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よく見たら、秋葉原が“ソシャゲ広告”だらけになってた！ ネットも反応「課金祭りが増えた」「秋葉原は時代を語る」

あっと驚く衝撃の場面、感心させられる発見や豆知識、思わず涙を誘う感動の出来事……。SNS上では毎日、新鮮な話題がいくつも発信されています。そのなかから「東京」に関連するものを厳選してご紹介します。広告は時代を映す鏡「広告は時代を映す鏡」――。その言葉通り、人々のニーズや暮らし向き、関心の行方を端的に捉えたキャッチコピーはもちろん、街頭を飾る巨大ポスターの数や商品ジャンルにもその色は強く反映されます。 　東京でもとりわけ目まぐるしく表情を変える街・秋葉原。この街で撮影された画像が、「現代を端的に表している」とツイッター上で話題になっています。 秋葉原「ある意味これが現代なんだ」　撮影したのは、10年以上にわたって毎朝秋葉原を巡回しその様子を記録し続けているツルミロボさん（@kaztsu）。 「秋葉原、ソシャゲのアニバーサリー広告だらけ」 というひと言とともに、街頭広告を写した4枚をアップしました。 ソーシャルゲームの広告がいくつも並ぶ秋葉原の街頭（画像：ツルミロボさんのツイート）　アニメ風のかわいらしい絵が描かれた各広告には「皆さまに支えられて1周年！」「おかげさまで4th Anniversary」といった文言が並んでいます。なかには「Half Anniversary（半年記念）」というものまで。 　日本一の電気街、オタクの聖地、アイドルの聖地など、さまざまな異名を冠してきた秋葉原は今、SNSをプラットホームとしたソーシャルゲーム（ソシャゲ）のビジュアルを数多く掲げる街という側面も併せ持っているようです。 　これにはフォロワーたちからもさまざまな反応が寄せられて、 「ある意味、これが現代（いま）なんだなって思う」 「秋葉原は時代を語るのか」 「今のゲーム界隈（かいわい）の現状が分かりやすくまとめられている。最近は半周年でもハーフアニバーサリーで『課金祭り』があるソシャゲも増えたもの」 といった声も。モノを買うよりゲームに課金してプレイを楽しむという若い世代を中心とした消費傾向は、外出自粛が長引く新型コロナ禍でいっそう加速した向きもあるかもしれません。 ソシャゲ広告がうたっているものソシャゲ広告がうたっているもの　ツルミロボさんによると、4枚の画像を撮影したのはそれぞれ2021年9月2日（木）、同1日（水）、8月25日（水）、同30日（月）。 「アニメの広告が多かった以前と比べると今は、ソシャゲなどのゲーム内で行われるイベントの告知が多いように感じます。『何日から××のイベントが開催』とか、『新キャラ〇〇が実装』とか、『〇〇コラボ開催』といった広告です」 「短命で消えてゆくソシャゲも少なくないなか、生き残りをかけて今回のようにアニバーサリーを押し出し、定期的なイベント開催で課金をしてもらう感じでしょうか。ユーザーも掛け持ちできるゲームの数に限りがあるため、（客を）取り合うゲーム会社側も必死です」 　その攻勢はさらに、国をまたいだ企業間の攻守をも映し出しているとツルミロボさんは指摘します。 「最近は中国産のゲームが多く、（目抜き通りの）中央通りでも目立つようになってきていると感じます。街なかの広告には、業界内の力関係・勢いがとてもよく出ているのではないでしょうか」 10年前は「AKBの街」だった秋葉原　秋葉原は10年ほど前には、何をおいてもアイドルグループAKB48の街でした。JR秋葉原駅から約5分のAKB48劇場が入るビルには巨大な広告が張り出され、連日多くのファンでにぎわいました。 2021年4月撮影、AKB48劇場のビルに掲げられたソシャゲの広告（画像：ツルミロボさんのツイート）　2021年現在は、 「AKBの姿（広告）は全盛期と言われる頃と比べ見かけなくなりました。広告だけではなく、いわゆるオタクの人たちの姿自体をここ数年で特に見かけなくなったと感じます」（ツルミロボさん）。 「印象深いのは、AKB劇場のビルの広告が、2021年4月にAKBから『原神』（中国産のゲーム）へ変わったときです。これは自分にとっても大きく時代の移り変わりを感じた出来事でした」 秋葉原で「何もない日」はなかった秋葉原で「何もない日」はなかった　2010年秋ごろから毎朝欠かさず秋葉原を訪れ、ブログ「ツルミロボblog」やツイッターを更新し続けているツルミロボさん。特に思い入れの深い場所・時代はあるのでしょうか。 「やはり（2011年8月に建て替えのため閉鎖された）旧ラジオ会館でしょうか。あのあやしい雰囲気のビルはもう造れないと思います。そういったビルは耐震強度の問題などで姿を消してゆき、今はそういう時代を懐かしむようになってきたように感じます」 2009年11月の旧ラジオ会館（画像：（C）Google）「今の秋葉原はカードゲームショップとコンセプトカフェが多くなり、若者が中心です。昔と比べて客層が変わったなと思います。今は通販もあるので、イベントでもない限りわざわざ秋葉原までやってくる必要もなくなったのかもしれません」 　常に表情を変え続ける秋葉原の街。この街の無二の個性や魅力について、最後に尋ねてみました。 「10年以上毎朝秋葉原をまわっていますが、SNSで何もつぶやけない日はありませんでした。これは、私が特別何かを感じ取れるというわけではなく、秋葉原という街がそうさせてくれるのだと思います」 「変化の街であるとともに、昔から続く神田の古い街の姿もあり、退屈しない、毎日刺激的な発見をさせてくれる、世界でひとつだけの街だと思っています」 変化し続ける街だからこその感慨　冒頭で紹介したツルミロボさんの投稿画像に対しては、「街の賑やかしにはなりますが、電気街が好きだった人々の足は遠ざかっていく」といった哀愁のただようリプライ（返信）も寄せられていました。 　新しさの刺激と過去の懐かしさをともに内包した街・秋葉原。これから先どのような表情を見せてくれるのでしょうか。

今年でデビュー40周年 松田聖子・田原俊彦が圧倒的に偉大と言える2つの理由

新時代のアイドルだったふたり　2020年は、日本のアイドル史における大功労者である松田聖子と田原俊彦が歌手デビューから40周年を迎えた年です。1980（昭和55）年にふたりがデビューシングルをリリースする直前まで、アイドル界は過渡期を迎えていました。 12月2日に再発された松田聖子のクリスマス企画アルバム「金色のリボン」。オリジナルは1982年（画像：ソニー・ミュージックダイレクト）　女性アイドルの頂点に君臨していた山口百恵が、同年3月に俳優・三浦友和との婚約と芸能界引退を発表。かつて国民的ブームを巻き起こしたピンク・レディーの人気はすでに低迷しており、さらに70年代後期デビューの女性アイドルのなかには、山口百恵に迫る存在が生まれていない現状がありました。 　男性アイドルのトップを走っていたのは70年代初期にデビューした西城秀樹、郷ひろみでしたが、両者とも“脱アイドル”が迫られる年齢に差し掛かっていました。ちなみに、70年代後半はジャニーズ事務所から何人もの男性ソロアイドルがデビューしましたが、誰も大ブレークに至っていません。 　そんなこともあり、松田聖子と田原俊彦が世に出たのは、世の中が新時代のアイドル登場を待望しているタイミングだったと言えます。 デビュー2曲目で“百恵超え”を果たした松田聖子　特に女性アイドル界では“ポスト百恵”が求められていました。そして、4月に『裸足の季節』という曲でデビューした松田聖子は、すぐにその本命と目されるようになります。オリコン週間シングルランキングで2位となった2曲目の『青い珊瑚礁』をきっかけに人気が急浮上。次の『風は秋色』で初登場1位を獲得。 1980年10月にリリースされた3枚目のシングル『風は秋色』（画像：ソニー・ミュージックレコーズ）　この2曲は、芸能界を去る山口百恵（10月に引退）の同年の各シングルを上回るセールスでした。 田原俊彦は瞬時に西城秀樹、郷ひろみを上回る田原俊彦は瞬時に西城秀樹、郷ひろみを上回る　一方、田原俊彦は1979年に同じジャニーズ事務所に所属し、そろってテレビドラマ『3年B組金八先生』（TBS系）にレギュラー出演していた近藤真彦、野村義男とともに「たのきんトリオ」として人気が爆発。そこから、1980年6月に最初にソロデビューします。 　デビュー曲『哀愁でいと』は、同年のオリコン年間シングルランキングにおいて、男性アイドルのなかでトップの順位（10位）となる大ヒットでした。 1980年6月にリリースされた田原俊彦のデビュー曲『哀愁でいと』（画像：ポニーキャニオン）　このように、松田聖子と田原俊彦は、短期間でアイドルシーンの勢力図を一変させ、芸能界に80年代という新しい時代の到来を印象付けたといっても過言ではありません。 　またふたりは以前、山口百恵と三浦友和が出演していたチョコレートのCMで共演、その年の大みそかにはそろってNHK『紅白歌合戦』に初出場。翌年にはNHKの歌番組『レッツゴーヤング』で司会を担当するなどし、アイドル界の新しい顔としてのイメージを決定的にします。 　これと前後して、河合奈保子ら80年にデビューした他の女性アイドルの人気も上昇。同年12月の近藤真彦の歌手デビューもあり、アイドルのマーケットは拡大していきます。 　以後も小泉今日子、中森明菜、シブがき隊ら有力新人が続々と売り出され、80年代は今に語り継がれる“アイドル黄金時代”となるのです。 ふたりの偉大すぎるもうひとつの共通点　松田聖子と田原俊彦が偉大なのは、アイドルブームをけん引したことだけではありません。 　もうひとつ特筆すべきなのは、ふたりはそれぞれ途切れることなく歌い続け、今もフルステージをこなしていることです。コロナ禍にあってはどちらも初の配信ライブを行いました。 　58歳になった松田聖子は2020年、デビュー40周年記念アルバムをリリース。透明感のあるボーカルは衰えていません。予定されていた“40th Anniversary”を冠したアリーナツアーは延期になってしまいましたが、12月にはグランドプリンスホテル新高輪（港区高輪）でクリスマスディナーショーを開催し、大みそかには『紅白歌合戦』に出演の上、日本武道館（千代田区北の丸公園）でのカウントダウンコンサートを開催予定です。 千代田区北の丸公園にある日本武道館（画像：写真AC）　60歳目前の田原俊彦は、毎年シングルをリリースし、コンサートツアー、ディナーショーも継続中。ステージでは往年のヒット曲を当時と同じアクティブな振り付けで歌っています。 「40周年記念ライブ」は『金八先生』出演から40周年となる2019年に開催済みでしたが、2020年も客席数を減らす対応で中野サンプラザ（中野区中野）などでライブツアーを敢行。また、2021年4月には、東京国際フォーラム（千代田区丸の内）での還暦記念ライブが決まっています。 アイドル文化に与えた大きな影響アイドル文化に与えた大きな影響　2020年代も、芸能界で活躍している80年代アイドルの大多数が歌手業を休止している状態です。 　これは、加齢とともに、若い頃のようなパフォーマンスができなくなること、ビジネスとして成立しづらくなることが理由として考えられます。 千代田区丸の内にある東京国際フォーラム（画像：写真AC）　そのなかで、ふたりが40年も歌い続けられるのは、本人たちの舞台裏での努力と根強い人気の両方があってのものでしょう。 　そんな天性のエンターテイナーふたりが、たまたま同時期にデビューしたことはある種の奇跡であり、それがあったからこそ、結果的に日本のアイドル文化は今日のように発展したのかもしれません。　

人気アイドル「ラストライブ会場」を巡る考察 キャンディーズは後楽園球場、嵐はどうなる？

人気アイドルグループの解散ライブは、いつも都内の大会場で行われているようなイメージがあります。しかし実のところ、そうでもないようです。ライターの橘真一さんが解説します。アイドルのラストコンサートはどんな会場で？　通常、トップアイドルの引退や人気グループの解散・活動休止となれば、最後に大会場でコンサートを行うのが定石です。 　ところが、新型コロナウイルスの感染拡大により、2020年いっぱいで活動休止予定である嵐は、ラストコンサートの予定が明確になっていません。 　春に予定され延期になった『アラフェス 2020 at 国立競技場』がもし秋以降に開催されれば、それが嵐にとって事実上のラストコンサートになる可能性もあります。 　フルに観客を入れての開催は難しいにしても、新しい国立競技場（新宿区霞ヶ丘町）は嵐の最後の舞台にふさわしい大会場でしょう。 　さて、ここでは嵐に限らず、すべてのコンサートが通常の形式で行われるような社会に戻ることを祈りつつ、過去のアイドルのラストコンサートがどんな会場で行われたかについて検証します（グループアイドルの卒業公演を除く）。 70年代二大アイドルの後楽園球場公演　実は、全面改築される前の旧国立競技場において、アイドルのラストコンサートの開催歴はゼロです。 　そもそも、コンサート開催が認められたのは1985（昭和60）年から。 　その後も年間の開催回数に制限があったことに加え、解散、引退の付加価値があっても6万人以上収容の国立競技場を満員にするのは容易ではなかったからでしょう。 　国立競技場解禁まで、首都圏最大のコンサート会場は後楽園球場（文京区後楽）でした。 在りし日の後楽園球場でさよなら公演を行うキャンディーズ。1978年4月4日撮影（画像：時事）　ここでは1970年代の二大女性アイドルグループであるキャンディーズ（1978年）とピンク・レディー（1981年）がラストコンサートを開いています。 　ただし、それは明暗が分かれ、女性アイドル初のスタジアム公演となったキャンディーズは絶頂期の解散だったため、会場は超満員だったものの、ピンク・レディーは人気のピークが過ぎており、空席が目立つ結果となりました。 伝説の山口百恵が立ったのは……伝説の山口百恵が立ったのは……　女性アイドル初の日本武道館（千代田区北の丸公園）公演を最後の花道としたのが、山口百恵です（1980年）。 日本武道館（画像：写真AC）　以後、武道館でラストコンサートを行うアイドルはなかなか現れず、21世紀になってから、 ・ZONE（2005年） ・Berryz工房（2015年） ・アイドリング!!!（2015年） といった例が見受けられるようになります。 　一方、代々木第一体育館（渋谷区神南）では、おニャン子クラブ（1987年）とシブがき隊（1988年）がファンに別れを告げました。 　日本武道館と代々木第一体育館は、1964（昭和39）年東京五輪の会場であり、昭和の時代は貴重な1万人規模のハコでした。 1989年誕生の会場は過激アイドルが実施　収容人員最大1万7000人と武道館や代々木第一体育館よりも大きな横浜アリーナ（横浜市）は1989（平成元）年に誕生。 代々木第一体育館（画像：写真AC）　ここでは、過激な話題作りを展開していた第一期のBiS（2014年）、ハロー！プロジェクトの3人組、Buono!（2017年）がラストコンサートを開いています。 　横浜アリーナをより大きいのが、2000（平成12）年開業のさいたまスーパーアリーナ（さいたま市。最大で約3万7000人を収容）です。 　Buono!と同じハロプロの℃-uteは、この会場を満員にして解散しています（2017年）。 東京ドームは安室奈美恵とあのふたり組　アイドルの枠を超えたカリスマ的な存在となった安室奈美恵は、2018年6月に5万人以上を収容できる東京ドーム（文京区後楽。1988年開業）でラストコンサートを開催。 東京ドーム（画像：写真AC）　また、単独ライブではありませんが、タッキー&翼は、2018年の大みそかから2019年元日にかけて東京ドームで行われた、「ジャニーズカウントダウン」が最後のステージとなりました。 光GENJIとSPEEDの意外すぎる会場光GENJIとSPEEDの意外すぎる会場　会場が首都圏以外だったのが、国民的人気を誇ったSPEED（1999年）と光GENJI（1995年。当時は光GENJI SUPER 5）です。 　SPEEDはドームツアーを行い、その最終公演会場は福岡ドーム（福岡市。現・PayPayドーム）でした。 PayPayドーム（画像：写真AC）　一方、1989年にジャニーズ事務所で初の東京ドーム公演を開催した光GENJIのゴールの地は、名古屋レインボーホール（名古屋市。現・日本ガイシホール）でした。 　大会場でラストコンサートを行ったアイドルは、上記の例がほとんどです。歴代アイドルの数の割に少ない印象があるかもしれません。 ラストコンサートを行ったアイドルが少ないワケ　その理由としては、アイドルはグループが主流になり、また、それぞれ活動期間が長期化していることが考えられます。 　大会場を満員にできるグループは、メンバーの卒業はあっても、めったに引退・解散・活動休止をしないのです。 　また、ビッグネームながら、明確なラストコンサートを行わずにフェードアウトしたアイドルがいることも一因です。 　SMAPを筆頭に、Winkや松浦亜弥もしかりでした。 　そうした意味で、グループから卒業するパターン以外に「大会場で大勢のファンに惜しまれつつ去る」という、理想的なゴールを迎えられるアイドルは、全体のごくごく一部にすぎないということになります。 　2019年12月完成の有明アリーナ（江東区有明）は1万2000人程度のキャパシティーだとか。 有明アリーナ（画像：(C)Google）　ここでラストコンサートを行うアイドルは、なかなか現れないかもしれません。

女性アイドルの夏ソングに「恋愛もの」が少なくなった理由

女性アイドル歌手に似合う季節は？　2020年も6月に入り、季節はそろそろ夏。それぞれの好みはあるかと思いますが、 「女性アイドル歌手に似合う季節は？」 と聞かれ、「夏」と答えるひとは少なくないのではないでしょうか。 2011年発売、夏っぽさ満載のAKB48「Everyday、カチューシャ」（画像：キングレコード）　そこで今回は歴代の女性アイドルが歌ってきた夏ソングを、網羅とはいきませんができるだけ幅広くふれてみたいと思います。 本土復帰前の沖縄から来たアイドル　まずはやはり、南沙織のデビュー曲「17才」（1971年発売）です。 1971年発売の南沙織「17才」（画像：ソニー・ミュージックダイレクト）「誰もいない海」というフレーズから始まる、初々しい夏の恋愛ソング。 　1970年代、小柳ルミ子、天地真理とともに「新三人娘」のひとりとして活躍した南沙織は沖縄出身で、長い黒髪につぶらな瞳、日焼けした肌というルックスもそれにぴったりでした。 「17才」は、後に森高千里もカバーしてヒット。アイドルソングのスタンダードになりました。 　ちょうど南沙織がデビューした頃、国鉄（当時）の「ディスカバー・ジャパン」キャンペーンが始まっていました。 　高度経済成長で豊かになった日本人の旅行熱の高まり、東京～大阪間を結ぶ東海道新幹線の開通など鉄道網の整備を背景に、日本各地の魅力を旅で再発見しようというコンセプトでした。 　ただ沖縄は、南沙織がデビューした時点ではまだ本土復帰前。地理的にだけでなくそういう意味でもまだ遠さを感じる場所でした。しかしだからこそ、その沖縄から東京へやってきたアイドルとして、南沙織は特別な存在でもあったのです。 都心のシティーホテルを彷彿とさせる曲都心のシティーホテルを彷彿とさせる曲　1980（昭和55）年にデビューし、今年デビュー40周年を迎えた松田聖子はヒット曲も数多く、歌の季節も問いません。 　ただ、抜群の伸びのある彼女の歌声は、夏が舞台の曲をより印象的にしてくれました。2曲目のシングル「青い珊瑚礁」（1980年発売）は、そんな1曲。このストレートなラブソングは大ヒットし、初出場の「NHK紅白歌合戦」でも披露されました。 　また松田聖子と言えば、作詞家・松本隆とのコンビが有名です。代表曲となると「赤いスイートピー」（1982年発売）になると思いますが、夏ソングにも佳曲があります。 「小麦色のマーメイド」(1982年発売)は、しっとりとしたバラード。 1982年発売の松田聖子「小麦色のマーメイド」（画像：ソニー・ミュージックレコーズ）　歌詞の女性がいるのはどこかのおしゃれなプール。具体的な地名は出てきませんが、呉田軽穂（松任谷由実）作曲ということもあり、東京都心にでもありそうなシティーホテルのイメージです。 　デッキチェアに座り、りんご酒をひとくち飲む彼女のすぐそばには彼がいるのですが、「嘘よ 本気よ」「好きよ きらいよ」と内心はちょっと揺れているようです。 　このとき松田聖子は20歳になったばかり。大人びた世界が似合う年齢にもなっていました。それまでの常識を壊し、アイドルを職業として確立した彼女ならではの1曲と言えます。 東京でひとり暮らしをする女性の歌　1990年代後半、一時あまり目立たなくなっていた女性アイドル歌手を復活させたのがモーニング娘。でした。 　こちらもキャリアの長さに比例して、夏ソング曲には事欠きません。「サマーナイトタウン」(1998年発売)や「ハッピーサマーウェディング」(2000年発売)も捨てがたいのですが、ここでは「ふるさと」（1999年発売）にふれたいと思います。 1999年発売のモーニング娘。「ふるさと」（画像：アップフロントワークス）　歌詞の内容は、東京でひとり暮らしをする女性が失恋してしまい、田舎に住む母親に向けて自分の気持ちを語りかける、というもの。メインボーカルの安倍なつみが切々と歌っています。 　PVは彼女の故郷である北海道で撮影され、夏に帰省した設定。メンバーの母親（ただ顔は映っていません）や幼少期の写真が登場するのも見どころです。 　望郷歌は歌謡曲伝統のもの。どちらかというと演歌のイメージが強いですが、それをアイドルに歌わせるところがいかにもつんくらしいテイストです。 　この「ふるさと」は代表曲となった「LOVEマシーン」（1999年発売）のひとつ前のシングルということもあって目立ちませんが、いま聞くと味わい深い1曲です。 東京の地名を持つグループが歌う夏の歌東京の地名を持つグループが歌う夏の歌　2000年代から2010年代にかけては、AKB48や坂道シリーズといった東京の地名に名前の由来を持つグループが続々台頭しました。 　それらのグループにも、AKB48「Everyday、カチューシャ」（2011年発売）、乃木坂46「裸足でSummer」(2016年発売)、日向坂46「ドレミソラシド」（2019年発売）など夏の恋を歌ったヒット曲があります。 2019年発売の日向坂46「ドレミソラシド」（画像：ソニー・ミュージックレコーズ）　ただ、これらの歌の詞は、「カチューシャしてる君に 僕は 長い恋愛中」（「Everyday、カチューシャ」）といったように、みな「僕」の視点から書かれています。 「17才」や「青い珊瑚礁」「小麦色のマーメイド」は、曲調の違いこそあれ、どれも女性目線の歌でそれが常識でした。ところがここでは、「僕」という男性目線に変わっています。 　理由はいくつかあるのでしょうが、この時代にアイドルがライブや握手会などを通じてより身近な存在になったことがひとつあるような気がします。男性ファンからみてより「共感」できることが大切になったのです。 変化する夏ソングの固定観念　さらに乃木坂46には、女子だけの世界を歌った「ガールズルール」（2013年発売）のような夏ソングもあります。 2013年発売の乃木坂46「ガールズルール」（画像：ソニー・ミュージックレコーズ）　白石麻衣が初めてセンターを務めたこの曲では、最後となる部活の夏合宿に出掛けた女の子どうしが、思い出を語り合いながら互いの絆を確かめます。 　PVも、思い出が詰まった学校のプールの取り壊しを決定した大人たちに生徒役の乃木坂46のメンバーたちが結束して反抗するというものでした。 　そこには、モーニング娘。あたりから少しずつ顕著になってきた「夏と言えばドキドキするような恋」という固定観念からの脱却、夏ソングの世界観の変化が垣間見えるようでもあります。 　さらに前述の「共感」という要素が大切になり、恋愛だけでなく、故郷や家族への思い、仲間との友情といった、性別を超えて誰もが多少なりとも思い当たるようなことが、女性アイドルによって広く歌われ始めたのではないでしょうか。

超人気アイドルから考える――もはやSNSはマスコミより影響力があるのか

「アイドル文化」においてメディアが果たす役割　2020年。東京で2度目のオリンピックが開催される予定のこの年に、日本に「アイドル」的な存在が生まれて半世紀というメモリアルな局面を迎えています。 　この間に「アイドル」のイメージも、「アイドル」とファンとのコミュニケーションのあり方も変容してきました。 「アイドル」の姿を映し出し、「アイドル」とのコミュニケーションを媒介するメディアは、この国に「アイドル」をひとつの文化として根付かせました。そして好むと好まざるとにかかわらず、われわれの生活のなかに「アイドル」がいる社会的な風景を作り上げるという意味で、今も昔も重要な役割を担っています。 人気アイドルグループ乃木坂46の（左から）齋藤飛鳥、白石麻衣、秋元真夏（画像：(C)乃木坂46合同会社、明治）　ファンにとってメディアは、自分が好きな「アイドル」（「推し」や「担当」）の情報を得るための、いわば彼女／彼らを愛（め）でるためのツールです。 　またそうではない者にとって、社会のなかのステレオタイプ化されたロールモデル（理想的な女性像／男性像）や規範（～するべきだ、または、～するべきではないという社会における考え方）を指し示しています。 　言い換えれば、何がマジョリティーにとって愛でられる存在なのか、最良の価値観であるのか（そのこと自体の是非はひとまず留保して！）を教えてくれる鏡として機能しています。 　そして「アイドル」をつくりだす者たちにとって、それはイメージをコントロールし、見るものの関連消費を促すことで何らかの利益を得るための格好の手段となるのです。 メディア ＝ 「東京」だった時代メディア ＝ 「東京」だった時代　どのような立場で「アイドル」にまなざしを向けるのかによって、このような相違は見込まれます。しかし、いずれにせよメディアは「アイドル」にとって欠くことのできないものであり、「アイドル」の移り変わりはメディアの移り変わりと不可分の関係にあると言えます。 「メディア」と口にするとき、われわれが想定するのは新聞であり、雑誌であり、テレビであり、「マス」・メディアです。また、マス・メディアを構成する人びと、機関としてのマスコミが長らくその中心にありました。 　同時にそうしたメディアの所在は、主要なマスコミの本拠地、情報の発信地であり集積地としての東京にあります。すなわち、「マス ＝ 東京」という一極集中の構図が揺るぎないものとして横たわっていました。 　片や「アイドル」は、1970年代、カラーテレビが一般家庭に普及する時期に、若年層を中心に人気を博したオーディション番組や歌番組、雑誌メディア（アイドル誌）によって表象、受容されるようになりました。 　つまり、「アイドル」にとってのメディアは、「マス」であり東京であることが前提となっていたのです。 コミュニケーションは一方向から双方向へコミュニケーションは一方向から双方向へ　この時分のメディア・コンテンツに目を向けると、「アイドル（歌手）」になることを夢見て上京し、夢をかなえて親孝行し（賞を取ったお祝いとして親を海外旅行に連れて行ったり、マイホームに招い）たり、故郷である地方に帰って恩返ししたりする、衣錦還郷（いきんかんきょう）の物語が紡がれています。 　こうした「アイドル」をみつめる同年代（10代～20代前半）の若者（児童・生徒が中心）たちは、「年齢的にも精神的にも近くて親しみやすい歌手」としての「アイドル」の夢物語を理想化します。 　また、かつて集団就職で「アイドル」と同じように都会に出てきた上の世代の人びとは、「アイドル」の姿に変わりつつある時代にかつての幻影をみて、「アイドル」のいる東京の風景を享受していました（※1）。 1971（昭和46）年の第13回日本レコード大賞で新人賞を受賞した南沙織。「元祖アイドル」と称されることも（画像：(C)ソニーミュージック）　時は流れ、情報通信技術の発展により、われわれのメディアを介したコミュニケーションのあり方は70年代から大きく変貌しました。 　特に昨今のテクノロジーの普及の速さは目覚ましく（※2）、2000年代以降、インターネット常時接続環境が整い、会員制交流サイト（SNS）の急速な浸透、スマートフォンが普及しました。その結果、いつでもどこでも情報に接することができるようになるとともに、ソーシャルメディアによって誰もが情報の発信者、コンテンツのクリエイター（担い手）になることも可能になりました。 　同時に、それまでのマス・メディアの特権性は揺らぎ、情報の流れは、メディアに従事する一部の者（送り手側）からそれ以外の者たち（受け手側）へという、「一方向性から双方向性」への変容が強調されるようになっています。 「会いに行けるアイドル」登場の時代的必然「会いに行けるアイドル」登場の時代的必然　このようにマスからソーシャルという流れから、出版不況やテレビ離れ（テレビ番組の総体的な視聴率の低下）、度重なる甚大な災害時におけるマス・メディアへの不信感が増強しました。そのようなこともあり、「マス VS ソーシャル」という対抗図式のもと、ソーシャルメディア礼賛論、「ソーシャルメディアはマスの敵であり、マス・メディアにとってかわる」かのような言説が一時的に生み出されました。 　これに伴い、「アイドル」をめぐるメディア状況も一変します。「アイドル」がソーシャルメディアを使って情報を発信、ファンと交流するようになり、「アイドル」の活躍の場はもはやマスばかりではなく、ネットワーク上に拡大しているのです。 　それにより、かつてのように東京に行き大手芸能事務所に所属し、マス・メディアに登場することが「アイドルになる／である」ための絶対条件ではなくなりました。「アイドル」になるハードルが相対的に下がったとも言えます。 　また、「会いに行けるアイドル」というコンセプトのAKB48グループを筆頭に、「アイドル」とファンとが直接触れ合い（接触）、ライブパフォーマンスがなされる場所（現場）が重視されるようになることで、メディアを介したコミュニケーションよりも、じかにつながる感覚や空間に価値が見いだされるようになりました。 JR秋葉原駅近くにあるAKB48劇場（画像：(C)Google）　2010年代に入り、「ご当地アイドル」（地域をPR、活性化させることを目的に活動するアイドル）ブームが到来したことが物語るように、「アイドル」の所在地は東京である必然性はなくなり、ローカルであることがかえって「アイドル」の真正性（本物らしさ）を高める要素となっていきます（※3）。 　折しも、「地方創生」の掛け声で、東京一極集中の解消が公的にも叫ばれていた時期とも重なります。 「マス・メディアの地位低下」は本当か「マス・メディアの地位低下」は本当か　このように、マスとしてのメディアの覇権的な位置づけはソーシャルメディアによって相対化されたことは否定できません。 　それによって、「アイドル」が描き出すもの、そして受容側が感じとるイメージも冒頭に記したようなマジョリティーから脱却し、多様性を帯びてくる可能性もあるでしょう。 　また、従来のマス（メディア業界側）にコントロールされないオルタナティブな「アイドル」像をファンとともに生み出す契機ともとれるかもしれません。 　ただし、事態はより複雑で、そう楽観視ばかりもできないようです。 「地上波番組出演」「オリコン上位」雑誌の「重版／完売」、そして「紅白出場」は「アイドル」にとっていまだに有名性を保証するためのステータスとして機能し、YouTuberはテレビに出ることで初めて一般的な認知度を得たと言えます。 　運営ノウハウを確立しないままのファンの過剰な介入は、「アイドル」の心身に危害を加えることを誘発する危険性をはらみ、実際に数々の「アイドル」たちがこうした弊害に悩まされてしまっています。 　つまり、ソーシャルメディア礼賛論は早計であり、マス・メディアの地位が低下したとも必ずしも言い切れないのです。 変容を続ける東京のイメージ（画像：写真AC）　東京でのオリンピックイヤー。NHKの公式ソングを歌うのは、2020年をもって活動休止を予定する国民的アイドルグループのジャニーズ・嵐です。 　東京2020の向こうに、「アイドル」はどのような風景を描き出すのでしょうか。 参考文献： ※1　田島悠来『「アイドル」のメディア史 『明星』とヤングの70年代』森話社、2017年 ※2　天野彬『SNS変遷史 「いいね！」でつながる社会のゆくえ』イースト新書、2019年 ※3　田島悠来「「アイドル」文化と都市 : 「ご当地アイドル」をめぐる東京との関係」『帝京社会学』(32)、2019年

キャンディーズから上戸彩まで 東京出身「女性アイドル」の共通点とは？

東京由来の名前を持つグループが多い時代　最近の女性アイドルはグループアイドル全盛ですが、そこでひとつ気づくのは東京の地名をもとにしたグループ名が多いことです。 　秋葉原の劇場公演からスタートしたAKB48、坂道シリーズと呼ばれる乃木坂46、欅坂46、日向坂46など。東京由来の名前を持つグループが同時にこれほど多く活躍する時代は、アイドル史上初めてかもしれません。 東京由来の名前を持つグループ「乃木坂46」は10人以上の東京出身者がいる（画像：SMR）　ただそうしたグループのセンターや中心メンバーのなかに、東京出身者は乃木坂46・齋藤飛鳥などいないわけではありませんが、あまり見当たりません。 　例えば、前田敦子、大島優子、指原莉乃、生駒里奈、白石麻衣、西野七瀬、平手友梨奈、小坂菜緒などはいずれも東京以外の出身です。 　それはいまに限ったことでもなく、1970年代の森昌子、桜田淳子、山口百恵の「花の中3トリオ」、ピンク・レディー、1980年代の松田聖子など一世を風靡（ふうび）したかつての人気女性アイドルもそうでした。 流行語になった「普通の女の子に戻りたい」　とはいえ、もちろん東京出身で活躍した女性アイドルもいないわけではありません。以下では、そんな東京出身女性アイドルを何組か振り返ってみたいと思います。 　まず1970年代にはキャンディーズがいました。メンバーのラン（伊藤蘭）、スー（田中好子）、ミキ（藤村美樹）は、3人全員が東京出身。アイドルグループでこのようにそろうのは、とても珍しいケースでしょう。 　キャンディーズと言えば、トップアイドルの地位にあるなかでの突然の解散宣言が有名です。1977（昭和52）年、日比谷野外音楽堂でのコンサート中、ステージ上でのことでした。そのときランが泣きながら言った「普通の女の子に戻りたい」は流行語にもなりました。 後楽園球場で1978年4月4日に行われた、キャンディーズのラスト・ライブを収録した「Final Carnival Plus One」（画像：Sony Music Direct（Japan）Inc、（P）2008 Sony Music Direct（Japan）Inc.）　キャンディーズの最後のコンサートは、1978年4月の後楽園球場。5万人以上の観客を集めておこなわれました。そのときの様子は、いまも伝説として語り継がれています。 洋楽志向が強かったキャンディーズ洋楽志向が強かったキャンディーズ　彼女たちの魅力としては、まず音楽性の高さがあるでしょう。 「ハートのエースが出てこない」（1975年発売）などで聞かせるハーモニーは美しく、洗練された魅力がありました。洋楽志向が強く、彼女たちの歌を支えるサウンド面も充実していました。 　もうひとつは、バラエティーでの活躍です。ドリフターズや伊東四朗・小松政夫などそうそうたるコメディアンたちと共演して堂々と渡り合う姿は、バラエティー出演が当たり前になっている、現在の女性アイドルの先駆けでもありました。 　続く1980年代で挙げるとすれば、中森明菜でしょうか。 　1980（昭和55）年歌手デビューの松田聖子の後に続いたのが、いわゆる「花の82年組」です。松本伊代、堀ちえみ、早見優、石川秀美などが続々デビューしたなか、小泉今日子と人気面で双璧をなしたのが中森明菜でした。 自己プロデュース力にたけた中森明菜　ブレークのきっかけとなった「少女A」（1982年発売）がタイトル通り10代の少女のちょっと危険な大人びた恋愛を歌ったように、彼女はその早熟な雰囲気で私たちを驚かせました。 1982年に発売された中森明菜の「少女A」（画像：WM Japan、（P）（C） 1998 WARNER MUSIC JAPAN INC.）　その後も「十戒（1984）」（1984年発売）など同様の曲調のヒット曲を連発し、松田聖子の「ぶりっ子」に対する「ツッパリ」の代表として一時代を築いていきます。 　そんな彼女の真骨頂は、類まれな自己プロデュース力にありました。 　中森明菜は楽曲に合わせて自ら衣装や振り付けを決めていました。「DESIRE -情熱-」（1986年発売）のウイッグと着物風の衣装、独特の振り付けは代表的なものです。 　それは、まだ周囲から言われるがまま、受け身の存在だった当時のアイドルのなかでは異質でした。同期のライバルだった小泉今日子も似た部分があり、そうした自己プロデュース力がふたりを突出した存在にしていた理由のひとつでしょう。 さまざまなジャンルで活躍した宮沢りえさまざまなジャンルで活躍した宮沢りえ　1980年代の終わり、つまり昭和から平成の変わり目に登場したのが宮沢りえです。 　彼女は歌ではなく、CMからスタートしました。ブレークのきっかけになった「三井のリハウス」（1987年）のCMは鮮烈でした。転校生・白鳥麗子としてそこに登場した宮沢りえは、際立った美少女性でたちまち多くの人びとを魅了しました。 近年では舞台でも高く評価されている宮沢りえ（画像：ハマスホイとデンマーク絵画 広報事務局）　その後彼女は、ジャンルの垣根を軽々と飛び越えて活躍の場を広げていきます。ドラマ、映画への出演はもちろんのこと、歌手としても1990（平成2）年の『NHK紅白歌合戦』に出場。またとんねるずの番組ではコントに挑戦し、「ざけんなよ！」の決めゼリフで意外な一面を見せました。 　それだけではありません。自分のカレンダーで“ふんどしルック”になって世間をあっと驚かせたかと思えば、ミリオンセラーとなった写真集『Santa Fe』（1991年）では10代でヌード姿を披露し、センセーショナルな反響を呼びました。いわば彼女は、“サプライズの天才”でした。 性同一性障害の中学生を演じて話題となった上戸彩　1990年代後半から2000年代にかけては、上戸彩がいます。 　彼女のスタートは、芸能事務所・オスカープロモーションが開催した「第7回全日本国民的美少女コンテスト」（1997年）でした。このとき彼女はまだ12歳で審査員特別賞を受賞。その後歌手活動もしましたが、次第に女優業が中心になっていきます。 　女優・上戸彩にとって転機になったのが、2001（平成13）年から2002年にかけて放送された『3年B組金八先生』（TBSテレビ系）の第6シリーズでした。 上戸彩が性同一性障害の中学3年生役を演じた『3年B組金八先生』（第6シリーズ）（画像：TBSテレビ）　そこで彼女は、学園ドラマにありがちなマドンナ役ではなく、性同一性障害の中学3年生役を演じました。当時はまだ「LGBT」という言葉も一般的ではなく、セクシュアリティへの理解も進んでいない時代です。しかし上戸彩は期待に応え、その難しい役どころを見事に演じました。 「美少女」という固定観念にとらわれない彼女の自然体のスタンスは、このときから発揮されていたと言えるでしょう。 「わが道を行く」東京出身の女性アイドル「わが道を行く」東京出身の女性アイドル　こうした東京出身女性アイドルの共通点をひとつ挙げるとすれば、「型にはまらない」ということでしょうか。 　既成の常識にとらわれず「わが道を行く」タイプが、東京出身の女性アイドルには多いように思えます。 個人主義の東京人のイメージ（画像：写真AC）　彼女たちはアイドルでありながらアイドルの枠を超える大胆さ、意志の強さで強烈なインパクトを残してきました。それは大都市・東京ならではの良い意味での個人主義、独立独歩の精神のなせる業なのかもしれません。

80～90年代のアイドルと芸能界が描いた「空っぽな東京」

「バブル時代」という自覚など、当時ないまま過ごしていた　普段あまりクルマでは移動しないけど、たまに乗ったときに、 四谷四丁目交差点にさしかかると思い出す痛ましい事件があります。 　1986(昭和61）年4月、その交差点にあったビルからアイドル歌手・岡田有希子が投身自殺した、あの事件です。 　前年に松田聖子が最初の結婚をして 芸能活動を休止していた時期で、同じサンミュージック（当時・新宿区四谷）に所属していた岡田有希子がその穴を埋めるかのようにブレイクしたところでの、突然の悲劇でした。 　アイドル評論家・中森明夫氏の『青い秋』（光文社、2019年10月）には、この事件のことを描いた『四谷四丁目交差点』という短編が収録されています。 　中森氏は芸能界に近いところにいて、デビュー当時の岡田有希子にも会っていました。そんな思い出と、30年が過ぎても彼女を忘れないファンの光景などを交差させた、美しくも哀しい1編です。 アイドルのイメージ（画像：写真AC）　後に「バブル景気」「バブル時代」と呼ばれる1980年代後半ですが、当時はそんな呼ばれ方はしていなかったし、景気がいいとの実感も、その渦中では分からなかったものです。 　ただ、華やかで、騒々しく、忙しかったのは確か。 『青い秋』は、その華やかな時代を現在の「私」が回想していく形の私小説集で、8編の短編が収められています。1970～80年代を青春として過ごした世代のひとりとして、懐かしくも、どこか胸の痛む記憶が呼び起こされる、そんな本でした。 地方出身者のための「東京物語」という物語形式地方出身者のための「東京物語」という物語形式「私小説」は、「自然主義文学」から派生した、自分の身辺に起きたことを、事実を少し加工しつつ書く小説様式です。中森氏はマスコミで仕事をし、アイドル評論家なので芸能界にも近く、彼の「身辺」には有名な芸能人や作家が登場します。 『青い秋』ではその有名人たちが登場しますが、人物名は皆、「宮川りえ」「野口久美子」「篠川実信」など誰のことかすぐに分かる仮名となっていて、これも私小説の常套的手法。「私」も作中では「中野さん」と呼ばれています。 　芸能界が舞台になるので、読み方によっては「芸能界暴露小説」と捉えられるかもしれません。しかしこれは紛れもなく「私小説」であり、「青春小説」であり、そして「東京物語」でもある――そう感じたのでした。 世界の映画監督が選ぶ「最も優れた1本」に選ばれた小津安二郎監督の代表作『東京物語』（1953年、画像：U-NEXT）「東京物語」といえば、最も有名なのは小津安二郎の映画『東京物語』（1953年）でしょう。広島県尾道に住む老夫婦が東京で暮らしている息子や娘たちを訪ねる物語です。 　また世代によっては、柴門ふみの漫画『東京ラブストーリー』（1991年）こそが「東京物語」だと言うかもしれません。愛媛出身で東京に出てきた男ふたりと女ひとり、帰国子女によるふたつの三角関係のドラマでした。 『東京ラブストーリー』は鈴木保奈美と織田裕二の主演によりフジテレビの「月9」枠でドラマ化され、高視聴率を獲得した大ヒット作です。これを見るために月曜はみんな早く家へ帰るので、「月曜夜、銀座からOLが消えた」という都市伝説まで生まれたほどでした。 『青い秋』も『東京ラブストーリー』と同じ時代を背景にしていて、どちらも地方から上京してきた者たちを描いているという共通点があります。「東京物語」という物語形式は、「東京で生まれ育った人の物語」ではなく、「地方から東京へ来た人の物語」なのです。 「新宿区歌舞伎町」でなければ、描かれなかった物語「新宿区歌舞伎町」でなければ、描かれなかった物語　この『青い秋』も1970年代後半に三重県から上京した青年が、東京でさまざまな人に出会っていく物語で、その意味でも「東京物語」ジャンルの王道をゆく小説です。 　東京の私立高校に入った「私」が最初に住むのは「東中野のアパート」で、同郷の友人は住むのは「清瀬」（どうでもいいけど、中森明菜が生まれ育った市です）。 　フリーライターになってからは「三鷹の風呂なしアパート」に住み、仕事の相手である出版社があるのは都心。「西麻布の薄暗い隠れ家バー」とか「新宿の路地裏」とか、作中の「私」がいる場所が、全て実名で記されていきます。 　8編のなかには前述の『四谷四丁目交差点』のほかに『新宿の朝』というタイトルもあって、この新宿というのは歌舞伎町のこと。ちょっと怪しく、怖い世界が描かれます。東京は光り輝く都市であると同時に、闇もまた抱え持つ街であることが表現されています。 人影のない朝の新宿区歌舞伎町（画像：写真AC）　人物は仮名なのに地名は実名なのは、この連作が東京以外では成立しない物語だから。「S区のK町」ではなく「新宿の歌舞伎町」としなければ描けない世界が、ここにはあります。 　作者・中森明夫の分身である「私」は、テレビ局や大出版社の社員ではなく、フリーライターという立場でマスコミの世界を生き、そこでのさまざまな出来事を描いています。「オタク」という言葉を命名したことでの騒動もあれば、宮沢りえ・後藤久美子を思わせる少女たちとの交流も。 　東京そのものが虚構性の高い都市ですが、マスコミはその中でも最も虚構性が高い――というよりも、虚構を生み出す装置です。 　そのマスコミの世界は人間関係が薄いのか濃いのか分からず、「仕事」で知り合い「仕事」で付き合うドライな人間関係でありながら、それゆえの熱さもあったりします。それぞれの「個性」をぶつけあう世界だからでしょう。 　その人間関係の儚さと脆さと虚構性は、欺瞞がゆえに真実であるという、屈折した世界を示しています。 今も東京にいる彼の、「未完の東京物語」今も東京にいる彼の、「未完の東京物語」　私が中森氏と知り合ったのは最近ですが、読者としては、彼が世に出た頃からよく読んでいました。彼が書くものが私の関心のある分野のものが多かったからです。 　しかし初めて彼の署名のある記事を読んだときは、正直なところ、その内容以前に「中森明菜」をもじったペンネームに、明菜ファンとして不快感を感じました。 　この本ではそれが彼が考えたペンネームではなく、勝手に付けられた経緯も描かれています。そうと知っていれば、もっと素直に彼が書いたものを読めたのにと、と思いました。多分、中森氏が自分で明菜をもじって付けたペンネームだと誤解している人も多いはず。その誤解が解ければいいなと思っています。 茫洋とした虚構性をはらむ街、東京（画像：写真AC）　さて、前述のように「東京物語」とは、地方出身者の東京での物語です。 『青い秋』は、東京に出てきた青年が、60歳を前にしてなおも東京にいて、1980～90年代の東京を振り返る物語です。彼はまだ東京にいるのです。 　真の「東京物語」になるためには、彼は故郷へ帰らなければならず、帰って東京を思う時に、ようやく彼の「東京物語」は「完結」となります。 　もちろん、中森氏には「東京物語」として完結させる義務はなく、「未完の東京物語」であっても、それは何ら問題はありません。 『青い秋』には、1970年代から2010年代までのほぼ半世紀の東京のさまざまな「ところ」の、さまざまな「とき」が凝縮されています。 　東京は変わる――だが、ある日を境にして劇的に変わるのではなく、毎日、毎秒、少しずつどこかが変化し、気づくと、大きく変わっている、そんな都市です。 　そこに生きる「私」は、定職のない自由業というか自営業で、結婚せず、子供もいません。就職、転職、独立、結婚といった人生の「転機」、区切り、境い目のないままに生きてきた人です。 終わらせることのできない「青春」を抱えて終わらせることのできない「青春」を抱えて「結婚式」をすれば、「青春の終わり」を感じ、リストラの肩たたきにあえば「中年の終わり」を悟るのかもしれませんが、そういうタイミングのないまま生きてきた人物。 　だから、青春が終わらない、青春を終えられない。 　人生の春が終わり、夏も過ぎて秋になっていることは理解しているが、いまも「青い」ままだ――というのが、タイトルの「青い秋」の意味。 　私は中森氏と同世代で、同じ時代から出版界にて、似たような人生を歩んできたので、この小説には共感しすぎてしまう。 　その意味で、読んでいて、痛い。冬になっても、まだ青いままであることが予感できるだけに、より痛い。 　枯れないのはいいことかもしれないけど、成熟できないのもどうだかなあと、自問自答してしまう――そんな、すらすら読めるけど、ずしりと重い小説でした。

K-POPファンが新大久保の「カフェ」に続々と集まる事情

韓流の“テーマパーク”、新大久保へ　チーズドッグやダッカルビ、そしてコスメなど、新大久保は韓国文化を1日楽しめるテーマパークのような場所です。 　美容や食文化だけではありません。新大久保の駅に降り立つと、K-POP（韓国のポップ・ミュージック）が耳を刺激し、日本のアイドルショップをしのぐ勢いで立ち並ぶ店舗が目に飛び込んできます。 夜の新大久保駅付近の様子（画像：写真AC）　社会科学系の大学の研究室にいると、K-POPファン（「ペン」といいます）の心理や、ファン活動のためのSNS利用といった内容の卒論を書こうとする学生に出会うことがあります。 　百聞は一見にしかず。研究室の机に向かっていても分かりません。なにはともあれ、K-POPファンの大学生がファン友達と遊ぶ様子を観察させてもらうべく、新大久保の「現場」へ一緒に出掛けてみました。 K-POPファンたちがカフェに集う理由とは？　私がチーズダッカルビに心を奪われているのを尻目に、研究室の学生たちが向かった先は、雑居ビルのなかにあるK-POPファンの集うカフェでした。 　飲み物を注文するときに、曲をひとつリクエストすることができるシステムでした。リクエスト曲のミュージックビデオは、店内のプロジェクターから順番に投影されます。ただしこのK-POPのミュージックビデオは、公式にYouTubeにアップロードされているものです。 　ファンたちはスクリーンに投影されるミュージックビデオを観ながら談笑したり、店内に置いてある雑誌を一緒に眺めたり、スマホでK-POPグループのTwitterをチェックしたりと、さまざまなメディアを利用しています。研究室の学生たちもK-POPの雑誌を手に取り、すぐにふたりで盛り上がっていました。 　YouTubeのミュージックビデオも、Twitterも、雑誌も、どこでも楽しめるメディアです。私が不思議に思ったのは、「なぜ家でできることを、わざわざファン友達と待ち合わせ、新大久保のカフェまで行き、一緒に行うのか？」という点です。たまたま居合わせた他のお客さんと一緒に何か盛り上がるわけでもありません。 　しかし、大学生の話を聞いたり、しばらく店内を観察したりしていると、K-POPのカフェという場の持つ意味が少しずつ分かってきたのです。 K-POP理解を深める「学び合いの場」にK-POP理解を深める「学び合いの場」に　K-POPファンたちは、雑誌やミュージックビデオに「推し」（最も愛好している対象）が出てくると、それを指差しながら「このソクミン、バチクソいけてるから」「この日のギョミちゃん見てほしい」といった調子で語り合います。ソクミンもギョミちゃんも、 韓国男性アイドルグループ『SEVENTEEN』のメンバーのドキョム君のことです。 　指の先にあるのは、家でも視聴できるYouTubeのミュージックビデオですが、その映像を話のタネにして、お互いに情報を提供し合う、楽しい「交換」が延々と続きます。 新宿駅から電車で3分の新大久保駅（画像：写真AC）　また、ミュージックビデオのなかで盛り上がる（べき）共感のタイミングも分かります。一緒に行ったファン友達と映像内の同じポイントで顔を見合わせたり、雑誌をめくろうとする相手の指を巧妙に止めて、「推し」について語り続けたりします。あまり詳しくないグループのミュージックビデオが投影されている場合でも、お隣のお客さんの反応を見れば、誰にどんな声援を送るのかもだいたい分かります。 　つまり、K-POPファンの集うカフェは、さながら、K-POPへの理解を深める「学び合いの場」のようになっているのです。 効率よく情報に触れるために……　K-POPのグループはSNSで情報を発信していますが、ファンの学生に聞くと、言語や地理的なデメリットで情報収集は大変なようです。ひとつのグループの人数も多く、兵役に伴う離脱と参入が繰り返されるので、効率よく多様な情報に触れるには、複数人が集う現場が大事なのです。 　K-POPファンにとって「どこでも視聴可能な映像や雑誌をわざわざ一緒に見る」ことが、いかに楽しく大切なことかが見えてきました。 　こうしてK-POPファンたちは、映像と雑誌のようなメディアと、そのメディアに対する他者のふるまいを見ながら、2時間も3時間も「学習」を楽しみ続けているのです。 　K-POPカルチャーの捉え方が「複眼化」していくような感覚なのでしょう。複眼的な視点の獲得は、ハマればハマるほど「たまらない」もののはず。また、学習と複眼化をとおして「ハマる」ことは、K-POPファンのコミュニティ以外にも見られます。この快楽こそが、K-POPファンが複数で現場に集まる意味なのです。