで、新聞記者役のグレゴリー・ペックがオードリー・ヘプバーン演じるアン王女を「真実の口」へ連れて行き、「真実の口」の口に手を入れます。「嘘をついていると手を喰（く）われる」とからかうグレゴリーに、オードリーが驚き、必死で彼の手を引き抜こうとする――。 　そんな「真実の口」はもともと、貴族の家に設置されていたマンホールだったのです。 　なお、最古のマンホールはメソポタミア文明に作られたと言われており、インダス文明の古代遺跡・モヘンジョダロにも下水道が存在していたことが記録されています。 　業界団体の日本グラウンドマンホール工業会（千代田区二番町）によると、明治初期のマンホールは木製の格子のふたで、日本初の下水道は神奈川県の御用掛（ごようがかり）だった三田善太郎が設計しました。 　1881（明治14）年に横浜の居留地に敷設され、1884年から1885年にかけて鋳物製に交代。その最古のものが、神田下水（東京都）にあった「鋳物製格子型」であるといわれています。 　現在の原型となるマンホールは、東京大学の教員で、内務省の技師だった中島鋭治が東京の下水道を設計する際、西欧のマンホールを参考にして作られたのではないかと言われています。これは「東京型」と呼ばれ、全国に広まった一方、名古屋の技師であった茂庭忠次郎が内務省に入ったことから、「名古屋型」も各地に広まりました。 海外で評価され始めた日本のマンホール海外で評価され始めた日本のマンホール　昭和30年頃になると、神戸市や大阪市が独自の型を使用するようになり、機能性だけではなく、ふたにデザインが施されたものが現れます。 　1985（昭和60）年以降は、建設省（現・国土交通省）が下水道事業のイメージをよくするために、自治体独自のマンホールを推奨。その後、現在でもよく見かける色付けされたマンホールが登場するようになります。 神田駿河台にある「鉄腕アトム」のデザインマンホール（画像：清水麻帆）　デザインも多様化し、当初は自治体の紋章や植物などだったデザインが、自治体のマスコットキャラクターやアニメ・漫画コンテンツなどに変化しています。 　その芸術性が評価され、海外で日本のデザインマンホールのアートブックが出版されたり、マンホール巡りをする人たちも出てきたりしました。 アニメコンテンツを使ったデザインも　こうした歴史をたどってきたデザインマンホールですが、東京都では現在、アニメ等のコンテンツを使ったデザインマンホールの製作・設置に取り組んでいます。 　2021年4月以降、オリンピック・パラリンピック開催前までに、新たなデザインマンホールを10区27か所に設置しています。一部を紹介すると、 ・新宿区：ゴジラ ・練馬区：銀河鉄道999、うる星やつら、あしたのジョー ・足立区：はじめの一歩 ・葛飾区：こちら葛飾区亀有公園前派出所 などです。 　これらのデザインに使われているコンテンツは、その地域にゆかりのある、または何らかの関係のあるものが採用されています。 　例えば「はじめの一歩」が足立区のデザインマンホールとなった背景には、作者の森川ジョージさんが同区の出身であることが関係しています。 足立区役所にある「はじめの一歩」のデザインマンホール（画像：清水麻帆）　足立区役所（足立区中央本町）では2021年4月19日から23日まで、足立区のマンホール展が開催され、そこにも展示されていました。 　主人公・一歩とライバル・千堂との対戦場面などがデザインされ、足立区内3か所（北千住駅東口ロータリー交番付近、梅島駅周辺、西新井・ギャラクシティ入り口前）に設置される予定です（具体的な日程は未定）。 デザインマンホールと観光振興デザインマンホールと観光振興　すでに設置されているものでいえば、 ・千代田区：鉄腕アトム ・世田谷区：ウルトラマン ・渋谷区：3月のライオン ・北区：東京都北区赤羽、のらくろ ・府中市：ちはやふる ・多摩市のハロー・キティ ・調布市：ゲゲゲの鬼太郎など など、ほかにもたくさんのデザインマンホールがあります。 千駄ヶ谷にある「3月のライオン」のデザインマンホール（画像：清水麻帆）　これらも同様に、各地域とゆかりがあります。 　世田谷区には、ウルトラマンの生みの親である円谷プロダクションが立地していました。また、鉄腕アトムは「お茶の水小学校」に通っており、お茶の水博士などお茶の水の地名にゆかりがあることから設置されました。 　また「3月のライオン」は主人公の桐山零がプロ棋士という設定で、桐山が対局に訪れていた将棋会館や、将棋の王将の駒が納められた将棋堂のある鳩森八幡神社が渋谷区千駄ケ谷にあるため、同地に設置されています。 　そのほか、自治体独自のマスコットキャラクターが描かれているものもあります。このように、昨今のデザインマンホールは、下水道のイメージアップから観光振興へと、その目的を変化させています。 デザインマンホールで地域の魅力発見　例えば足立区のデザインマンホールは、マスコットキャラクターの「ビュー坊」が区内7か所の名所を紹介するデザインとなっています。 　足立区といえば、関東厄よけ三大師のひとつでもある西新井大師（足立区西新井）が有名ですが、それを背景にビュー坊がだるまを抱えるデザインマンホールがあります。だるまを抱えているのは、節分に西新井大師で「だるま供養」が行われていることが関係しているのでしょう（場所：西新井西口バスロータリー付近）。 千住曙町にある「隅田川関屋の里」のデザインマンホール（画像：清水麻帆）　そのほかにも、ビュー坊が足立区の花火を見上げているもの（場所：北千住東口交番前）や、ビュー坊がしょうぶ沼公園（同区谷中）を散策しているもの（場所：綾瀬駅西口・通称ハト公園向かい側）、ビュー坊が東京武道館で柔道着を着ているもの（場所：綾瀬駅東口みずほ銀行前）、ビュー坊が葛飾北斎の浮世絵「隅田川関屋の里」の絵の中に入り込んでいるもの（場所：東武牛田駅・京成関屋駅プチテラス前）などがあります。 メディアとしてのマンホールメディアとしてのマンホール　こうしたデザインマンホールは、私たちの生活に欠かせない下水道のふたというインフラとしての機能はもとより、現在では芸術品、観光スポットとしての役割を果たすようになっており、「マンホールツーリズム」とも言えます。 　加えて、デザインマンホールは地域の人が地域の魅力を再認識するだけではなく、域外の人に来てもらうという機能も同時に果たしているのではないでしょうか。そういう意味において、地域資源や魅力発信のメディア（媒体）としても機能しているのです。 　一方、筆者もそうですが、多くの人はいつも通っている道のマンホールをじっくり見ることはないでしょう。コロナ禍でマンホール巡りはできませんが、近所にデザインマンホールがあるのか、また、それが何のデザインなのか、ということを調べれば、地域と歴史に関して新たなプチ発見ができるかもしれません。

東京五輪から正式種目 「スケートボード」が持つ見逃せない社会的意義とは

ストリート・カルチャーからスポーツへ　2020年に開催予定だった東京オリンピックの競技種目になったスケートボードは、現在注目度が上がっているスポーツです。1994（平成6）年にアメリカで初めて開催されたエクストリームゲームズ（現エックスゲームズ）でカテゴリー化され、10年後には国際的な連盟が誕生。以降、競技スポーツとして定着しています。 　日本におけるスケートボードの競技人口は男女合わせて2000人程度ですが、趣味とする人はさらに多く、全国にスケートボードパーク・スポットは約365か所あります。 スケートボードのイメージ（画像：写真AC）　そんなスケートボードは、元々ストリート・カルチャーとして発展してきました。発祥の地は1950年代のカリフォルニアで、サーファーたちが始めたと言われています。現在では世界中に広まり、アジアでも浸透しています。 　スケートボードを始めるきっかけを東京都内の大学に通う学生たちに聞いたところ、友人の誘いや勧めなど、周りにスケートボード経験者がいたということが大きく影響していることがわかりました。 滑るだけじゃないスケートボードの魅力滑るだけじゃないスケートボードの魅力　スケートボードをしている人たちによると、その魅力は滑る楽しさはもとより、 ・コミュニティーづくり ・技を習得した際に得られる高揚感 などにあるようで、「けがさえもいい思い出のひとつになる」とのことでした。 　また、スケートパークや公共のスポットで友人ができたという人がほとんどで、そうしたこともまた魅力のひとつになっているのでしょう。年齢や性別、職業などに関係なく、多様性や他者を受け入れる寛容性のある世界観（ノーボーダー））を作り出しているのがスケートボードとも言えます。 　実際、女性スケーターも増加しています。 漫画『スケッチー』（画像：講談社）　増加は2000年頃から。最近ではスポンサーも増え、プロスケーターも出てきています。話を聞いた学生たちもそれを実感しているようです。そうした世相を反映するように、女性スケーターが主人公の漫画『スケッチー』も発表されています。 『スケッチー』の聖地巡礼『スケッチー』の主人公はスケートボード初心者のアラサー女性で、その葛藤や成長を描いた作品です。 　物語の舞台は、都内の実在するスケートボードパークやスケートボードのスポット。スケートボードをやっている人が絵を見れば「あっ、あそこだ」とすぐにわかるのではないでしょうか。 　主人公と友人は第2巻でスケートボードパークにデビューするのですが、場所は駒沢オリンピック公園（世田谷区駒沢公園）のスケートパーク。このスケートパークは、都内でスケーターが最も集まる場所といっても過言ではありません。 駒沢オリンピック公園内にあるスケートパーク（画像：(C)Google）　初級から上級に合わせた四つのランプ台などが備え付けられたスケートパークは、2016年4月にリニューアルされ、女性スケーターやプロスケーターはもとより、老若男女から家族連れまで、スケートボード初心者から上級者までと誰でも楽しめる無料スポットとなっています。 草の根文化としてのスケートボード草の根文化としてのスケートボード　作中には、ほかにも「ムラサキパーク東京」（足立区千住関屋町）が登場します。 　ここは都内屈指のスケートパークで、ムラサキスポーツ（台東区上野）が2009年に足立区の旧アメージングスクエア遊園地跡地につくられ、スケート・BMX・インラインに対応しています。スケーターたちからは「アメージングスクエア」というニックネームで親しまれており、『スケッチー』の主人公が初めてスクールに参加する場面でも描かれています。 　作品にはほかにも、お台場の夜景が一望できる「ライジン スカイガーデン by H.L.N.A」（江東区青海）など、いろいろな場所が登場します。 江東区青海にある「ライジン スカイガーデン by H.L.N.A」（画像：(C)Google）　また、スケートボードを初めて買うシーンでも実在するブランドが描かれており、デッキの絵についての背景なども詳細に説明されています。また、その他、登場人物たちが身につけているアパレルや靴なども実在するブランドが描かれており、登場人物それぞれの個性も表現できます。 　この作品で特筆すべきなのは、スケートパークの常連たちからプロ女性スケーター・選手まで登場することです。例えば、駒沢公園の元祖“駒ドル”や令和の”駒ドル”などの女性スケーターが漫画では紹介されており、実際のパークに行けば会える可能性があり、漫画の世界観を現実空間で体験できるかもしれません。 　また前述のように、ノーボーダーのスケートボードは人びとの横のつながりを作り出します。それが多様な人びとの存在するコミュニティーを形成し、地域を元気づける、活気づける要素のひとつになり得るのではないでしょうか。 　特に女性スケーターのコミュニティーではノーボーダーの精神を大切にしているようで、初心者も熟練者も関係なく、同じ空間で一緒に楽しんで滑ろうというのがモットーになっている雰囲気があるのでしょう。 　実際『スケッチー』にもそうした場面はよく出てきます。 　前述のように主人公とその友達は初心者のため、駒沢公園でのデビュー時にはなかなか入ることができなかったのですが、顔見知りの常連の女性スケーターに声をかけてもらい、そこで教えてもらうことで、楽しむことができたシーンが描かれています。 　つまり、スケートボードというものを媒介として、草の根文化もしくはコミュニティーが作り出されていると考えられます。 スケーターコミュニティーの行方スケーターコミュニティーの行方　こうした側面は、コミュニティーづくりや地域再生といった面で社会に貢献できます。例えばスケートボードの生みの親であるサーフィンにおいて、多くのサーファーは自然環境問題に関心が高く、ボランティアで海岸でのゴミ拾いや掃除などを行うコミュニティーが数多く存在しています。 　またフィリピンの女性スケーターで、アジア大会で優勝したマージリン・ディダルさんはフィリピン国内でのスケートボードの認知度を高めたことだけでなく、自身と同じ貧しい境遇の人たちの希望になりました。結果、彼女の偉業によって政府がスケートボード振興に対して支援を行うようになり、フィリピンのスケーターコミュニティーの環境も改善されるようになったのです。 　このように、スケートボードはファッション性やサブカルチャーといった要素はもとより、実際に滑って技を磨く楽しさや、多様性のあるつながりによって、若者をとりこにして言えます。 スケートボードのイメージ（画像：写真AC）　そして時代を超え、それらを繰り返すことで、現在は幅広い世代が垣根なくつながれる空間となりました。そして、若者が世界一を目指すことができる競技スポーツとなり、さらなる飛躍を遂げてきました。 　一方、東京では公共のスケートパークが多く点在していますが、騒音や危険・破損行為などの課題もまだ残されているところもあります。今後、ストリートカルチャーとしてのスケートボードを継承し、楽しく滑るためにも、地域の人びとや社会とコミュニケーションを取ることが必要です。 　例えば、スケーターコミュニティーがサーファーコミュニティーのように草の根文化として発展できれば、地域社会に貢献するような存在になれます。コロナ渦で外出が難しいですが、公園のスケートパークでスケーターを見かけたら、技などを鑑賞してみてください。

『刀剣乱舞』ファン1万6500人のデータから分かった「刀剣文化」醸成のリアル

近年の刀剣ブームをけん引する育成シミュレーションゲーム『刀剣乱舞』とその派生コンテンツ。その魅力について、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。『刀剣乱舞』から生まれた刀剣ブーム　近年、刀剣鑑賞をする人が増えています。 　その始まりは2015年から。実際に同年5月、東京国立博物館（台東区上野公園）で天下五剣のひとつでもある国宝「三日月宗近（みかづきむねちか）」や国宝「亀甲定宗（きっこうさだむね）」の展示が行われた際には、約100人が早朝に列をなしたことがニュースになりました。 　2016年にも、永青文庫（文京区目白台）でも「歌仙兼定（かせんかねさだ）」の展示が行われ、同年7月9日から始まった展示会の来訪者は、2か月あまりで約1万5000人を超えました。そのほかにも、同様な事象は全国各地で見られます。また、刀剣巡りの関連書籍も増えています。 　これまで、美術品としての刀剣の鑑賞者は相対的に年齢層の高い男性が多く、また刀剣自体や歴史、武器などに関心の高い人でした。それが今では、若い世代や女性が増えているのです。 　その背景には、人気ゲーム『刀剣乱舞-ONLINE-』（2015年1月配信）』や『刀剣乱舞－ONLINE-Pocket』（2016年3月配信）の配信があります。多くの若者が「刀剣」に興味・関心を持つようになったのは、『刀剣乱舞』のコンテンツやメディアミックス（複数のマス・メディアを組み合わせて展開する広告戦略）に深く関係しています。 1年間で計400万時間もプレーされている大人気ゲーム「刀剣乱舞」（画像：DMM GAMES）『刀剣乱舞』の物語の設定は西暦2205年。プレーヤーは歴史を守る使命を与えられた「審神者（さにわ）」として、さまざまな時代に送り込まれ、歴史を改変しようとする敵と戦います。 　歴史改変を阻止するために戦うのが、著名な刀剣に宿った付喪神（つくもがみ）の『刀剣男士』です。プレーヤーは、『刀剣男士』を本丸（刀剣男士が暮らす場所）に集めて鍛錬。部隊を結成し、さまざまな合戦場を攻略するという、育成系シミュレーションゲームになっています。 　また、ゲームの配信と同年に2.5次元ミュージカルのトライアルが上演され、舞台化、アニメ化などさまざまなメディアで作品化。現在、ゲーム以外でもファンを増やしています。 ファンの8割以上が「刀剣巡り」の経験ありファンの8割以上が「刀剣巡り」の経験あり　2021年1月14日（木）から2月5日（金）まで実施した約1万6500人の『刀剣乱舞』ファン（2.5次元ミュージカル・アニメも含む）へのアンケート調査の結果によると、『刀剣乱舞』に関連する刀剣巡りをしたことがあると答えた人は、全体の80.3%を占めました（博物館・美術館・所縁〈ゆかり〉の地などを含む）。 　そのなかでも10か所以上訪問したことがある人が最も多く、全体の23.5%。次いで3か所が17%、2か所が15.7%を占めました。 　特筆すべきは、5か所以上訪問している人の割合が、全体の約半数を占めていたことです。そのうち、再訪したことがあるという人も全体の70.7%を超えており、多くの人が何度も足を運んでいることがわかります。 約1万6500人の『刀剣乱舞』ファンを対象に行ったアンケート調査の結果（画像：清水麻帆）　その再訪の理由（複数回答）も、「実在の刀剣を再度鑑賞するため」が全体の81%、「一度の訪問で回りきれなかった所縁の地を巡るため」が50.5%、「刀剣男士を感じたいため」が36.6%となりました。 　このように、『刀剣乱舞』が刀剣鑑賞の人口増加に大きく影響を及ぼしたことは間違いないでしょう。つまり、『刀剣乱舞』の魅力がこうした「刀剣巡り」につながっているのです。 『刀剣乱舞』キャラの世界観とは『刀剣乱舞』の魅力と言えば、刀剣男士です。そこで今回は「東京刀剣巡り」と称し、 ・『三日月宗近』（所蔵：東京国立博物館） ・『大包平（おおかねひら）』（同） ・『明石国行（あかしくにゆき）』（所蔵：刀剣博物館〈墨田区横網〉） ・『和泉守兼定（いずみのかみかねさだ）』（所蔵：土方歳三資料館〈日野市石田〉） における、ゲーム内のキャラクターの世界観を紹介します。 墨田区横網にある刀剣博物館（画像：(C)Google）『三日月宗近』は、11世紀（平安時代中期）につくられた、天下五剣と言われる名刀のひとつで、美的価値も高いとされる作品です。そのため、キャラクターもそうした世界観を反映しています。 「まあ、天下五剣のひとつにして、一番美しいともいうな」 とせりふで言っており、優美で物腰も柔らかく、高貴な感じが漂うキャラクターです。そのためか、畑当番が回ってきたときに農機具の使い方を知らず、どう使うのかと尋ねてきます。また歴史ある刀のため、自分のことを「じじい」と呼ぶこともあり、おちゃめなところも見え隠れするキャラクターと言えるでしょう。 『大包平』は前述の天下五剣の刀剣にライバル心があるようで、 「名刀の中の名刀だ」 「刀剣の横綱だ」 「世の中皆間違っている、天下五剣がなんだ」 「天下五剣の中には入っていないが、評価されたのが遅かっただけ」 とのせりふがあります。この背景には、『大包平』は古備前を代表する大傑作にもかかわらず、天下五剣に入っておらず、価値が正当に評価されていなかったことに不満を持つキャラクターとして描かれていると考えられます。 個性ある関西弁キャラの『明石国行』個性ある関西弁キャラの『明石国行』　実際に『大包平』を所有していたのは、勇将・池田三左衛門輝政（1565～1613年）でした。池田三左衛門輝政は、戦国時代の天下を取ってきた織田信長、豊臣秀吉、徳川家康に仕えていた武将です。『大包平』は彼の愛刀として池田家に代々継承されてきたことからも、圧倒的な名刀であることは間違いないでしょう。 　また『大包平』のせりふで、隊長になれなかった際に「屈辱だ」、隊長になった際には「当然だ」と言っていることからも、正当に自分の刀剣としての価値を評価してほしいというキャラクターが描かれていると考えられます。 　一方、『明石国行』は関西弁のキャラクターです。なぜ関西弁なのかは不明確ですが、『明石国行』の名前からもわかるように、播磨国明石藩主（現・兵庫県姫路市）である明石松平家に代々伝わっていたことに由来しているためかもしれません。 「自分に隊長を任せていいんですか。知らんで」 「自分、やる気がないのが売りですからな～、なーんも期待したらあきまへん」 というせりふがあるように、かなり特徴のある関西弁のキャラクターです。 刀剣巡りの本の一例『刀剣聖地巡礼ガイド 東京かたな旅』（画像：ホビージャパン）　また『明石国行』と同じ「来派（らいは）」という刀派の『蛍丸』と『愛染国俊（あいぜんくにとし）』もキャラクターとして存在しており、あまり働きたがらないキャラクターの『明石国行』が『蛍丸』のためにはなぜか働くと言っています。また、彼らの保護者だと自ら名乗っていたり、彼らを見かけたら「よろしゅ～な」と言ったりするほど。 　このようなことからも、3人の関係性は刀の由来から表現されているのです。他の刀剣も同様で、同じ刀派は兄弟などとして描かれていることが多く、何らかの関係性のあるせりふが付けられています。 歴史的背景が反映された刀剣男士　そして、東京日野市の土方歳三資料館所蔵の『和泉守兼定』は、新選組の副隊長だった土方歳三の愛刀です。 日野市石田にある土方歳三資料館（画像：写真AC）『和泉守兼定』は、見た目と実用性のどちらも備えているとせりふで出てきますが、これは所有者である土方歳三の印象を含めて描かれていると考えられます。また『和泉守兼定』は、土方愛用の脇差しであった『堀川国広（ほりかわくにひろ）』を国広と呼び、 「あいつは勝手に俺の助手って名乗っている、ま、助かってるんだけど」 とうれしそうに半分照れた様子で話しています。 　このように『刀剣乱舞』に登場する刀剣男士は、刀剣の由来や所有者の歴史的背景などが反映された世界観で描かれており、ファンはそれらを知ることでキャラクターをより理解できます。 　ストーリーがほとんどない分、そうした理解が深まることで、余白の部分をプレーヤーがいろいろと想像できるため、自分だけの本丸をつくれることが魅力となっています。 　前述のアンケート調査結果からも、ゲーム『刀剣乱舞』の魅力（複数回答）についての質問で最も多かった回答は、「刀剣男士の美しい姿とボイス」で70%、次いで「想像しながらゲームができる」が60.6%という結果が得られました。なお3番目に多かった回答は「課金がなくても不利にならない」で、60%でした。 刀剣は「日本の伝統文化」刀剣は「日本の伝統文化」　さて、ここまで東京に所蔵されている刀剣（刀剣男士）を紹介してきましたが、ほかにもありますの紹介しておきます。 　まず、東京国立博物館には前述の「三日月宗近」「大包平」「亀甲定宗」のほか、 ・「大船若長光（だいはんにゃながみつ）」 ・「小竜景光（こりゅうかげみつ）」 ・「厚藤四郎（あつしとうしろう）」 などが所蔵されています。展示は常設ではありませんが不定期に行われています。「大船若長光」や「小竜景光」は2021年2月28日（日）まで展示・公開されているようです（事前に要確認）。 　次に刀剣博物館ですが、前述の「明石国行」のほか、 ・「太鼓鐘貞宗（たいこがねさだむね）」 が所蔵されています。同館も「明石国行」「太鼓鐘貞宗」「肥前国忠吉（ひぜんこくただよし）」などの展示が2021年2月21日（日）まで行われているようです（事前に要確認）。 　ほかにも、三井記念美術館（中央区日本橋室町）には「日向正宗（ひゅうがまさむね）」、日枝神社（千代田区永田町）には「一文字則宗（いちもんじのりむね）」、永青文庫には「歌仙兼定」、土方歳三資料館には「和泉守義定」、皇室御物には「小烏丸（こがらすまる）」「鬼丸国綱（おにまるくにつな）」などがあります。 中央区日本橋室町にある三井記念美術館（画像：(C)Google）　このように不定期ですが、都内ではさまざまな場所で年間通じて展示が行われています。6～7月などに定期展示されるものもいくつかあるので、コロナが収束した際は日本の伝統文化である刀剣の美しさを一度堪能してみてはいかがでしょうか。

インスタ映えだけじゃない！ 若者に今「クリームソーダ」が大人気なワケ

明治時代から愛されたクリームソーダ　現在、10代から20代までの人たちの間でじわじわと人気となっている飲み物があります。それは、クリームソーダです。台湾発のタピオカミルクティーのような爆発的な人気ではありませんが、数年前から広がりをみせています。 　昭和生まれの筆者（清水麻帆、文教大学国際学部准教授）も子どものころ、親によく連れられて飲んだ記憶があります。クリームソーダの定番といえば、緑色の炭酸にバニラアイスクリームが添えられ、ちょこんとサクランボが乗ったもの。ホテルのラウンジなどで提供される豪華なクリームソーダともなると、ブルーの炭酸に豪華な飾りやフルーツが添えられてた、南国風のカクテルをイメージさせるものもあります。 千代田区神田神保町にある喫茶店「さぼうる」のクリームソーダ（画像：清水麻帆）　クリームソーダの歴史は古く、明治時代から。その発祥は、資生堂パーラー（中央区銀座）の前身にあります。 　1902（明治35）年、資生堂薬局内にソーダ水とアイスクリームの製造と販売を行う「ソーダファウンテン」という店名で創業したことが始まりで、当時はアイスクリーム自体も珍しく、クリームソーダは最先端のものでした。そうした目新しい食べ物が東京で人気となり、全国へと広がっていったと考えられます。 　その後、1928（昭和3）年から西洋料理のレストランとして営業を開始。このとき、知名度の高かった「アイスクリーム」を店名に入れて「資生堂アイスクリームパーラー」という店名になりました。 　資生堂パーラーの歴史からも、当時からアイスクリームは知名度もあり、人気が高かったことが伺えます。なんと持ち帰り用のアイスクリームポットまであったそうです。なお現在の資生堂パーラーでも、クリームソーダはメニューの1品として提供されています。 3か月以内に飲んだことある人が半数以上3か月以内に飲んだことある人が半数以上　はやりものの多くは瞬く間に消費され、いつの間にか無くなります。一方、クリームソーダは私たちとともに生き続け、若者の間で人気が再燃しているのです。いったいなぜでしょうか。 　ひとつには、クリームソーダが日本の「当時のモダンな食文化」であることではないでしょうか。現在、そうした当時のモダンな都市文化やレトロ感を味わいたいという若者が多くいます。そのことが再燃の理由のひとつとして挙げられるでしょう。 クリームソーダを飲んだことがある回数（画像：清水麻帆）　15歳から29歳までの78人（男性46人、女性31人）を対象に実施したアンケートによると、回答者の91.9%がクリームソーダを飲んだことがあるという結果となりました。その約半数が1年以内に飲んでおり、そのうち半年以内が約71%、3か月以内が約55%を占めていました（実施期間：2020年11月30日～12月16日）。 　また、クリームソーダを10回以上飲んだことがあるというリピーターは1年以内に飲んでいる傾向が高くなっています。 　10回以上飲んだことがある人は全体の42.3%を占めており、そのうちの1年以内が70%、3か月以内が40%を占めていました。コロナ渦とクリームソーダ再燃が約数年前からということを勘案すると、若者たちの間でクリームソーダが認識され、浸透しているといえます。 飲んで「レトロな雰囲気を味わいたい」飲んで「レトロな雰囲気を味わいたい」　こうした若者たちがクリームソーダを飲むきっかけとなった理由は、次の通りです。 ・1位：レトロな雰囲気を味わいたい（32.4%） ・2位：喫茶店が好き（23.9%） ・3位：色がかわいい（19.7%） その他の理由で多かったのは、味に関するものでした（複数回答）。アイスクリームや炭酸が好きだったことやどんな味か試したいという回答がありました。 中央区銀座にある「資生堂パーラー」（画像：清水麻帆）　現在のクリームソーダはカラフルな色がつけられたり、デコレーションがされたりするものなどさまざまです。そのため、SNSへの投稿をきっかけにしている人が多いと予測していましたが、実際はその割合は全体の8.5%と低く、先述の実質的な体験すなわち「経験価値」を重視したものが上位でした。 　現在の若い世代の人たちがクリームソーダを飲むようになったきっかけは、当時の雰囲気を味わいたかったり、喫茶店が元々好きで見た目や味などに好奇心があったりしたからです。 　また、クリームソーダが好きな理由としては、 ・1位：美味しいから（78.9%） ・2位：レトロな雰囲気を味わえる（23.9%） ・3位：かわいいから（22.5%） でした（複数回答）。 　続いて1年以内に飲んだことのある人の理由は ・1位：美味しい ・2位：レトロな雰囲気を味わえる ・3位：喫茶店が好き ・3位：かわいいから で、さらに1年以内に10回以上飲んだことのあるリピーターの一番多い理由は ・1位：美味しい ・2位：かわいい（色） ・3位：喫茶店が好き の順になりました。 　1年以内に10回飲んだことのあるリピーターの男女比は均等であり「かわいい」という理由を選択した割合は、女性が62.5%、男性が37.5%だったことからも、今回のアンケート全体の属性では、男性の割合の方が23ポイント高いため、全体での理由において「かわいい」が実際よりも低い割合だったということも想定できます。 普及に大きな役割を果たした資生堂普及に大きな役割を果たした資生堂　若者たちは、味（クリームソーダの美味しさ）、場所（レトロな雰囲気を味わえる喫茶店）、そして、見た目（かわいさ）を楽しんでいるのです。 　このように、現在でもクリームソーダを通して当時のレトロな雰囲気を味わえるのは、私たちがクリームソーダを「当時のモダンな食文化」のひとつとして認識し、それが現存しているためです。 　それには、資生堂が大きな役割を果たしているのではないでしょうか。文学者の和田弘文氏は、資生堂は関東大震災後から大東亜戦争までの間、西洋的な景観となった東京銀座で、化粧や髪型などのファッションから食事、美術までさまざまな都市文化を発信する文化装置だったと説明しています（和田2011）。 　そして、資生堂パーラー（の前身）から全国に広まったクリームソーダは、今でも喫茶店などで定番メニューのひとつとなっているのです。 　現在でもクリームソーダを通して当時のレトロな雰囲気を味わえるのは、当時のモダンな食文化だった歴史的な背景と、クリームソーダを継承してきた資生堂や喫茶店の存在があったからでしょう。 　最近では、昔ながらの緑のソーダにアイスクリームだけではなく、さまざまなクリームソーダが楽しめます。例えば、東京・神保町の老舗喫茶店「さぼうる」では六色六味のカラフルなクリームソーダがあります。グリーン（メロン味）、赤（いちご味）、黄色（レモン味）、水色（ブルーハワイ味）、紫（ぶどう味）、オレンジ（オレンジ味）です（写真）。 　また銀座の資生堂パーラーのような、季節ごとに変わる上質フルーツのクリームソーダなどもあります。ちなみに12月は青森県弘前市産の「紅の夢」というリンゴのクリームソーダでした。資生堂パーラー伝統のバニラアイスクリームと、甘さ控えめのリンゴの果実が入った大人向けのクリームソーダです。 中央区銀座にある「資生堂パーラー」の季節のクリームソーダ（画像：清水麻帆）　皆さんもカラフルなイルミネーションのようなクリームソーダ、豪華なクリームソーダで、新年に彩りを加えて楽しく過ごしてみてはいかがでしょうか。

『鬼滅の刃』の聖地、台東区「浅草」が人々を引きつけてやまない根本理由

浅草の歴史文化の継承　歴史を感じられる街は数あれど、江戸時代からの風情や有形・無形の文化、人々の気質などが現在に継承されている代表といえば浅草ではないでしょうか。 　浅草は江戸時代にはすでに参詣、行楽、歓楽といったエンターテインメントを楽しむ象徴的な街で、多くの人々が集まる一大歓楽街でした。 　実際、当時は日本最初の遊園地である浅草花やしき（台東区浅草2）や映画館、劇場、花街、芝居小屋、食事処など多くの芸能・文化が集積。それらの一部は浅草の人々によって継承され、今日の浅草文化を構築しています。そうした街並みや風情が人々を魅了しているのです。 　コロナ渦なかで興行収入の歴代1位に迫りつつある『鬼滅の刃』でも、アニメ版の第7回や8回では凌雲閣（りょううんかく）や仲見世（みせ）などが描かれており、大正時代の浅草が舞台になっています。 TVアニメ『鬼滅の刃』（画像：(C)吾峠呼世晴／集英社・アニプレックス・ufotable、エクシング）　主人公の竈門炭治郎（かまど たんじろう）は、多くの人が行き交い、夜でも明るくにぎわう浅草の発展ぶりに驚きつつも、人の多さに疲れ果てます。こうしたマンガやアニメ、小説などのコンテンツでも浅草のにぎわいがよく描かれています。 コロナ前の訪問者は年間約3000万人　浅草といえば浅草寺（同）ですが、寺伝によると約1400年以上の歴史があり、コロナ前には年間約3000万人の人が訪れていました。 　浅草寺が全国に知れ渡るようになったのは、室町時代から安土桃山時代にかけて、名だたる武将たちの祈願所として定められたことに始まったといわれています。そして、その後の長期政権である江戸幕府からも祈願所とされ、現在に至っています。 　また食文化に関しても、江戸時代から続く老舗の食事処が残っています。 　例えば1801（享和元）年に創業された土壌鍋の店・駒形どぜう（台東区駒形1）、江戸銘菓の「雷おこし」が人気の常盤堂（浅草3）、1837（天保8）年創業で日本最古といわれる天ぷら屋・三定（浅草1）、1800年代前半に創業されたといわれる鰻駒形前川（駒形2）、1854（安政元）年創業の栗ぜんざいが有名な甘味処・梅園（浅草1）、1880年創業のリキュール「デンキブラン」と洋食が味わえる神谷バー（同）など、ほかにも数多くあります。 浅草寺の仲見世（画像：写真AC）　なじみがない人もいるかもしれませんが、花街も浅草文化を彩っている文化のひとつです。 　浅草花街は浅草寺の裏手、浅草3丁目から4丁目に位置し、江戸時代から続いています。大正時代の浅草の芸者数は1000人以上で、料理屋も50軒ほどありましたが、現在では20人程度に。そうしたなかで浅草花街の特徴は、現在はここにしか在籍していない男性の芸者「幇間（ほうかん）」が6人在籍していることでしょう。 浅草復興と文化浅草復興と文化　このように江戸時代からさまざまな文化に彩られにぎやかだった浅草かいわいですが、関東大震災（1923年）や東京大空襲（1945年）で大きく被災した地域のひとつでもあります。 　その際、浅草寺に続く仲見世や浅草かいわいのほとんどの建物は崩壊したり、破壊されたりしましたが、浅草寺は一部を除き、観音堂にほとんど被害がなく、人々の避難所や復興の中心となりました。 　今も昔も、避難所や参詣、観光などさまざまな目的で人々が集う場所として、歴史を目撃してきたのが浅草寺であるともいえます。 　また浅草花街も関東大震災の際に被災しましたが、すぐに復興。戦争が始まる前の昭和初期以前までに、芸者数は約750人、置き屋も約300軒、料理屋も37軒までに回復したといわれています。 　その後の太平洋戦争により、浅草かいわいは再び大きく被害を受け、それまで浅草のシンボルだった凌雲閣も関東大震災で半壊に。しかし、浅草花街は翌年に活動を再開しています。 江戸東京博物館にある「凌雲閣」の模型（画像：清水麻帆）　当時の芸者数は40人ほどでしたが、復興に向けていち早く動き出していました。毎年約200万人が集まる一大イベントである三社祭（浅草神社例大祭）にもこの頃から参加するようになり、今日の祭りの奉納舞踏につながっているのです。 　近年は、お座敷遊びをする人が少なくなるなか、芸者が自ら英語や中国語で「お座敷おどり」の演目を説明。外国人観光客に無料体験のお座敷遊びを提供するなどしていました。 　現在のコロナ渦で浅草のにぎわいはもとより、芸者衆の活躍の場がほとんどない状況が続いています。花街存続のため、東京浅草組合はクラウドファンディングを行い、181人の支援者から約535万円を集めました。 　これらの返礼品のなかで「芸者衆と直接触れあえる女子会ランチ」や「芸妓（げいぎ）体験」など魅力的なものがありました。こうした返礼品は、伝統文化継承のための財政的支援の側面もありますが、これまで芸者衆と関わることがなかった人たちに知ってもらえる機会となります。今回の危機もピンチをチャンスに変えるようなアイデアで乗り越えようとしているわけです。 草の歴史文化が続く理由　このように浅草の歴史文化が現在まで続いているのは、浅草文化を担う人々がそれぞれの技や精神、誇りを持って受け継ぎつつも、困難に直面した際には彼らが中心となり、イニシアチブを取って地域や文化の復興に取り組んでいるからです。 　そこには同じ地域文化を基盤としたコミュニティーのアイデンティティーがあり、それが復興の基軸となっています。そのため、地域復興に文化が重要な役割を果たすのです。 三社祭の様子（画像：写真AC）　地域経済学者の宮本憲一氏は、地域の維持可能な発展には住民の地域づくりへの参加が重要であると1970年代に指摘し、「内発的発展論」を提唱しています。また、都市経済学者の佐々木雅幸氏も地域づくりにおける文化や創造性の力について、「創造都市論」のなかで論じています。 　さらに文化地理学者の増淵敏之氏も、文化産業の発展には文化的なネットワークが重要であることを指摘しています。このように地域の発展において文化というものが重要な役割を果たすのです。 歴史文化が現存している街になぜ人は引かれるのか歴史文化が現存している街になぜ人は引かれるのか　現代社会に生きる私たちは、なぜ歴史文化を継承してきた浅草に、歴史文化が味わえる街やレトロな雰囲気に引かれるのでしょうか。 　私たちは時空を超えて存在している有形・無形の歴史文化に触れると、歴史と自分がつながっている、またはその歴史の一部のなかで生きていることを認識できます。それは当時を体験できることであり、さまざまな想像を駆り立てます。つまり、浅草はそうした体験ができる場所なのです。 浅草の飲食店街（画像：写真AC）　実際にコロナ前まで観光客たちが着物や浴衣をレンタルし、街を闊歩（かっぽ）している姿をよく見かけました。加えて、コロナ渦でさえも若者たちが和装で歩いている光景も普通です。 マンガやアニメから得られる想像力　また小説やマンガ、アニメなどのさまざまなコンテンツを通じて、違った想像が駆り立てられることで、自分だけの小さな楽しみを得ることもできます。 　例えば前述の『鬼滅の刃』の劇場版『無限列車編』では、炎柱の煉獄杏寿郎（れんごく きょうじゅろう）が物語の主要な人物として登場します。彼の実家は現在の東京都世田谷区といわれていますが、もし彼が当時の浅草に行ったことがあるとしたら、浅草文化やおいしいものを堪能したのでしょうか、いったい何を食べたのでしょうか…… 　これを連想したのは、煉獄杏寿郎が蒸気機関車（無限列車）のなかで牛鍋弁当をおいしそうに「うまい、うまい」といって10個以上も食べているシーンが印象的だったからです。 牛鍋弁当のイメージ（画像：写真AC）　浅草には電車が当時開通しており、江戸時代から今日まで続く歴史や文化、老舗の食事処がそのまま現存しているため、こうしたことを容易に想像でき、連想につながったわけです。同時に、煉獄杏寿郎には浅草を堪能し、楽しい時間を過ごした時間があってほしいと切に思いました。 　私たちは現存している歴史文化を通じて、さまざまな想像を膨らましたり、貴重な体験をしたりして、自らが過去・現在・未来へつながっていることを実感するのです。 　東京には浅草だけではなく、地域ごとの歴史や文化がたくさんあります。東京にある「地元」や「地域文化」をぜひ探してみてください。新たな発見や自分なりの楽しみ方が見つかるはずです。

最近の若者たちが渋い「下町銭湯」をこよなく愛するワケ

シェアリングエコノミーとは何か　ここ数年、シェアリングエコノミー（共有経済）という言葉をよく耳にします。 　シェアリングエコノミーとは、モノやサービスを共同の資源として利用する経済で、その資源を最大限に活用するために、近年はビジネスと結びつくことが多くなっています。 　例えばカーシェアリングです。 　カーシェアリングはレンタカーと異なり、個人間で車をシェアします。東京に住んでいると、地下鉄やバスでの移動が多く、普段はあまり車に乗る機会がないため、こうしたサービスは大変便利です。 　またエアビーアンドビー（Airbnb）などが日本に進出し、民泊が注目され始めた頃、シェアリングエコノミーという言葉は日本に定着しました。 　今や、コワーキングスペースやクラウドファンディングも同様、若い世代のルームシェアは当たり前です。 　加えて、コロナ渦の昨今にニーズが増しているウーバーイーツ（Uber Eats）もシェアリングエコノミーにおける代表的なひとつになりました。都内では至る所で、自転車で駆け抜けるウーバーイーツを見かけます。 日本にずっと昔からあった　このように、シェアリングエコノミーは自動車、不動産、金融、食などあらゆるビジネス分野に広がり、すでに私たちの生活にも溶け込み定着しています。今後も、情報技術革新により、さまざまな分野でのシェアリングエコノミーが広がっていくことを予感させます。 　一方、シェアリングエコノミーは実はずっと昔からありました。それは銭湯（公衆浴場）です。 足立区千住元町の「タカラ湯」（画像：(C)Google）　一昔前、各家庭にお風呂がなかった時代に、衛生上必要不可欠であったお風呂を共同で利用する銭湯は、現在でいうシェアリングエコノミーのはしりだったと言えるのではないでしょうか。 　ただ、銭湯が前述のサービスと異なるのは自治体からの助成金を受けている点です。そのため公共的要素が強く、また今も変わらず地元民たちのコミュニティーの場となっています。まさに、裸の付き合いといったところでしょう。 　これは昔から地域に根付いているからこそ、そうしたことが感じられる場所になり得るのです。 銭湯は極楽浄土だった？銭湯は極楽浄土だった？　また、銭湯は懐かしさや歴史的な古さといったノスタルジーを感じられる場所でもあります。昔ながらのケロヨンのおけが置かれていたり、壁にペンキ絵と言われる富士山の絵が描かれていたりして、年配の世代には懐かしさ、若い世代にはレトロ感を味わえます。 古い銭湯のイメージ（画像：写真AC）　それだけではありません。特に東京にある古い銭湯の建物は歴史的建造物のような外観のものを多く見かけます。これらは、宮大工の技術を持つ人たちが関東大震災の復興のために、その技術を駆使して豪華な唐破風（からはふ）の屋根にしたと言われています。 　この唐破風は見た目が豪華だけでなく、ここに入ると極楽浄土であることを表現しています。お風呂に入ることは極楽であるということなのか、それとも俗世の汚れを落とし、一新して復興に向かうという意味だったのでしょうか。 　ともあれ、お風呂はその当時も今も欠かせない癒やしを提供してくれる場所であり、銭湯は長い年月を経て日本文化のひとつになってきたと言えるでしょう。 　こうした古くて新しい雰囲気もあってか、近年では多くの若い人たちが銭湯に興味を持っています。彼らに言わせると、 「それぞれの銭湯が持つ地域性や情緒を気軽に味わえ、お金をかけずに楽しめるから」 とのことでした。 　これは、海外旅行に行った際にレアな店や場所を巡るのと同じ感覚です。たしかに、コロナ以前、訪日外国人も銭湯を訪れるケースが増えていました。 日本の伝統文化と日常文化に触れられる空間　このように、銭湯は東京の下町の固有資源となっているのです。 　例えば銭湯が多く残る足立区の場合、北千住のタカラ湯（足立区千住元町）が有名です。タカラ湯は北千住駅から徒歩20分の路地にたたずんでいます。このかいわいは銭湯の宝庫でもあります。 　その中でもタカラ湯は1927（昭和2）年創業で、建物や庭園もすばらしい銭湯のひとつです。正面玄関の七福神の彫刻は著名な作家が制作したもので、これだけで美術的価値がある高価なものだそうです。 　また、浅草の曙（あけぼの）湯（台東区浅草）も「唐破風」の屋根を持つ銭湯のひとつで、1949年に創業された銭湯です。 　この屋根の上には藤の花があり、台東区の「街角百景」にも選ばれています。藤の花が満開になる5月頃はそれを目当てに多くの人が撮影にやってきます。一方、浅草という観光地でありながら、銭湯の利用客は地元民が多くなっています。 台東区浅草の「曙湯」（画像：清水麻帆）　そして、俳優の阿部寛さんが主演した映画『テルマエ・ロマエ』（2012年公開）のロケ地にもなった稲荷湯（北区滝野川）も1930年に建てられた「唐破風」の屋根のある銭湯です。脱衣所の外には池があり、とても豪華。映画の聖地ということもあり、海外からの訪問客もいるようです。 　まさに銭湯は、気軽に日本の伝統文化と日常文化に触れられる空間であると言えます。 変容する銭湯の在り方変容する銭湯の在り方　こうした貴重な空間でありながら、ほとんどの家庭にお風呂がある現在、銭湯の数も年々減少しています。 　2006（平成18）年には963軒あった都内の銭湯は年々減少し、2019年には520軒と約半数近くになっています。利用者数も同様に、2006年には3万9273人だったのが、2019年は2万3389人と減少傾向の一途をたどっています。 　ただ、銭湯の形を残したままで再利用・再活用され、古くて新しいしゃれた場所に生まれ変わっている銭湯もあります。都内のそうした場所では、演劇やライブなどのイベントが行われたり現代アートの展示場になったりと、若者を引き付ける場所になっています。 　例えば、北千住BUoY（ブイ。足立区千住仲町）です。 　ここは元々地下に銭湯、2階にボーリング場がありました。20年以上廃虚のままでしたが、カフェ併設のアートセンターに変貌しました。現在は詩、建築、演劇、ダンス、音楽、映画、現代美術といった多様なアートを発信し、小劇場のネットワークを形成する場所に生まれ変わっています。 　ほかにも、台東区谷中の柏湯は200年の歴史がありましたが、1993（平成5）年から現代アートのギャラリーとしてスカイザバスハウス（SCAI THE BATHHOUSE）として再利用されています。ここも伝統的な東京の建築様式である「唐破風」の屋根で、高い煙突を残してリノベーションされています。 台東区谷中の「SCAI THE BATHHOUSE」（画像：清水麻帆）　このように、銭湯は時代の変化に伴い、「温浴としてのシェリングエコノミー」という形から、「銭湯のハードを共同で利用するシェアリングエコノミーへ」と変容しています。 　その背景には、銭湯が地域に根付いたコミュニティーを感じられる、そして、歴史と新しい文化的雰囲気を感じられる場所として、時間をかけて地域固有の文化になっていったことが挙げられます。 　たまには皆さんも、東京下町の銭湯建築巡りをするのも粋かもしれません。

アートは「不要不急」じゃない――コロナ禍の今こそ注目すべきスタイリッシュでクールな力とは

新型コロナウイルスや大規模な自然災害。新たな脅威に私たちはどう向き合っていけばよいのでしょうか。こうした世界規模の問題に目を向けるひとつのきっかけとして、「アート」の力を生かす取り組みが注目を集めています。アイスランド系デンマーク人アーティスト、オラファー・エリアソンの活動を例に、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんがその可能性を探ります。コロナに自然災害にどう立ち向かうか　近年、毎年のように世界各地で自然災害が発生しており、先日も九州地方や広島で大雨による洪水で大きな被害を出しました。もちろん東京も例外ではありません。こうした近年の気候変動は地球温暖化が起因しているといわれています。 　さらに、地球温暖化が徐々に私たちの生活環境へ影響を及ぼしている間に、新型コロナウイルスの感染拡大は私たちの生活を一瞬で一変させました。現在、私たちは経験のない未曾有の状況下にありますが、それだけを考えるのではなく、前進しなければなりません。 　つまり、コロナや気候変動などの地球規模の問題に対応・配慮した社会を創造していくことが求められています。 今こそ求められる「レジリエンス」「レジリエンス」という言葉を耳にしたことはあるでしょうか。 　レジリエンスとは、もともと「回復力」「強靭力」「跳ね返す力」といった意味でしたが、近年では災害や貧困、経済の再生など、都市や地域の課題に柔軟に対処・克服して再生していく力やしなやかな強さという概念で使用されています。 　国連が提唱している「持続可能な開発目標（SDGs）」にも、貧困、まちづくり、気候変動などさまざまな社会問題の解決や地域の活性化の重要な要件ともなっています。つまりレジリエンスは、コロナや環境問題という地球規模の問題に直面している現在、私たちに求められているものと言えるのです。 　では、レジリエンスはどのようなところで生まれるのか。それは、多種多様な人々が一致団結し、環境問題やコロナの対処や経済再生のチャンスの際に、公共的な利益に即して協力し合い、地域やコミュニティが一体となって迅速に柔軟に対応し克服する社会ではないでしょうか。 　地域やコミュニティーを基本としたのは、文化的な基盤に基づいたものとして、ここでは捉えているためです。たとえば、国、都道府県や市町村、コミュニティーといった共同体、組織や団体の単位となります。 　小さな単位が、それぞれに見合った災害やコロナなどの対策を足元から実施していくことが重要になってくるでしょう。そうした小さな単位同士が水平的につながり協働することによって、地球規模の対策につながっていくのです。 環境問題に対峙するアーティスト環境問題に対峙するアーティスト　アートを通じて、グローバルに環境問題への警鐘を鳴らし続けているアーティストがいます。オラファー・エリアソンです。サイト・スペシフィック（特定の場所を生かした）なインスタレーションの作品を多く制作しています。 　先述にあるように、小さな単位といいましたが、彼のドイツ・ベルリンのスタジオには約100人程度のスタッフがおり、その半数は建築家などで、研究者や科学者なども中には含まれています。まさに、同じ考えや価値観を共有した人々で構成されている小さなコミュニティーといえるでしょう。 　特筆すべきは、彼らはアートを通じて環境問題を表現しているだけではないことです。 アートを通じて環境問題への警鐘を鳴らし続けるオラファー・エリアソン（画像：いちご、Jacob Jorgensen, JJFilm, Denmark）　彼らは日常的に環境に優しい、地域経済の活性化となる、クリエーティブでサステイナブル（持続可能）なライフスタイルを送っています。たとえば、彼のオフィスは4階建ての古いビール工場です。新たな近代的なオフィスビルではなく、古き良き趣のある建物を改築して、アトリエ兼オフィスにしており、1階には、ガラス工房が入居しています。 　スクラップ・アンド・ビルドをするのではなく、昔の文化的な趣のある建造物をそのまま残しているのです。都市論者のジェーン・ジェイコブスも古きものと新しいものとが共存した多様性のある社会が発展すると論じています。 　また、食生活に関しても徹底しています。オラファーのスタジオでは、週4日毎回100食以上のベジタリアン向けの料理がスタッフに提供されます。この食材は地元で採れたオーガニック野菜で、二酸化炭素排出量などを抑えた循環型農法で生産されているものです。 　欧米で広く導入されている、環境に配慮された地域支援型農業（Community Supported Agriculture）で、地産地消を基本とし、消費者は経営のリスクパートナーとして直接農家と契約し、週に1度配送される生産物を受け取ります（宮津2020）。 環境への意識を体現する暮らし方環境への意識を体現する暮らし方　環境問題に対する意識や精神を体現した食事をスタッフ全員で食することで、そうした意識を彼らと共有しているのです。それが協働で作品づくりをする際に具現化されていくことにつながるのでしょう。このベジタリアン向けのランチはレシピ本としても世界中で販売されています。 　加えて、オラファーは社会的事業も行っています。「Little Sun（リトル・サン）」という太陽の形をした携帯用のソーラー発電式電灯を開発し、世界中で販売する事業です。 　このプロジェクトは2012年から始まり、エチオピアをはじめとしたアフリカなど、まだインフラが整備されていない地域への支援事業です。電気のある地域には24.90ユーロで販売され、電気インフラのない地域には安い値段で販売されています。 　価格差を設けることで電気のない地域に支援をする仕組みです。電気が整備されていない地域では、まだ灯油のランプが使用され、お金がかかる上に長時間使用による健康被害をもたらします。電気のある暮らしをしている私たちも、先述の自然災害や電力源が何らかの問題が起こった際には一転して明りを失います。 　オラファーはこうした電力エネルギーに関する環境問題や社会的不均衡の問題にも関心を寄せている訳です。 　環境経済学者の宮本憲一氏は、日本の公害の経験から、人間の命や健康などの基本的人権が保障されている生活環境下でないと地域経済は持続的な発展に向かわない、と実証し論じています。 　ちなみに、リトル・サンですが、日本ではBeams（ビームス）などでも当初販売されていましたが、現在は、近代美術館（MoMA）のオンラインデザインストアやアマゾンで入手可能です。 　こうしたオラファーのアートコミュニティーにおける実際のライフスタイルは、小さな単位の足元から着実にサステイナブルな社会を創造することにつながっているのです。 アートを介して世界に発信する試みアートを介して世界に発信する試み　ライフスタイルから環境問題に対峙しているオラファーですが、それをテーマとした作品はグローバルに発信されています。 　筆者（清水麻帆。文教大学国際学部准教授）が最もダイナミックと感じた作品は、ニューヨークでの巨大インスタレーション「The New York City Waterfalls」です。イーストリバーに大きな人工の滝を四つ作り出しました。アートに興味がない人でも、見れば「あれは何だ」と思うはずです。 　そうした関心から環境問題への関心へと誘います。 映画『オラファー・エリアソン 視覚と知覚』より、オラファーがニューヨークに出現させた滝（画像：いちご、Jacob Jorgensen, JJFilm, Denmark）　その活動は日本・東京でも注目が集まっていて、2018年に新宿区西新宿のホテルでドキュメンタリー映画の上映会が行われたほか、東京都現代美術館（江東区三好）では2020年6～9月、オラファーの個展が開かれました。ベルリンから日本への作品の輸送にも環境に配慮しており、初めての試みだそうです。 　なるべく二酸化炭素の排出量が少ない輸送方法を選び、ベルリンからロシアまではトラックで運び、ロシアから中国までを鉄道、中国から日本までは船で運んでいます。 　これも作品展示の一環であると捉えることができますし、上述の環境問題に対峙するライフスタイルがつぶさに反映されているともいえるでしょう。 あらためて考える、コロナ禍のライフスタイル　有機野菜の地産地消などは小さいことかもしれませんが、地域やコミュニティーにおけるライフスタイルのあり方が足元から環境問題を克服する一歩になります。 　環境問題だけではなく、昨今のコロナも同様に、私達の日常の生活のあり方や草の根活動のひとつひとつが今後の地域や経済の発展を左右するといっても過言ではありません。 　サステイナブルな社会の構築に向けて、さまざまな問題に地域やコミュニティー、ひいては、その中のひとりひとりが向き合うことが大切になるでしょう。 　アートを通じて、コロナや環境に配慮するライフスタイルがスタイリッシュでクールという価値観が定着すれば、問題が解決の方向に少なからず向かうのではないでしょうか。社会におけるアートやコミュニティーの役割を再考してみる良い機会なのかもしれません。

バンクシーはなぜ人を熱狂させるのか？ 江戸の盗賊「鼠小僧」とルパン三世を例に考える

あなたはバンクシーを知っているか　皆さんは、バンクシーという画家をご存じでしょうか。 　東京の日の出駅（港区海岸）付近の防潮堤で2018年末、バンクシーのものらしき絵が発見され、その後、小池百合子都知事により期間限定で都庁のロビーで展示され、話題になりました。 　バンクシーは屋外に絵を描くジャンルのアートで知られ、競売大手サザビーズでも数億円で取引される現代アーティストです。 　そのサザビーズで、2018年に約1億5000万円で落札された「少女と風船」を半分シュレッダーにかけるという行為に至ったバンクシーですが、それさえもアート作品として落札金額で購入されました（CNN）。 　この作品は、前代未聞のオークション中に制作された作品として、今後さらにその値を高くしていくのかもしれません。 謎の多いアーティスト　バンクシーのアートジャンルはステンシル・グラフィティ、もしくはステンシルアートといわれるもの。ステンシル型紙（あらかじめ絵柄を切り抜いた型版）を使って、それにスプレーをすることで、絵が浮かび上がるグラフィティの一種です。 　グラフィティとはスプレーやフェルトペンで壁に描かれたもので、バンクシーの絵も世界中の公共空間の壁で発見されています。 バンクシーの作品（画像：アカツキライブエンターテインメント）　最近の活動では、現在コロナ渦で外出できないバンクシーがロンドンの地下鉄に描いている様子を自分のSNSでアップしていましたが、それを知らない清掃員が次の日にそれをきれいに消したことが話題になりました（BBC）。 　こうした公共空間の壁に落書きをしている行為は、国や地域によっては犯罪とみなされ、罰金や逮捕される可能性があるため、バンクシーは姿の見えないアーティストでもあり、明るみにはでてきません。 　他のグラフィティ・アーティストも通常、素性などは明かしません。そのため、バンクシーの場合も彼の活動を支えている彼の家族やチームバンクシーしか知らない謎の多いアーティストで、諸説ありますが、誰がバンクシーであるのかはっきりしていません。 落書きからアートへと昇華落書きからアートへと昇華　ただ、こうしたグラフィティは単なる落書きではなく美術性を高め、アートとして見なされているものも多く存在しています。 　アメリカ・カリフォルニア州のサンフランシスコ市では、低所得者が多く住む、あまり治安がいいとはいえないミッション地区の街（壁）一面に描かれたグラフィティが人気となりました。 　以前では考えられないことですが、観光客がこれを目当てにこの地区を訪れるようになっています。そうしたなかで、バンクシーはグラフィティ界を代表する世界的に著名なアーティストのひとりです。 バンクシーは一般人から支持されるワケ　では、なぜバンクシーは支持されているのでしょうか。 バンクシーの作品。2020年8月撮影（画像：清水麻帆）　先述の通り、公共物への落書きはほとんどの国で違法とみなされます。しかしすでに市民の支持により、バンクシーが描いた壁の絵を保存している場所がいくつも存在しています。 　例えば、彼の生まれ故郷であるイギリスのブリストルにある小学校です。 　新しい校内の建物の名称を地元の英雄にちなんだものにする際、それを子どもたちが決めることとなり、バンクシーと名付けることになりました。学校側は、バンクシーに手紙を送ったところ、後日、お礼の手紙とともに学校の壁に絵が描かれていたといいます。学校の壁はまさに公共物ですが、これを保存することになったのです（ハフィントンポスト）。 　この出来事からも、バンクシーは地元の人たちから愛されていることがわかります。 　また、バンクシーは社会貢献も行っています。 　ブリストルにある120年の歴史を持つユースクラブ（青少年を支援する団体組織）の財政難をバンクシーが絵を寄贈することで救ったことがあります。その作品は40万3000ポンドで売却され、同クラブは活動を存続することができ、現在はスポーツや芸術の分野にも支援活動を広げて活動しています（AFP bb News）。 　ほかにも、コロナ渦のなか、最前線で戦っている医療従事者への感謝を表現した絵がイギリスのサウサンプトン病院に送られています（BBC）。 　直近では、ボートで欧州を目指す難民を救助す支援団体に対して船を寄付しました。すでにこのボートは救助活動を行っており、そのことは2020年8月30日のニュースで報道されました（CNN）。 バンクシー、鼠小僧、ルパン三世をつなぐものバンクシー、鼠小僧、ルパン三世をつなぐもの　バンクシーは政治に批判的なメッセージ性が強いため、それらがよく強調されがちです。しかし多くの支持を集めているのは、彼のメッセージの根底に、社会的弱者や社会のために戦っている人に対する優しさや感謝があるように感じられるからではないでしょうか。 　そして、そうした行為に共感している人たちが多いと言えます。もし、単なる落書きなら、落書きをされた地域の住民から警察に通報されているでしょう。こうした点は、日本の「鼠（ねずみ）小僧」やルパン三世にも共通して見られることです。 　鼠小僧は、江戸時代後期に実在した泥棒です。 2代目歌川豊国画『鼠小紋東君新形』（画像：早稲田大学）　大名屋敷に盗みに入り、貧しい人たちにお金を配っていた人物です。その行為は、少なからず庶民には支持されていました。 　鼠小僧の本名は次郎吉といい、最期は捕まり、現在の東京・荒川区南千住の小塚原刑場で処刑をされています。その刑場は現在の延命寺（荒川区南千住）内に位置し、明治初期まで実在した三大刑場のひとつでもありました。現在は、区指定の有形文化財に指定されています。 　鼠小僧の墓は全国に数か所あり、母親が建てたとされる墓や恩義を受けた人たちが建てた墓があるそうです。その墓のひとつは、両国の回向院（墨田区両国）にあります。ちなみに、ここは、同寺境内で勧進相撲が行われていたことから、大相撲の起源の場所でもあります。 金運アップから合格祈願まで幅広い来訪者　この回向院には、多くの人が鼠小僧のご利益にあやかろうと参拝に訪れます。しかも、参拝者は墓石を削って持ち帰るのです。 両国の回向院の鼠小僧の墓（画像：回向院）　実際に墓石自体を削るのではなく、お墓を守るためにある「お前立て」というお墓の前にある石を削ることができ、それを持ち帰れます。 　鼠小僧の墓石を持ち帰ることで、運がつく、運が回ってくるということがまことしやかに伝えられているのです。そのため、「賭け事に勝つ」や金運向上などの目的で訪れる人が多いといいます。 　また、もうすぐ大学受験シーズンに突入しますが、難なく大名屋敷に盗みに入っていた鼠小僧にあやかり、（大学に）たやすく入れるという意味で合格祈願でも多くの人が訪れています。 歌舞伎にもなっている鼠小僧歌舞伎にもなっている鼠小僧　また、鼠小僧は現在まで創作され、語り継がれています。 　処刑された25年後には、歌舞伎の演目『鼠小紋東君新形（ねずみこもん はるの しんがた）』で鼠小僧が演じられ、その後も現在まで、歌舞伎はもとより、小説や映画、テレビドラマ、漫画やアニメ、舞台などで創作され続けています。 　また、後述するアニメ『ルパン三世』とも、テレビシリーズ「怪盗鼠小僧現わる」の中で、四代目鼠小僧次郎吉とルパン三世が共演。祖先である鼠小僧とアルセーヌ・ルパンが第1回世界泥棒選手権で競ったという物語設定になっています。 　このように、鼠小僧は、世紀の大泥棒でありながら、今日まで慕われ、人気が高いことを示しているでしょう。 困っている人たちへの思いを持ってるか否か　ルパン三世は漫画・アニメの架空人物で、泥棒にもかかわらず主人公で、バンクシーや鼠小僧と同様に、長年にわたり愛されているひとりです。その背景には、弱きを助け、悪を成敗するというストーリーが盗みを働く過程で必ずあることが挙げられます。 『ルパン三世 カリオストロの城』（画像：モンキー・パンチ、(C)TMSシネマ、サンシャイン）　また、泥棒仲間の五右衛門や次元、毎回裏切る峰不二子を仲間として大切にしています。ルパン三世を追っている警察官である銭形警部との間でさえ、同士のような関係が築かれています。ルパンが死んだと思って泣くシーンや、ルパンが銭形警部を助けるというシーンも多々登場します。 　バンクシーと鼠小僧、ルパン三世の3人に共通するのは、一般市民や大衆からすれば、素性を明かすことのない、明るみに出てこられない人たちであるものの、私たちが共感できるものを有している点でしょう。それは、困っている人たちや弱いものに対する思いやりや救いの手を差し伸べているところです。 　多くの人が共感するということは、その人物や作品への支持は高くなります。その結果、人気も高まるということです。 　もちろん『ルパン三世』はアニメ・漫画ですので、ストーリーの質の高さ、バンクシーの作品であれば発想を含む表現の質の高さという点も支持される前提にはなりますが、人びとの深い部分にある共感を引き出すことこそが長年にわたり支持されている理由のひとつではないでしょうか。 日の出埠頭にもバンクシーが？　バンクシーの絵ですが、先述の東京で発見されたものが、東京では日の出埠頭（ふとう）2号線客船待合所（港区海岸）にて無料で見ることができます。 日の出埠頭 2号線客船待合所の位置（画像：(C)Google）　先月開業したばかりの商業施設「HI-NODE」などもあるので、コロナ渦中での気分転換に、日の出埠頭周辺を散策するのもいいかもしれません。 　なお現在はコロナ渦のため、2号船客新待合所が閉まっている場合がありますが、その場合はシーライン東京のスタッフに声がけをすると案内してくれます。行かれる場合は事前に確認をしたほうがよさそうです。

アニメ＆ゲームファンはなぜ「聖地巡礼」にのめり込むのか？ 『薄桜鬼』をモデルに考える

10年以上「乙女ゲーム」の人気を支える『薄桜鬼』。その人気の深層について、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。新選組の史実をベースとした『薄桜鬼』　女性主人公が男性キャラクターを攻略して恋愛を楽しむ「乙女ゲーム」の代表的作品のひとつといえば、『薄桜鬼（はくおうき）』ではないでしょうか。 　2008（平成20）年9月に、最初のゲームソフト『薄桜鬼～新選組奇譚（きたん）』が販売されました。 2008年9月に発売された『薄桜鬼～新選組奇譚』（画像：アイディアファクトリー）『薄桜鬼』は、プレーヤーが新選組のメンバーと恋愛をしながら物語が進行していきます。そのため、選ぶメンバーによって物語が異なり、さらに物語の中でもさまざまな選択肢（ルート）があるため、どのように行動するかによって物語の内容が異なります。 　プレーヤーは雪村千鶴という、史実には存在しない架空の女の子としてゲームを進めていきます。 　千鶴は、蘭方医の父・綱道と江戸で暮らしていました。しかし父は幕府の仕事で京都へ出掛けたまま行方知れずとなり、千鶴は父を探しに行きます。そこで新選組と出会うのです。 　登場人物は史実に基づいた人物がほとんどで、新選組の近藤勇、土方歳三、芹沢鴨（かも）、山南敬助、三木三郎、井上源三郎（恋愛対象には選べない）、沖田総司などが最初に登場します。物語が進むにつれて、坂本竜馬などさまざまなキャラクターが登場します。 10年続く『薄桜鬼』人気　そんな『薄桜鬼』は、ゲーム界における乙女ゲームの認知度を上げることに貢献。その人気は衰えていません。 　ゲーム配信の初期は週間販売本数（2009年8月22日～28日）で、『薄桜鬼 随想録（PS2）』が第1位に、第2位には『薄桜鬼 ポータブル（PSP）』がランクイン。上位を独占しました。 2009年8月に発売された『薄桜鬼 随想録』（画像：アイディアファクトリー）　また、『薄桜鬼 巡想録 限定版（PS3）』が発売された週の2010年6月12～18日の週間販売本数も1位でした。 メディアミックスも盛んメディアミックスも盛ん　その人気は今も健在です。2017年までのゲームソフトウエア累計売上本数でも『薄桜鬼 ポータブル』が第5位にランクインし、11万1633本を売り上げています。 　また、2019年1月1日～12月25日に発売された乙女ゲームジャンルでの販売本数は第4位にランクインしています。発売から10年以上たっていますが、その人気の高さがわかります。 　加えて、アニメ、映画、舞台、音楽など多様なメディアミックスへも展開されています。 　特に『薄桜鬼』はアニメ『弱虫ペダル』とともに、2次元（平面）で描かれた作品を舞台作品とした「2.5次元ミュージカル」をけん引してきた人気コンテンツであり、現在でもシリーズ化され、高い人気を誇っています。 2017年4月に行われた『ミュージカル 薄桜鬼』（画像：アイディアファクトリー、マーベラス）　実際に『薄桜鬼』が上演され始めた2012（平成24）年頃から2.5次元の動員観客数が増加し始め、その認知度を高めた作品でもあると言われています。 　こうしたさまざまなメディアミックスへの展開は、『薄桜鬼』への入り口を多様化し、ファンを増やすことにもつながっているのです。 『薄桜鬼』を介したコンテンツツーリズム『薄桜鬼』の物語の中に出てくる場所やキャラクターのゆかりの地を巡る旅、いわゆる「コンテンツツーリズム」がファンの間では人気になっています。北は北海道函館市から、福島県会津若松市、東京都日野市、京都市などです。 　旅行ガイドブック専門のJTBパブリッシング（新宿区払方町）から『薄桜鬼』のゆかりの地を巡るガイドブック『るるぶ 薄桜鬼』（2013年）と「るるぶ 薄桜鬼 完全版」（2017年）が出版されています。 2.5次元公演の動員数・市場規模の推移（画像：ピア総研）　このことからも『薄桜鬼』のゆかりの場所を巡る旅が人気となっていることが示されています。 　実際に、京都はもとより、新選組の近藤勇、土方歳三、沖田総司が最初に出会った場所である東京都日野市にも多くの『薄桜鬼』のファンが訪れています。 　日野市には日野宿本陣（日野市日野本町）、新選組のふるさと歴史館（同市神明）、土方歳三資料館（同市石田）など多くのゆかりの場所があります。 日野市の歴史館にロシアからの来場者も日野市の歴史館にロシアからの来場者も　新選組のふるさと歴史館の入館者数は、『薄桜鬼』と日野市がコラボレーションした2012年以降年々増加し、2019年までに約46%も増加しました。 日野市神明にある新選組のふるさと歴史館（画像：(C)Google）　同館館長によると、その6割が「10代から30代の女性」であるということからも、訪問者の多くが『薄桜鬼』のファンであることが想定できます。 　海外からの訪問者も増加しています。ロシアで『薄桜鬼』のアニメが放映されていた時期には、ロシアからの訪問者も多くいたということです。 　また、日野市が2019年10月4日（金）から11月4日（月）まで実施した『薄桜鬼』のスタンプラリーイベントでは、グッズの売り上げが前年度比で16倍、歴史館の入場者数は4倍に増加しました。 既存コンテンツを超えた『薄桜鬼』　同様に、新選組の主要な人物たちが最初に出会う場である日野宿本陣でも、2012年から2019年までの訪問者数は約25%増となっています。 日野市日野本町にある日野宿本陣の門（画像：清水麻帆）　ここには英語、中国語、広東語、韓国語の『薄桜鬼』のキャラクターが描かれているパンフレットが用意されており、国内外からも多くのファンが訪れています。 　また、聖地には必ず設置されているメッセージノートもあり、2020年6月時点で6冊目に入っていました。コロナ自粛解禁直後の6月に再訪しているファンもいて、『薄桜鬼』の訪問先として人気が高いことがわかります。 　日野市はこれまで、土方歳三や近藤勇といった新選組という歴史文化を地域資源として活用した地域づくりを推進してきましたが、『薄桜鬼』はこれまでのコンテンツのどれよりも地域の活性化に及ぼす影響は大きかったのです。 なぜコンテンツツーリズムへの衝動にかられるのかなぜコンテンツツーリズムへの衝動にかられるのか　地域経済の活性化に影響を及ぼすようになった『薄桜鬼』ですが、なぜこうした事象が起こったのでしょうか。 『薄桜鬼』には、「変若水（おちみず）」を飲むと「羅刹（らせつ）」という人間以上の力を持てる存在になるといったフィクションも含まれていますが、史実の出来事に基づいた物語になっているところが魅力です。 日野宿本陣のメッセージノート（画像：清水麻帆）　それまでの乙女ゲームは恋愛中心の物語が多かった反面、『薄桜鬼』は史実に基づいて話が進むので、それが物語の土台となっています。 　そのため、より人間味のある新選組の生きざまや同士の情や絆という精神的な深い部分を感じられるようになっており、それが『薄桜鬼』の特徴であり魅力と言えます。 既存コンテンツを超えた『薄桜鬼』　プレーヤーは、江戸末期から明治時代にかけての激動の時代を生きた新選組のキャラクターと行動を共にすることになるため、切なさや悔しさなどの感情を共有する訳です。 　しかも史実での出来事を反映しているため、乙女ゲームでありながら、ほとんどがハッピーエンドにはなりません。時代背景も堅実に反映されており、時代が変わっていくさまは着物から洋装へ、げたから靴へ、そして武器も刀から鉄砲へと史実に基づいて描かれています。 　そのため、プレーヤーには終わりが近づいていることが分かり、切なさを増幅させることにつながっています。皆さんも映画やアニメ、ドラマをみて、その登場人物に共感し、涙することがあるかと思いますが、『薄桜鬼』のゲームも同様です。 日野宿本陣の様子（画像：清水麻帆）　加えてゲームは、プレーヤー自身が主人公として物語が進んでいきます。 　例えば物語の分岐点では選択肢があり、それによって敵が異なるなど、物語がプレーヤーによって三者三様になるということです。自分の選択で物語が進むことは、より新選組のキャラクターへの没入感を深めることにつながっているのでしょう。 　思い入れのある人のことを知りたい、実在していた場所に行ってみたいと思う気持ちになるのは自然な気持ちではないでしょうか。 鍵は「体験」と「共有」への欲望鍵は「体験」と「共有」への欲望　また、実際には、土方歳三や近藤勇などは歴史的にわかっていない部分も多くあるということです。つまり余白が多くあり、これまでのさまざまな小説や映画などでも、史実に想像の部分を付けたしている訳です。 　さまざまなメディアでの新選組の人物像は時代によって変容しています。そうした中に、『薄桜鬼』の新選組も含まれています。つまり、史実上の新選組はどうだったのかという歴史も改めて知りたくなるわけです。 『薄桜鬼』英語版パンフレットの中身（画像：清水麻帆）　こうした物語の場面を体験・共有したいという思いが、コンテンツツーリズムという観光行動への衝動にプレーヤーを駆り立てるのです。

【徹底解剖】あなたは「刀剣乱舞」が日本文化復興に与える大きな影響を知っていますか

ゲームやアニメ、舞台が人気の「刀剣乱舞」は、地域経済や日本文化の継承にまで貢献しているといいます。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。刀剣乱舞の人気と特徴「刀剣乱舞」をご存じでしょうか。 　2015年、PCブラウザー版ゲーム「刀剣乱舞- ONLINE-」が配信されて2週間余りでサーバーが満員となり、追加されたサーバーもすぐに埋まるほど人気を博しました。これがネット上で話題となり、さらに人気が加速しました。 　2016年には、スマートフォンのアプリ版「『刀剣乱舞』-Online Pocket」が配信されています。5周年となる今日までその人気は健在で、2019年のモバイル機プレー時間では9位にランクイン、400万時間／年に達しています（「ファミ通モバイルゲーム白書2020」）。 1年間で計400万時間もプレーされている大人気ゲーム「刀剣乱舞」（画像：DMM GAMES）　また、ゲームから火が付いた人気は、アニメ、2.5次元ミュージカル、2.5次元舞台、映画などほとんどのクロスメディアに展開されています。 　ゲームの配信年の2015年にはすでに2.5次元ミュージカルのトライアル公演が、2016年には2.5次元舞台とミュージカルが行われています。通常ゲームやアニメから舞台化までには数年を要することからも当時の「刀剣乱舞」のゲームにおける人気の高さがわかります。 「刀剣乱舞」ですが、名だたる刀剣を擬人化した「刀剣男士」を育てながら戦う育成系シミュレーションゲームです。2205年の未来を舞台として、過去をゆがめようとする「歴史修正主義者」に対して、政府が「審神者（さにわ）」をさまざまな時代に送り込み、戦って阻止するという設定になっています。 　プレーヤーは、「審神者」となり、刀剣男士を率いて戦います。プレーヤーの特徴は、10代から20代の女性が多いことです。ゲームプレイ経験者は推定約68万人で、そのうち女性が59万人で全体の約87%を占めており、「刀剣女子」と呼ばれています（「ファミ通モバイルゲーム白書2018」）。 コンテンツツーリズムによる地域貢献コンテンツツーリズムによる地域貢献「刀剣乱舞」の特筆すべき点は、社会的現象を巻き起こし、リアルな社会や経済にも貢献をしてきた点です。その現象が起こるきっかけは、プレーヤーがゲームの中だけではなく、リアルな活動を行うようになったところから始まったといえるでしょう。 　実際に、若い女性による刀剣巡りや美術館への問い合わせが殺到するなど社会現象となり、それを反映するように全国各地の博物館や美術館が積極的に刀剣展示を開催するようになりました。そこには多くの「刀剣乱舞」のファンが詰めかけることから、地域の活性化にもひと役買うことにつながっています。 　例えば栃木県足利市は、「刀剣乱舞」の刀剣のひとつである「山姥切国広（やまんばぎり くにひろ）」の特別展「今、超克のとき。山姥切国広　いざ、足利。」を足利市美術館で2017年3月4日から1か月間開催。それによる地域への経済波及効果は、約4億8635万円でした。東京や他の地方都市などでも同様の現象が起こっています。 伝統文化・刀剣の継承の担い手の育成「刀剣乱舞」のファンのリアルな活動は、地域経済の活性化だけではなく、地域の伝統文化である刀剣の継承にも大きな役割を果たすようになりました。 　例えば、「燭台切光忠（しょくだいきり みつただ）」の発見に寄与しています。元々水戸の徳川家が所有していた上記の刀剣の所在が不明とされており、水戸徳川家の家宝を所管する徳川ミュージアムに問い合わせが殺到したため、収蔵品を精査したところ再発見に至りました。 たくさんの登場人物がいる刀剣乱舞（画像：（C）2018 Nitroplus・DMM GAMES／続『刀剣乱舞-花丸-』製作委員会）　また、行方不明や傷ついた刀剣の復元にも投資（クラウドファンディング事業）を通じて大きな役割を果たしています。例えば、「蛍丸」の復元や「ソハヤノツルキ」など8振の修復、「石切丸」の復元です。これらは短時間で目標金額に到達したことが話題にもなりました。 　文化経済学によると、文化の継承の仕組みは、伝達者（習い事の指導者）から消費者（生徒・鑑賞者）に知識や技術が波及され、学習を通じて、さらに弟子（生徒）を持つという循環が繰り返され、作品（技術）を披露し、競う場所が提供されて産業化されます。 　生産者の発表の場があることは、刀剣人口を増やすことにもつながります。こうした環境で文化は継承・発展していくのです。 「刀剣乱舞」は日本の伝統文化である刀剣の継承の一端を担う鑑賞者を生み出しているだけではなく、投資を通じて生産者が刀剣を作る機会までも作り出しました。 　つまり「刀剣乱舞」は、伝統文化継承の担い手を作り出しているといえるでしょう。 歴史への興味関心を刺激する登場衣装歴史への興味関心を刺激する登場衣装　次に筆者（清水麻帆。文教大学国際学部准教授）が注目したのは、日本固有の伝統文化・着物です。 「刀剣乱舞」では、2016年から着衣が実装の「極（きわめ）」だけではなく、「軽装（けいそう）」という着物を着た登場人物（刀剣男士）が見られます。この「軽装」の意匠に関しても史実から着目してみました。 　例えば、「宗左三文字（そうざ さもんじ）」です。これは織田信長の桶狭間の戦いの戦利品で、信長から愛されていた打刀です。その後は豊臣秀吉、徳川家康に渡り、天下統一の刀剣として名高い訳ですが、織田信長が刻んだ刻印もあることから、やはり織田信長の刀のイメージが強いものです。 淡い色使いのキャラクター「宗左三文字」（画像：（C）2018 Nitroplus・DMM GAMES／続『刀剣乱舞-花丸-』製作委員会）　こうした歴史的背景のある「宗左三文字」の着物ですが、他の刀剣男士の着物がダークな色味が多い中、淡いピンクと水色のストライプの生地に花柄があしらわれている着物です。 　帯も水色で蝶々結びの紫色の飾りひもを締めており、女性的な印象の装いになっています。史実で織田信長は、市中に出る際の変装で女装するなどしてお祭りに出掛けていたといわれています。こうした史実が反映されているのではないでしょうか。 　また、徳川家康が愛した太刀「ソハヤノツルキ」はその背景が江戸時代ということになります。 「ソハヤノツルキ」の「軽装」ですが、山吹色で全体に柄があしらわれている意匠になっています。260年以上続いた江戸時代の前期は、町人の華やかな生活文化が現れた時代で従来の着物よりも派手で華美なものが流行しており、こうした背景が反映されているのかもしれません。 　一方で、刀剣自体は時空を超えるため、上述のような所有者の背景だけではなく、どの時代の着物の意匠かという視点からも「軽装」を楽しむこともできます。例えば、「大倶利伽羅（おおくりから）」や「五虎退（ごこたい）」の「軽装」も江戸時代の後期にはやった意匠に見えます。 日本の伝統文化を発信し続ける「刀剣乱舞」日本の伝統文化を発信し続ける「刀剣乱舞」　江戸後期は、一般庶民に小袖が流行し、特に、遊び心のある模様や渋さが「粋」とされて美的価値の基準となり、「江戸時代後期のモード」を庶民が支えていました。当時は染め物の技術も向上したこともあり、小紋という意匠が流行していました（水上2008年）。 　小紋とは着物の意匠の一種で、近くで見ると細かい模様が入っているものをさし、それが「粋」だったのです。 　実際に「大倶利伽羅」は一見するとこげ茶色の無地の着物に見えますが、よく見るとひし形の柄の意匠が施されています。同様に、「五虎退」も黒っぽい着物に見えますが、細かい四角の模様がデザインされています。 　すべての「軽装」が時代や史実を反映した意匠ではないかもしれませんが、歴史的背景や着物の意匠の時代背景などを調べて、いつの時代のデザインなのかを考えながら着せ替えをするのも楽しいのではないでしょうか。 　徳川家康は質素倹約であるというイメージがありますが、東京国立博物館（台東区上野公園）で2020年8月23日（日）まで開催されている特別展「きもの KIMONO」に展示されている着物はカラフルで、まさに先述の江戸前期の文化を象徴した華やかなものとなっています。 カラフルな着物が展示されている特別展「きもの KIMONO」（画像：東京国立博物館）　2020年7月現在はコロナ渦ですが、本物の小袖の着物や、先述の信長、家康の着物がどのような意匠であったのかを見て体感するのもいいかもしれません。 　このように「刀剣乱舞」は、ゲームの世界から飛び出して、リアルな世界の地域経済の活性化や日本の伝統文化の発信・継承にも貢献しているのです。

【徹底解剖】人々はなぜ『Fate』にのめり込み、登場キャラの歴史に興味を持ち始めるのか

近年ますます人気の『Fate』シリーズ。没入感を呼び起こすその魅力について、文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。15年以上続く『Fate』の人気『Fate』というノベルゲーム（文章を読み進めるタイプのコンピューターゲーム）をご存じでしょうか。もしかしたら、アニメや他のコンテンツで知っている人もいるかもしれません。 　2004（平成16）年、ゲームブランド「TYPE-MOON」から発売されたコンピューターゲームとして『Fate/stay night』が発売されました。2015年にはスマートフォン向けの『Fate/Grand Order（以下FGO）』が制作され、これまで中国、香港、台湾、韓国、アメリカでも発売されています。 スマートフォン向けRPG『Fate/Grand Order』公式サイトより（画像：(C)TYPE-MOON、FGO PROJECT）　すでにゲーム発売から15年以上がたっていますが、『Fate』の人気は長く、2019年の年間モバイルゲーム売り上げランキングでは1位に輝き、約711億円を売り上げています（「ファミ通モバイルゲーム2020」）。ちなみに、2018年は2位でした。 　こうした長年にわたって人気を保っている『Fate』のゲームプレイ経験者（家庭用ゲームからアーケードゲーム、モバイルゲームなど）の推定は約86万人、その内男性が65%、女性が35%を占めています（『ファミ通ゲーム白書2019』）。 　また、年代は20代が約30%を占め、次いで30代前半が多く、20歳から30代前半だけで全体の約40%を占めていることからも、若い層の男性に人気があることがわかります。 『Fate』の特徴とは　そして、ヘビーゲーマーが約全体の半数を占めており、ゲーム好きな人たちが興じている傾向が強いのも特徴です。 　近年では、メディアミックスへの展開も多岐にわたっており、アニメや漫画、映画、2.5次元舞台やラジオにまで及んでおり、アニメや2.5次元からゲームを知る人もいるのではないでしょうか。 『劇場版「Fate/stay night [Heaven's Feel]」Ⅲ.spring song』メインビジュアル（画像：(C)TYPE-MOON、ufotable、FSNPC、アニプレックス）　この『Fate』の内容ですが、主人公の士郎が魔術師同士の争いを止めるために戦い挑んでいく物語になっています。その戦いを「聖杯戦争」といい、「あらゆる願いをかなえるとされる万能の願望機・聖杯」を勝ち取る戦いです。 　聖杯戦争では、魔術師「マスター（人間）」と協力して戦うのが「サーヴァント（英霊）」で、マスターはひとりのサーヴァントを招き、ふたり一組で戦います。最後のひとり（マスター）として勝ち残った際に、聖杯を手にして願いをかなえることができるという物語です。 　サーヴァントですが、あらゆる時代を超えた、世界中の神話、伝説、そして歴史上の人物がキャラクターとして描かれています。 　またマスターとサーヴァントとの関係性が構築される中で物語は進行していきます。加えて、展開されるストーリーが多く用意されているのも人気の要因のひとつでもあるでしょう。 物語の中での想像性の高さが作品への没入感を深くする物語の中での想像性の高さが作品への没入感を深くする　さて、筆者（清水麻帆。文教大学国際学部准教授）が注目するのは、ゲームのプレイヤーが『Fate』を通じて、サーヴァントの歴史的背景などに自然に興味・関心を抱き、自ら調べていく行動です。 　これまで、漫画などで歴史や伝記といった史実を解説しているものはたくさんありました。一方、『Fate』は、史実に基づいている部分とそうでない部分があり、そこには想像の余地があるということです。そういった想像力が歴史文化に対する関心・興味を深め、自ら調べる行動に出るわけです。 　実際、聖地巡礼行動において、作品への没入感は小説、アニメ、ドラマ、映画の中で、アニメが一番深く、 「物語の登場人物として自分を置きかえるという想像性が高いほど・・・作品への没入感を深める」（楠見2018年） と心理学的に分析されています。 スマホゲームに没入するイメージ（画像：写真AC）　アニメの没入感が深くなるのは、物語の風景や景色が実際のそれと同じで美しいからであり、そこに自分を置くという行為が起因しています。2次元のアニメーションという意味では、この中でゲームが一番近いのではないでしょうか。 　加えて、自分を登場人物として置き換える想像性はアニメよりもはるかに高いといえます。なぜなら、ゲームの中で主人公としてすでにプレイし、物語が進んでいくからです。 　前述のように『Fate』は、物語の中でプレーヤーとサーヴァントとの関係性が構築されていきますが、そのことがより物語への没入感を深めることになるでしょう。しかも、物語の中でのサーヴァントは史実などで語られているものに、近からず、遠からずの設定になっています。 　そうした中で、実際の歴史や神話・伝説の中でどのように描かれていたのか、どのような人物像であったのか、どのような時代背景なのか、といったことに興味を抱くことになることは自然なことと言えます。 葛飾北斎のキャラクターと武器葛飾北斎のキャラクターと武器　歴史的背景に興味を持つきっかけは、サーヴァントのキャラクターの設定とその宝具にあると筆者は考えます。 『Fate』では、いわゆる「武器」のことを「宝具」と呼び、史実や伝説に基づいて描かれています。 　例えば、筆者が興味をもったのは、恒常的なサーヴァントではないですが、イベントなどの特別な際に排出される葛飾北斎（以下、北斎）です。 　ご存じの通り、現実世界で北斎は世界的に有名な浮世絵師です。したがって、北斎の宝具は代表作の「富嶽三十六景 神奈川沖浪波裏」となっています。 葛飾北斎「富嶽三十六景 神奈川沖浪波裏」（画像：文化遺産オンライン）　邪神と関わることで狂気となった北斎が描いた浮世絵で攻撃します。絵でどのように攻撃するかというと、通常の芸術作品でも人の心に何か訴えかけたり、感情的な影響を及ぼしたりします。それに邪神の力をさらに絵に加えることで、人の心を持つものすべてに精神的なダメージを与えて攻撃するのです。 　また、北斎自身は史実では男性ですが、『FGO』では女性として描かれています。その背景には、北斎の三女で同じく浮世絵師だった葛飾応為（本名：栄）が北斎とコンビでサーヴァントとして召喚されていることが挙げられます。 　これはこのゲームの中でもかなり特殊です。では、なぜコンビかというとふたりで偉業をなしとげたと捉えられています。史実では、応為は北斎の助手をしており、本人も浮世絵師でした。北斎が「美人画では応為にはかなわない」と言っていたそうです。 北斎の横に浮かぶ黒い「蛸」の存在　そして、サーヴァントの北斎（応為）の横に黒い「蛸（たこ）」がいつも浮かんでいるのですが、これが北斎とされています。 『Fate/Grand Order フォーリナー/葛飾北斎 完成品フィギュア（ファット・カンパニー）』（画像：大網）　つまり、娘・応為の身体に宿る形での召喚です。この蛸ですが、北斎は実際に、艶本（春画）『喜能会之故真通』の中の一場面に、「蛸と海女」という1枚を描いています。そこから、ゲームの中で蛸になったストーリーが作られています。 　この蛸（北斎）は少しかわいらしくも悪魔っぽくも描かれているところが、筆者としては興味を引く点です。これも北斎が邪神と交信したことが関係しています。 　このように、史実を土台として創造的にストーリーが展開され、ウイットに富んだ描かれ方をしているところが想像力をかき立て、ゲームをより魅力的にしているのでしょう。そして、その背景となった史実や絵の背景を知りたくなったり、浮世絵を実際見たくなったりする訳です。 ゴッホやモネにも影響ゴッホやモネにも影響　ところで、史実の北斎は江戸時代の代表的な文化人ですが、最も有名な作品が「富嶽三十六景 神奈川沖浪波裏」や「富嶽三十六景 凱風快晴」です。 葛飾北斎「富嶽三十六景 凱風快晴」（画像：文化遺産オンライン）　後に北斎の浮世絵は、フィンセント・ゴッホやクロード・モネなどの作品にも影響を及ぼしており、100年以上前から世界でも人気があったことがうかがえます。 　ゴッホの「タンギー爺さん」の絵には浮世絵が背景として何枚も北斎の浮世絵が描かれていますし、モネも「ラ・ジャポネーゼ」では、彼の妻に着物を着させ、北斎や応為が描いた見返り美人画と同じような構図の絵を描いています。 　そして、『FOG』の中でも、前述のように攻撃をする際に、「富嶽三十六景 神奈川沖浪波裏」が宝具として描かれています。 時空を超えた葛飾北斎の作品　また、2018年7月に販売された『Fate/Grand Order江戸浮世絵木版画フォリナー/葛飾北斎』という版画作品は、サーヴァントの北斎を描いたもので、オリジナルの北斎の作品をモチーフとして制作・販売されました。 『Fate/Grand Order江戸浮世絵木版画フォリナー/葛飾北斎』（画像：アニプレックス）　絵の着物の柄は、北斎が描いた「新形小紋帳」のデザインをモチーフにし、構図は「手踊図」をまね、背景に描かれている波は上町祭屋台天井図「怒涛」図の「女浪」を参考に作られています。 　また、『FGO』の5周年記念を記念した47都道府県の新聞社とのコラボ企画で、サーヴァント・北斎は富士山麓を背景にしたものが静岡新聞に掲載されています。これは、北斎作の「富嶽三十六景 凱風快晴」で描かれている富士山をほうふつとさせ、キャラクターにおける史実や世界観を大切にしていることがわかります。 　このように、北斎の絵や構図、デザインは、時空を超えて、さまざまな形に変容して新たな芸術作品を作り出し、多様な世代に認知されることで、オリジナル自体も継承されているのです。 　ゲームコンテンツを通じて、歴史やアートを学び、ゆかりの地を巡るという行為は、多かれ少なかれゲームコンテンツが地域の歴史や文化の継承の媒体になっているといえるのではないでしょうか。 　北斎のオリジナル作品は、東京都美術館（台東区上野公園）で7月23日（木）から始まる「The UKIYO-E 2020 －日本三大浮世絵コレクション」や、すみだ北斎美術館（墨田区亀沢）で実際見ることができます。 　上野はテレビアニメ版の『Fate/stay night』の聖地でもあり、北斎の作品巡りを堪能してみるのもいいかもしれません。

海外ドラマ『SATC』で注目 英シューズブランド「マノロ・ブラニク」はなぜ女性憧れの存在となったのか

女性憧れのシューズ・ブランド「MANOLO BLAHNIK（マノロ・ブラニク。以下マノロ）」という英国のシューズ・ブランドをご存じでしょうか。東京では表参道に路面店があり、東京ミッドタウン（港区赤坂）、伊勢丹新宿店（新宿区新宿）やGINZA SIX（中央区銀座）などにショップが入っています。 10周年記念の「HANGISI」コスモポリタンのヒール。ピンクのデザインもある。個人所有物（画像：清水麻帆）　1973（昭和48）年に、マノロ・ブラニク・ロドリゲスが創業。クリスチャン・ルブタンなどと並び、世界中の女性が憧れる代表的なシューズ・ブランドのひとつで、日本でもファンが多いブランドです。 　最も象徴的なシリーズは、ナポレオン皇帝などに着想を得た「HANGISI（ハンギシ）」という大きなビジュー（宝石）のついたものです。 「わくわく感」を醸し出すデザイン　2018年には「HANGISI」10周年を記念した限定シューズが発売されました。 マノロ・ブラニク表参道の外観（画像：清水麻帆）　そのコンセプトは「A Decade of Love」。着想は「ニューヨークの街」から得たもので、2種類用意されていました。ひとつは、カクテルのコスモポリタンをイメージしたもの、もうひとつは「love」でした。 　後述しますが、マノロを一躍有名にしたドラマ『SEX AND THE CITY（セックス・アンド・ザ・シティ。以下SATC）』の中で、サラ・ジェシカ・パーカー扮する主人公のキャリーが好んで飲んでいたのもコスモポリタンでした。 　マノロの靴は、エレガントな曲線が女性の脚を美しく見せてくれることと、かわいらしさや遊びのあるデザインが最大の特徴です。つまり、その靴を見ると何だかわくわくしてくるのです。この「わくわく感」がこのブランドを有名人気ブランドとして存続している要因でしょう。 女性憧れのブランドになったワケ女性憧れのブランドになったワケ　この靴が知られたのは、故ダイアナ元王妃や有名人など、世界のセレブが履いていたためですが、もっとも大きな影響を及ぼしたのは1998年から2004年まで放送された、ニューヨークの独身女性のライフスタイルを描いた米国の連続テレビドラマ『SATC』でした。 劇場版「セックス・アンド・ザ・シティ」（画像：WOWOW）『SATC』のドラマの主人公キャリーは、ニューヨーク在住の30代・独身女性で職業はフリーランスのコラムニスト。物語の中心は彼女の女友達との友情や恋愛模様です。 　また、キャリーは、高級な靴や洋服をこよなく愛するキャラクターで、特にマノロ・フリークとして描かれています。実際、キャリーはお給料が入るとすぐにショッピングに出掛け、そのときにマノロを大量に購入し、生活に困窮するというシーンもあります。 　また、「サンダルじゃないわよ、マノロよ」というせりふや、フェンディなどの高級ブランドバックなどが強盗に奪われそうになった際に、「マノロ・ブラニクだけはやめて」というせりふがあります。 　とどめは、キャリーがやっとプロポーズをされる場面で、ロイヤルブルーの「HANGISI」を履かせてもらうシーンが登場。この「HANGISI」は当時このために特別に作られたものでした。恋愛模様が物語の柱になっていることからも、重要なシーンであることは間違いありません。このようにマノロは、『SATC』の中での重要なファッションアイコンだったのです。 文化装置としてのマノロ・ブラニク文化装置としてのマノロ・ブラニク　ニューヨークの独身女性のライフスタイルをスタイリッシュに描いた『SATC』はたちまち人気となり、多くの人が「マノロ・ブラニク」の存在を知ることとなりました。 マノロ・ブラニクのヒール（上）とサンダル。ともに個人所有物（画像：清水麻帆）　では、なぜ『SATC』は当時ブームを巻き起こすほどの人気があったのでしょうか。 　もちろん、ニューヨークという都市のブランド力もあります。それだけではなく、キャリーの恋愛観に共感し、彼女のようなスタイリッシュなライフスタイルへの憧れが大きな理由として挙げられます。 　そして、世の女性が憧れたライフスタイルは、エレガントでキュートなマノロによって表現されていたのです。つまり、マノロがニューヨークという大都市のスタイリッシュな女性のライフスタイルを体現する「文化装置」の重要な要素のひとつであったといえるでしょう。 　文化装置とは、米国の社会学者のライト・ミルズによると、文化装置が作りだすレンズを通して、人びとが社会をイメージしたり、解釈したりするという意味で使用されます（1963年）。　 　世の女性たちは『SATC』の中のマノロというファッションアイコンを通じて、ニューヨークのスタイリッシュな女性のライフスタイルをイメージし、解釈していたのです。こうした背景からマノロ・ブラニクは女性憧れのブランドとなったわけです。 ヨーロッパで展覧会も開催　現在でもマノロはファッションアイコンですが、芸術作品でもあります。 　例えば、2006（平成18）年に公開されたソフィア・コッポラ監督の映画「マリー・アントワネット」に全面協力し、18世紀のファッションアイコンであったマリー・アントワネットの靴を制作しています。 　2017年には、マノロの歴史を物語る212足の靴と80枚のデザイン画が展示された「ジ・アート・オブ・シューズ」展がヨーロッパで開催されました。 　近年では、2019年6月10日から9月1日までロンドンの「ウォレス・コレクション」でマノロ・ブラニクの作品の展示会が開催されました。 ロンドンの美術館「ウォレス・コレクション」の外観（画像：(C)Google）　ウォレス・コレクションは、侯爵家の旧邸宅で18世紀から19世紀の美術品や絵画が展示されている美術館。マノロはファッションアイコンとしてだけではなく、芸術品としても認識されているのです。 　自然や都市、美術品などあらゆるものからデザインの着想を得て、一シーズンごとにクリエーティブで芸術的な作品を作り続けているブランドであるということがわかります。 クラフトマンシップに基づいた芸術品クラフトマンシップに基づいた芸術品　特筆すべきは、現在でもマノロ氏ひとりがデザインを担当し、それを職人の人たちがひとつひとつ丁寧に手作業で作り上げていることでしょう。 　こうしたファッション性と芸術性の両面を持つ希少なデザインとともに、クラフトマンシップに基づいた質の高さが、マノロ・ブラニクを見た際の「わくわく」につながっているのです。 レース生地に刺しゅうが施された、サボテンをイメージした靴。個人所有物（画像：清水麻帆）　フランス文学者の山田登世子はエルメス、ルイ・ヴィトン、シャネルを取り上げて、ブランドの条件として「たとえ由緒あるブランドでも、永遠であるためには絶えず変化をして生まれ変わらなければならない」と分析しています（2006年）。 　実際に、ルイ・ヴィトン・ジャパン前社長の秦郷次郎も「リアル・ブランドの成功は『変化しない価値』と『変化する時代に適合するファッション性』とを持ち合わせるという矛盾をいかにして克服するかにかかっている」と述べています（2013年）。 　ブランド論の視点からも、「マノロ・ブラニク」はファッションアイコンとして常にファッション性の高い、斬新でフェミニンなデザインを発信しつつも、芸術性の高さやクラフトマンシップに基づいた高品質の作品を変わらず作り続けていることが、女性が憧れるシューズ・ブランド「マノロ・ブラニク」として存続している理由なのでしょう。

足立区の路地裏にある小さな「ベンガル料理店」がコロナ禍でもつぶれなかったワケ

足立区の西新井大師近くにある小さな西ベンガル料理店「エパレット」。同店は緊急事態宣言下の厳しい状況を乗り切り、現在元気に営業中。いったいなぜでしょうか。文教大学国際学部准教授の清水麻帆さんが解説します。住宅街にある西ベンガル料理店　東京メトロ日比谷線と半蔵門線から直通の東武スカイツリーラインの西新井駅から、「関東の高野山」と呼ばれている通称・西新井大師（総持寺）の方へ向かう住宅街の一角にインド・西ベンガル料理店「エパレット」（足立区西新井本町）があります。 住宅街にある西ベンガル料理店「エパレット」の店内（画像：清水麻帆）　この店を目指さない限りは気づかない裏路地の住宅街の中にあります。シェフはベンガル出身のカンさんで、一部の来店客からは「カンちゃん」と呼ばれ親しまれています。お店を切り盛りしているのはカンさんと店主の野中さんのふたりで、席数はわずか14席の小さなレストランです。 人気料理は土日に売れ切れ必至　この店の定番の人気料理はビリヤニとダルバートで、土日には売れ切れるほど。 　ビリヤニは、スペインのパエリアと並ぶ「世界の炊き込みご飯」の代表のひとつです。エパレットでは、チキンとマトンが選べ、ダ－ルスープ（豆スープ）とインドの高級米「バスマティ」と一緒に頂きます。付け合わせのライタというヨーグルトは味をマイルドにしたり、コクを出したりするためのもので欠かせません。 「エパレット」で提供されるビリヤニ（画像：清水麻帆）　ダルバートは、さしずめ日本の「定食」といったところでしょうか。トルカリ（カレー）、ダ－ルスープ（豆スープ）、サグ（緑の葉物野菜）、バート（バスマティライス）がそろった料理のことで、定食のように食べることもできれば、これらを混ぜて味変を楽しむこともできる一品です。 小さな店の2か月間まるまる休業宣言小さな店の2か月間まるまる休業宣言　エパレットですが、通常の店では珍しいことをやってのけました。2020年の1月半ばから3月半ばまで、2か月間まるまる休業するというのです。 　その理由は、シェフが2年ぶりに故郷へ里帰りするということでした。せっかく繁盛していたのに2か月も休業するのは、普通の店なら顧客が離れ、今後の経営がどうなるか――と心配になりますが、エパレットの店主は休むことを選びました。 「エパレット」で提供されるダルバート（画像：清水麻帆）　その理由は単純明快です。 　提供されていた料理は「シェフにしか作れない、味が変わってしまっては本末転倒」ということ。2か月間シェフを故郷インドに帰国させる店主の心遣いにも感服ですが、2週間ではなく、2か月とは思い切りました。 　ただ、このときはこの数か月後にコロナショックが来ようとは誰も想定していませんでした。 緊急事態宣言下で店を支えたもの　休業から2か月が過ぎ、お店の再開当日はランチ時から常連客であふれていました。彼らは再開の日を心待ちにしていたのです。 　確かに、西新井駅周辺にはエスニック料理やインド料理の競合他社は多くはありませんが、常連客はやはりエパレットに戻ってきました。 西新井駅の外観（画像：（C)Google）　一方、お店の再開1か月もたたないうちに、緊急事態宣言の発令に伴い営業自粛を余儀なくされました。そのため他の飲食店と同様に、エパレットもテイクアウトを中心に営業を続け、この状況下を乗り切ってきました。 　特筆すべきは、この間、常連客からマスクや一斗缶のアルコール消毒液など物資の支援を受けていたことです。 「自分らしい時間を過ごす」場所の大切さ「自分らしい時間を過ごす」場所の大切さ　エパレットは、ここに集まる人たちにとって、「サードスペース」といえる場所になっています。 　ファーストプレイス（第1の居場所）は自宅、セカンドプレイス（第2の居場所）は職場や学校、サードプレイスはそのふたつの中間地点にあり、「自分らしい時間を過ごす」第3の居場所のことです。 2013年に発表されたレイ・オルデンバーグの著書『サードプレイス』（画像：みすず書房）　アメリカの都市社会学者であるレイ・オルデンバーグが定義している「サードプレイス」の特徴は、 ・中立領域：強要や義務はなく、自由な場所 ・平等：社会的な地位などには関係なく、参加するための条件などもない場所 ・コミュニケーション：楽しい会話や遊び心がある場所 ・アクセス：アクセスしやすく、わかりやすい場所 ・常連：常連もいるが、新たな訪問者も歓迎される場所 ・デザイン：家庭的な雰囲気で誰でも入りやすい場所 ・遊び場：楽しい場所 ・もうひとつの家：暖かい、家庭的な場所 となっています。 地域に根付く店の強さ　実際に、エパレットに来訪する多くは、近隣コミュニティーの単身からカップルや家族連れ、会社の同僚など多種多様な人びとです。 　お昼は子ども連れの家族もいれば、夜は楽しく食事をしながら語らう人たちが集う場所であり、彼らにとっては居心地のよい場所になっているのです。 　満席のため、ひとりの来客が帰ろうとした際に常連客が「相席でよければどうぞ」と言ってくれる、家庭的な雰囲気を感じられる空間を作り出しています。 住宅街にある西ベンガル料理店「エパレット」の外観（画像：清水麻帆）　こうした様子からも、エパレットがコミュニティーの一員として地域に根付いているお店であることがよくわかります。 　これが、2か月休業してもコロナショックに見舞われても、この店がつぶれなかった理由のひとつといえるでしょう。もちろんここでしか食べられないおいしい料理があり、それも含めて愛されているのです。 　不思議な小さなインド料理店は、いつのまにか西新井のサードプレイスのひとつになっていたのでした。

新進気鋭のクリエイターたちが隅田川沿いの下町「蔵前」を目指す理由

蔵前は「東京のブルックリン」　渋谷・表参道・青山など、東京のおしゃれスポットはほとんどウエストサイド（西側）にあります。しかし現在、東京のイーストサイド（東側）にもおしゃれなエリアが現れています。そのひとつが、ちまたで「東京のブルックリン」（ニューヨーク）と称されている、蔵前（台東区）です。 隅田川に隣接する蔵前（画像：清水麻帆）　ブルックリンと蔵前が似ているのは、風景です。それは、生活の中で感じられる自然や醸成された文化といえるでしょう。 　例えば川。蔵前には隅田川、ブルックリンにはイーストリバーがあります。ここは人びとの憩いの場になっています。 　隅田川の川岸からはスカイツリー、イーストリバーからは対岸のマンハッタンが見渡せます。またどちらのエリアも昔は工場地帯で、古い倉庫や建物が立ち並んでいるところです。これらの建物はリノベーションされ、こだわりのあるショップが入居。趣のある雰囲気を醸し出しています。 サンフランシスコ発のチョコ専門店も　蔵前にはカフェ、雑貨、食事所（レストラン）など、多種多様でユニークなお店が混在しています。 「SOL’S COFFEE」（台東区蔵前3）は自家焙煎（ばいせん）のコーヒーを提供する人気店で、フルーティーな香りの本格的なコーヒーを飲むことができます。 「SOL'S COFFEE」の外観（画像：清水麻帆）　ほかにも玄米専門のショップ兼食事所「結わえる」（蔵前2）や自分だけのノートが作れるお店「カキモリ」（三筋）などがあります。 　サンフランシスコの有名なチョコレート専門店「ダンデライオン・チョコレート」（蔵前4）は海外初の店舗を構えたのが蔵前。こうした特徴のあるショップが多く立地することで、まちの風景や雰囲気をおしゃれなかいわいへと変貌させているのです。 歴史あるモノづくりのまち・蔵前歴史あるモノづくりのまち・蔵前　おしゃれなエリアに変貌した蔵前ですが、もともとは「モノづくりのまち」です。その歴史を簡単に振り返ってみましょう。 　蔵前という名前は、江戸時代に幕府のお米蔵があったことに由来しています。そのことからも、当時は米問屋のまちでした。明治以降になると政府関連の施設が立地し始め、その流れのなかで東京職工学校が1881（明治14）年、作られました。 1909（明治42）年9月に測図された蔵前周辺の地図。東京職工学校の後身である東京高等工業学校（現・東京工業大学）の記載が見える（画像：時系列地形図閲覧ソフト「今昔マップ3」〔(C)谷 謙二〕）　東京職工学校は現在の東京工業大学で、関東大震災で被災するまで蔵前にあったのです。蔵前にモノづくりの人材を育成する高等教育機関があったことがモノづくりのまちとして発展していく礎を作ったといえます。 周辺にはおもちゃ大手の本社も立ち並ぶ　蔵前は、現在も歴史あるモノづくりのまちとして存続しています。 　浅草橋周辺には、繊維製品やひな人形・ぬいぐるみ・文具の問屋街があります。蔵前3丁目付近には、おもちゃ工具材料の問屋街があり、おもちゃ大手のバンダイ（台東区駒形）やエポック社（同）の本社が立地しています。 バンダイの外観（画像：清水麻帆）　他にも神仏具から革製品など、さまざまな製造と卸の会社が蔵前周辺に集積しています。ではなぜモノづくりのまちである蔵前が、イーストサイドの東京を代表するおしゃれなエリアになったのでしょうか。 なぜ注目されるようになったのか　理由のひとつは、自由でクリエーティブな文化が醸成されているためです。 　その背景には、新旧のアーティスト気質を持ったクリエイターや職人たちがこのエリアに集まり、歴史ある蔵前のモノづくりを継承していることが挙げられます。 結わえるの外観（画像：清水麻帆）　彼らが蔵前に新しい風を吹き込み、まちの一員として歴史や文化そして風景を作っています。それがさらに新たな人を呼び込み、まちにさらなる活気を生み、地域の歴史や文化を受け継ぎながら、伝統と新しさを交差させ、まちをアップデートしているのが蔵前なのです。 受け継がれてきたモノづくりの魂受け継がれてきたモノづくりの魂　そもそも、クリエイターたちはなぜ蔵前を選んだのでしょうか。 　そのひとつとして、都心に近いにもかかわらず地価が安く、リノベーションされた古い建築物が存在していることが挙げられます。これが新たなクリエイターを引きつける要因のひとつになっています。 　しかし、理由はそれだけではありません。地元の人たちから受け継がれてきたモノづくりを絶やさないよう、地域で一体となって若手を支援してきたことが大きな影響を及ぼしています。 　その活動のひとつがモノづくりをまち全体で支援している「台東区デザイナーズビレッジ」の存在や「モノマチ」の開催です。 2019年に開催された「第11回モノマチ」の様子（画像：台東モノづくりのマチづくり協会）「モノマチ」とは職人やクリエイター、さまざまなショップが参加する、まちとモノづくりのPRイベントです。ここでの出会いから縁が生まれ、蔵前に出店する人も多くいます。こうした地域から生まれたつながりが、彼らを蔵前に引き寄せているのです。 鍵は「開放的な風土」「水平的なネットワーク」　もうひとつの理由は、蔵前に新たな人びとを受け入れる「寛容性」があったことです。 　一般的な古い商店街は、新規出店が難しいところも少なくありません。その点、蔵前は新たなチャレンジを可能にする場所としての潜在的可能性があります。 「古いモノや人」が「新しいモノや人」を受け入れた結果、ほかにはないユニークな店が集まり、新旧入り交じった地域に作り替えられたことで、自由な雰囲気を醸し出しています。 　前述の「モノマチ」だけではなく、蔵前のカフェやバーは、雑談や新たなつながりが生まれる場所となり得ます。そうした場所からさらに新たなアイデアが生まれ、本当の意味でのクリエーティブな空間になっていくのです。 チョコレート専門店「ダンデライオン・チョコレート」の内観（画像：清水麻帆）　クリエーティブな空間形成に関連する研究においても、地域経済学者のアナリー・サクセニアンは、「開放的な風土」や「水平的なネットワーク」が「アイデアの発見」や「自由なコミュニケーションを促す」とし、それが地域の発展につながると分析しています（1995年）。 　新たなことを生み出すことのできる空間は、人や景色が紡ぎだす地域文化の一部として歴史とともに再構築され、まちの新たなイメージとなっていくのです。まさにそうした風土や文化が、現在の蔵前を作っているのでしょう。 　新旧の風や文化的な香りを感じながら川沿いのまち・蔵前をゆっくりと散策してみてはいかがでしょうか。