村上麗奈

「声援」「かけ合い」はNG！ コロナ禍のライブは歌手・ファンの距離をどう変えた？

音楽ライブに欠かせない演出といえば、アーティストとオーディエンスとの「コール・アンド・レスポンス」です。しかし新型コロナ禍では有観客ライブや声援・掛け合いを自粛するよう要請されました。アーティストとファンたちにはどのような変化があったのでしょうか。音楽ライターの村上麗奈さんがリポートします。生ライブならではの醍醐味とは　ポピュラー音楽のライブには欠かせない存在の「コール・アンド・レスポンス」。アーティストとオーディエンスとの「掛け合い」のことを指します。新型コロナウイルスの流行以前は、どんなステージでも定番と言える演出でした。 　東京ドーム（文京区後楽）や日本武道館（千代田区北の丸公園）など、国内を代表する会場を何万人というファンが訪れ、生のパフォーマンスを見届ける。CD音源やテレビの音楽番組では味わえない生のパフォーマンスを支える重要な演出として、コール・アンド・レスポンスは取り入れられてきました。 ライブ会場として多くのアーティスト、ファンのあこがれの舞台となっている日本武道館（画像：写真AC）　しかしコロナ禍である2021年現在、感染予防対策のため観客は声を出さずにライブを楽しむことが必須になっています。 　そして新たなライブの形式を模索すると同時に、新たなコール・アンド・レスポンスの形が模索されています。 　コール・アンド・レスポンスの起源は100年以上前に遡ります。発祥の地はアメリカ。奴隷（どれい）として苦役を課せられていた人々は、労働中に歌を歌うことがありました。この際にコール・アンド・レスポンスが行われていたのが始まりとされています。 　ここでいうコール・アンド・レスポンスは「交互唱」で、前の人が歌ったものを繰り返すことで、肉体労働のテンポを良くすることができたといいます。 　コール・アンド・レスポンスはその後、ゴスペルやジャズなど多くの音楽で使用されるようになります。 日本の労働歌にもある「掛け合い」日本の労働歌にもある「掛け合い」　奴隷制が廃止された1865年以降、教会を持てるようになった黒人。礼拝時に黒人牧師が説教原稿を読み上げると、集まった人々は感情が高まり、牧師の言葉を繰り返しました。これがコール・アンド・レスポンスがゴスペルで見られるようになったきっかけです。 　教会から生まれた「ゴスペル」にコール・アンド・レスポンスが多いのはこのためなのです。 教会のイメージ（画像：写真AC）　このようにコミュニケーションのひとつとしても利用されてきたコール・アンド・レスポンスですが、作業の際の意思疎通といった用途でさまざまな民族音楽に使用されています。 　日本も例外ではなく、「ヨイトマケの唄」など作業、労働の掛け声を元にして作られた楽曲が存在します。 　現在、ポピュラー音楽のライブで定番となっているコール・アンド・レスポンスは、海外のロックブームで出来上がったものの踏襲であると考えられています。 　1985（平成60）年に行われた英ロンドン出身のロックバンドQueenのライブで、ボーカルのフレディ・マーキュリーが7万人強のオーディエンスをまとめあげた「EEEEEOOOOOO（エーーーーオ）」のパフォーマンスは有名なもののひとつでしょう。 　信仰の表現でもなく、労働作業とともに用いられるのでもない、純粋な音楽的楽しみとしての掛け合い。日本国内の場合、そのような傾向は顕著だと考えられます。ポピュラー音楽のライブに視点を移し、コール・アンド・レスポンスによるいくつかの効果を考えてみることとしましょう。 浜崎あゆみに見る掛け合いの意味浜崎あゆみに見る掛け合いの意味　まずひとつは、オーディエンスとアーティストの意思疎通です。 　特にSNSなどがなかった時代、オーディエンスと歌手がコミュニケーションを取る手段として効果的でした。歌詞の意味を深く共有するために、アーティスト自身がただ歌い上げるのではなくオーディエンスに向けて生きた言葉として投げかけるのです。 　例えば、代々木第一体育館（渋谷区神南）や味の素スタジアム（調布市西町）など大規模な会場でのライブを長いこと行っている浜崎あゆみのライブでは、自身の楽曲「evolution」でのコール・アンド・レスポンスが定番です。 　サビのフレーズ、 ＜こんな時代に生まれついたよ 　だけど君に出会えたよ＞ を本人とオーディエンスが順番に歌うコール・アンド・レスポンスの形は、ライブで顔を合わせるからこその意味が付与されます。 ライブでの、アーティストとオーディエンスの掛け合いのイメージ（画像：写真AC）　楽曲の中でも主題的な存在感を放つこのフレーズですが、ライブでオーディエンスとやり取りをすることで、歌手が思いを伝え、感情を表現する時間へと意味合いが変わります。 　楽曲を通して意思疎通を図ることで、オーディエンスひとりひとりに語りかけるように思いを伝えることができる効果を発揮しているでしょう。 無観客・声出しNG時代の楽しみ方無観客・声出しNG時代の楽しみ方　一方で、歌詞の意味内容関係なしに、同じ場で声を出すことによって一体感や盛り上がりを目指す例もあります。 　ロックバンドなどではその例が多いかもしれません。歌詞の繰り返しではなく、呼びかけと応答といった形の、煽（あお）る・煽られるの関係性などです。 　同じ場に集合しているからこその楽しみであったコール・アンド・レスポンスですが、2020年からのコロナ禍以降、ライブに参加して自由に声を出すこともままなりません。 　しかし、それでも新たな盛り上がり方、意思疎通の仕方が模索され続けています。 　配信での無観客ライブも多く行われるようになったことにより、声同士のコール・アンド・レスポンスではなく、チャットやSNSによる文字情報も利用されています。 　アーティストの言葉や歌詞に対し文字で反応し、疑似歓声や疑似コール・アンド・レスポンスが行われているのです。 ライブでオーディエンスが持つサイリウムのイメージ（画像：写真AC）　有観客ライブでは、声が出せなくても別の方法で盛り上げることができるよう、新たにグッズを作るアーティストもいます。サイリウムや鳴子など、視覚や聴覚を賑わせるものを中心に、アーティストによって趣向を凝らしたグッズが発売されています。 　これまでもあった、簡単な振付の共有や手を挙げるなどの反応もそれまでより積極的に導入されています。 進化するコール・アンド・レスポンス進化するコール・アンド・レスポンス　アーティストによって、コール・アンド・レスポンスを行う定番曲があったり、お決まりのフレーズがあったりと、ライブならではの時間としてコール・アンド・レスポンスは重要な役割を果たしてきました。 　それが従来のようにできないことは残念なことではありますが、それでも新たなライブでのコミュニケーションの取り方は考え続けられています。 　ライブの盛り上がりの形は、決して声を挙げるだけではありません。長い歴史を持つコール・アンド・レスポンスですが、その歴史はさらに更新され続けるでしょう。 　技術の発展なども含め、この先もさまざまなライブの楽しみ方が生まれるのではないでしょうか。

CD売上枚数の代替策 現代の音楽チャートは「ヒットの実態」をどこまで反映できている？

SNS発の大ヒット曲が誕生するなど、音楽の聴かれ方・支持のされ方が目まぐるしく変化するデジタル時代。人気の指標となる音楽チャートの集計の仕方も変化しています。昨今のランク付け方式のメリット・デメリットについて、音楽ライターの村上麗奈さんが分析します。音楽ヒットを担い続けてきたCDショップ　東京都内に11店舗を構える大手CDショップチェーン「タワーレコード（TOWER RECORD）」。CD不況と言われて久しいなかで、ゲストを招いた店頭イベントや、アーティストの手書きPOPを展示するなどして誘客を図っています。 　とりわけ旗艦店である渋谷店（渋谷区神南）は、ツイッターでイベント情報などを頻繁に投稿することで、2021年9月25日（土）現在23.4万ものフォロワーを誇っています。 　タワーミニ汐留店（港区東新橋）は、ジャニーズの人気グループA.B.C-Zの“推し”というスタンスを前面にすることで、ファンたちの間で「聖地」と呼ばれるまでに。しかし、惜しまれながらも2021年3月に閉店しました。 渋谷区神南にあるタワーレコード渋谷店（画像：写真AC）　かつて人気アーティストの新曲発売日となればファンが店頭に列を作ったCDショップですが、楽曲視聴の主流がインターネット上のストリーミングやYouTubeへ移行したことにより、苦戦を強いられる状況が続いています。 　各楽曲の人気度合いを測る絶対的なバロメーターだった「CD売り上げランキング」も、取り上げるメディアはかなり少なくなりました。代わって人気の指標とされているのが、CD販売だけでなくストリーミング再生やダウンロード、ラジオオンエア、カラオケ歌唱の回数などを合算した総合チャートです。 　こうした新たな指標によって、2020年にはYOASOBIの「夜に駆ける」が、Billboard JAPANで年間チャート発表開始以来初めて「シングル盤をリリースしていない曲」として総合首位を獲得しました。 前年のヒット曲がランクインし続ける状況前年のヒット曲がランクインし続ける状況　さて、以前寄稿した記事（2021年7月10日配信）で、2021年は少なくとも上半期までは2020年のヒットの構造を引きずっているように見えることについて言及しました。 　ここ数年の間に大ヒットしたLiSA、YOASOBI、BTS、Ado、Official髭男dismといった面々は、今や新譜が出れば上位にランクインし話題になるだけではなく、今なお旧譜が各チャートにランクインし続けています。 　人口に膾炙（かいしゃ）した大きなヒットは、極めて長いものになるケースが増えています。 「2021年8月度dヒッツアーティストランキング」で2021年1月から8か月連続の1位を獲得し、同ランキングでの最長記録を達成したYOASOBI（画像：レコチョク）　もちろん、ランキングを構成するのは大ヒットによって見慣れたアーティストだけではありません。ここ2年ほどTikTokで話題になったことによって突発的な人気を得たといった、注目株のアーティストも多くランクインするようになりました。 　各ストリーミングサービスによってランキングの色は異なります。 　例えば、LINE MUSICは他のストリーミングに比べ学生の利用者が多いため、若い世代が利用層の中心であるTikTokでのヒット曲が他よりも目立つ傾向にあります。 情報から「実用物」へと進化したランキング情報から「実用物」へと進化したランキング　それぞれのストリーミングには、チャートを閲覧できるページやチャートのプレイリストが掲載されています。さまざまなプラットフォームによって音楽シーンが形成されている今でも、その指標としての役割を果たしているのはチャートです。 　CDの売り上げが音源の売り上げの主だった時代、チャートの注目度が今以上に高かったのは言うまでもありません。その週のランキングを元にして構成されるテレビの音楽番組も多く存在しました。 CD全盛の時代には、CD売り上げランキングを元に構成される音楽番組も数多く放送された（画像：写真AC）　今、音楽番組の数自体が減少していることもあり、以前ほどテレビなどでランキングの紹介を目にすることはなくなったかもしれません。 　しかし、ストリーミングなどを利用している人にとっては日常的に目に入りやすいはずです。 　ランキングを順位通りに再生（視聴）することも簡単になり、ランキングは単なる情報から実用するものへと変化しているように感じます。 　とはいえ、さまざまなヒットの形が存在する今、数字の集計した結果を一律に並べるチャートは、少なからぬ弊害もはらんでいるとも言えるのではないでしょうか。 一律の「順位付け」が反映しきれない側面一律の「順位付け」が反映しきれない側面　たとえ同じランキングに名を連ねていても、ランクインに至る理由や背景はそれぞれ異なります。 　知名度が高く、新曲がリリースされれば必ず聴く固定ファンのいるアーティストと、TikTokなどで注目を浴び、若者など特定の世代に何度もリピート再生されるようになった曲とでは、ヒットの背景、いうなれば“出自”が全く異なると言えます。 　また、メジャーアーティストと同じようにインディーが活動できるようになった現在においても、両者が全く同じリスクやコストで活動できるとは限りません。 　ネットの存在によって誰もが気軽に活動を始められるとはいえ、つまり実力があれば発信の仕方次第で拾われる可能性も大きくなっているとはいえ、後ろ盾があるかないかの問題は、目指す場所への現実味やコスト、メンタルなどの面で大きく異なるでしょう。 　アーティストによって、メディアに積極的に露出するかどうかの選択も異なります。メディア露出などを目標としていないケースもあるのです。 かつてないほど多様化した音楽活動の在り方　このように、ネット時代になり、音楽活動をするための土壌やおのおののゴールは、かつてとは比べものにならないほど多様化しています。そうした状況下で各楽曲をランキングに並べることは、「数字での評価の存在感」が大きくなり過ぎてしまうという側面をはらんでいるとも考えられます。 　ランキングはリスナーにとって新たな楽曲に出合うきっかけにはなるかもしれませんが、そこに過大な価値を見出すのは今の時代には向いていないのかもしれません。 　とはいっても、プレイリストが組まれたりストリーミングのトップページに表示されたりという形で、チャートの存在感はより大きくなっています。 　CD売り上げランキングは、一般的なリスナーの肌感覚とかけ離れてしまったという理由で「崩壊した」などとも言われましたが、ネット時代のランキングも、ヒットのあらゆる側面をキャッチアップできているかどうかについては慎重に考える必要がありそうです。

手塚治虫、美空ひばり……過去の偉人を「AI」で再現するのはアリ？ 倫理とテクノロジーのはざまで考える

人工知能（AI）技術の活用は今、音楽や漫画作品といった芸術の分野でも進められています。このことがもたらすメリットと、議論すべき課題とは？ 音楽ライターの村上麗奈さんが解説します。豊島区・トキワ荘と『東京ブギウギ』の記憶　かつて豊島区にあったトキワ荘で、数々の名作を生み出した手塚治虫。2020年に、手塚プロダクションとキオクシア（港区芝浦）がコラボし、手塚治虫の新作を人工知能（AI）が描くプロジェクトが行われました。 2020年に発売された『ぱいどん AIで挑む手塚治虫の世界』（画像：(C)「TEZUKA2020」プロジェクト／手塚プロダクション／講談社、キオクシア）　このプロジェクトのCMに使用される楽曲を作曲したのもAI。AIの活躍とその可能性の大きさに広く話題を集めました。 　AIの利用について、多くの人にインパクトを与えたプロジェクトは他にもあります。 『東京ブギウギ』『新宿の女』など、東京にまつわる数々のヒット曲を歌った美空ひばり。昭和の東京歌謡といえば、美空ひばりを思い出す人も多いのではないでしょうか。そんな美空ひばりが、令和に新曲を歌いました。 　2019年、歌声合成技術「VOCALOID:AI」を用いることにより、故人である美空ひばりの歌声再現をする取り組みが行われたのです。この年の第70回NHK紅白歌合戦で、AI美空ひばりがホログラムで映し出され、新曲を歌唱した姿を覚えている人も少なくないでしょう。 　ここ数年耳にすることが増えたAIに関するニュース。今やAIは特別なものではなく、私たちの身近なところでも活躍し、生活を支える存在になっています。 　新型コロナウイルスの感染拡大も相まって近年多くの業界でデジタル化が推し進められていますが、その一端をAIが担っていることはいうまでもありません。 作詞、作曲、歌唱までもAIが行える時代作詞、作曲、歌唱までもAIが行える時代　音楽制作のプロセスにもAIは関わることが可能な時代です。誰でも気軽に使うことができるAI作曲ツールは、作成したい楽曲の雰囲気や曲の長さを指定するだけで、短時間でAIがフレーズを生み出してくれます。 　ツールによっては作詞作曲から歌唱まですべてのプロセスをAIで行うことができるものもあります。 　膨大な楽曲データを読み込んだAIによって作成される楽曲は、構成がはっきりしている長尺なものにしようとすればするほど破綻（はたん）は生じやすいものの、BGMなどに使えるようなクオリティーの楽曲を生み出すことも可能です。 　短時間で生成できるので、何度も試すことができるのも強みでしょう。 　AIによって作曲された楽曲は、ゲームの挿入歌に利用されたり、Youtubeの動画BGMに利用されたりすることもあります。何気なく耳にしている楽曲を作ったのはAIだった、なんてこともあるかもしれません。 　2017年にリリースされた女性アイドルグループ仮面女子の「電☆アドベンチャー」は、AIによって作詞されました。楽曲をイメージして描かれたイラストをコンピューターが読み込み、その色から単語を生成する、という手法です。 　また美空ひばりの例のように、偉大なアーティストであった故人を思い起こさせるプロジェクトは他にもあります。 AIの進化と人々の熱意が生み出した幻の作品AIの進化と人々の熱意が生み出した幻の作品　2019年、フランスのAIスタートアップ企業であるAIVA社が生んだAIは、アントニン・ドヴォルザークの未完であった遺作の残りを作曲したことで話題になりました。100年以上前に逝去した人物と、現在の最新技術のコラボレーションともいうことができます。 　また最近では、27歳で逝去したジミ・ヘンドリックスやカート・コバーンなどのアーティストの楽曲を30曲程度ずつAIが分析、それを基に新曲をつくりあげ1枚のアルバムにおさめる＜Lost Tapes of the 27 Club＞がトロントのNPO団体・オーヴァー・ザ・ブリッジによって発表され、注目を集めました。 　ディープラーニングで読み込んだ大量の情報を基にし、それらに似た楽曲を作ることができるAIと、故人のプロジェクトを完成させようとする人間の熱意。ふたつがコラボレーションしたこれらのプロジェクトは、多くの人を感激させました。 2019年12月に発売された美空ひばり（AI歌唱）『あれから』（画像：日本コロムビア）　AIが大量のデータを読み込んで学習する深層学習やコンピューターならではの計算能力は、人間のみでは手が届かなかった分野、実現しにくかったことを時に素早く正確に実現する手助けになります。 　一方、AIの利用に際しては、整理しなくてはならない課題点がいくつかあります。例えば、AIが制作した音楽の著作権についてです。 　著作権は、基本的に人間の作る創作物に対してのみ適用されます。動物の描いた絵に著作権がないように、AIの作る楽曲にも通常の見方からすると著作権は適用されません。 AIによる作品制作、議論となっている課題点AIによる作品制作、議論となっている課題点　しかし、AIによる作曲が可能になるまでに人の手がかかっているという観点から、AIの作曲した楽曲を著作権管理協会に登録しているツールや、有料版のユーザーになることでAIが作曲した楽曲を使えるようになる仕組みにしているツールもあります。 　一方で、人間が弾いたメロディーに伴奏をつける形でAIが関与するツールは、AIへの著作権は発生しません。 　このように、AI作曲ツールによってその対応は分かれていますが、さらにいくつものパターンに対応できるよう、AIの作る楽曲の権利関係について整備する必要があると考えられます。 AIを活用した楽曲制作には検討すべき課題もあるという（画像：写真AC）　また別の課題点としては、故人を再現し、新たな作品を与えることの倫理的な問題も議論のテーマになることがあります。 　倫理的な問題は、故人を「再現する」こと、また本人の確認がないままその人物の新作を作ることなどについて取り上げられることがあります。 　もちろんプロジェクトを行うにあたってしかるべき対応はしていると公表される場合もありますが、ケースによっては違和感がぬぐえないことも起こり得ます。 　再現したものとして、大量のデータを集積した結果構築されるAIによる産物は貴重な財産にもなり得ますが、本人が存在しない中それらを行うことの意義などについては議論の余地もあるといえるでしょう。 　特定の人物が話している動画を捏造（ねつぞう）できてしまうディープフェイクの悪用例も懸念されています。特定の人物を取り上げる形でAIを利用する場合、コンテンツを受け取る側も慎重になる必要があるかもしれません。 AIによる作品は果たして芸術と呼べるのか？AIによる作品は果たして芸術と呼べるのか？　また、AIが芸術の範囲にまで足を踏み入れることについての懸念もあります。心を持たないAIが作る音楽は芸術と呼べるのか？ 人間が作る音楽と何が違うのか？ といったことです。 AIが作る音楽は芸術と呼べるのか？ 人間の手による音楽と何が違うのか？（画像：写真AC）　現時点では、AIは長い楽曲をうまく生成できるわけではありません。得意とするのはコード進行の提示や短いフレーズの作成です。私たちになじみのある、Aメロ・Bメロ・サビといった展開のある楽曲を作ろうとすると、破綻が生じやすくなるのが現状です。 　AIが作成したと歌われている楽曲の多くは、調べてみると人間の手によって調整が加えられていることがわかります。どちらかというとコラボレーションに近いのです。 　そもそも、AIは音楽理論を確立理論に組み込むことであったり、多くの楽曲やフレーズを学習したりすることにより、新たな組み合わせを導き出しています。 　感情や音以外の視覚的、触覚的なものからインスピレーションを受けることもある人間の音楽の作り方とは、当然ながら異なっているのです。 　これからも成長が見込まれるAI。身近なものになるにつれ、AIの作り出すものの精度が高くなることが見込まれるとともに、AIで作ったという事実がそれだけで話題性を持たなくなってくることでしょう。 　AIが利用されたコンテンツはこれからどのように進歩していき、エンドユーザーの手元に届くのか。進化するテクノロジーを受け入れつつも、その受け取り方は一考する余地がありそうです。

YOASOBI、LiSA、NiziU……ヒット曲の「当たり年」だった2020年に比べて、今年いまいちパッとしないワケ

YOASOBI、瑛人、LiSA、NiziU、BTS……。2020年は大ヒット曲がめじろ押しだった「豊作の年」。それに対して2021年は、上半期が終わりましたが世間にインパクトを残すほどの楽曲が少ない印象です。なぜなのでしょうか。音楽ライターの村上麗奈さんが解説します。東京に4度目の緊急事態宣言、影響は？　上半期が終わり、2021年も折り返しを迎えました。2020年に引き続き、新型コロナウイルスは収束することなく、世の中に多大な影響を及ぼしています。 　東京都に対しては、7月12日（月）から4度目の緊急事態宣言が発令されることになりました。ライブやコンサートを含む大規模イベントは、上限5000人かつ収容率50%以下での開催という対策が盛り込まれています。 　8月の「ROCK IN JAPAN FESTIVAL 2021」が中止となったことから、夏に向けてさらに影響が波及することも考えられます。 　そのような状況下で折り返した2021年。業界全体の動きではなく、楽曲のヒットの出方やシーンはどのように変化しているでしょうか。 　2020年は世の中の変化に伴い、音楽のシーンも大きく変化した年でした。 YOASOBI、瑛人、LiSA、NiziU、BTS、あいみょん……2020年の年間チャートはヒット曲にあふれた。では2021年は？（画像：写真AC）　同年はじめに新型コロナウイルスが感染拡大し始めたことにより、アーティストの活動の仕方やその形が変化すると同時に、リスナーの生活の仕方も大きく変わりました。 　それにより、人々と音楽の関係性や存在感に変化が訪れました。動画プラットフォームが拡大するようになってから、音楽は聴くだけでなく使うものになりつつあると指摘されることがありましたが、その動きに拍車がかかったのです。 　配信ライブの急成長、YoutubeやTikTokといった動画投稿サイトの存在感など、音楽業界のトップニュースの様相が大きく変化しました。 TikTok発、紅白出場まで上りつめた例もTikTok発、紅白出場まで上りつめた例も　YouTubeやTikTok、Instagramで楽曲を動画とともに投稿したことをきっかけに注目を集め、全国区の知名度を得た例は枚挙にいとまがありません。 　アプリの存在自体は知られていたものの利用者に偏りがあったり、それまで音楽ヒットの発端になる印象など全くなかったTikTokやInstagram。このような場所からのヒットは、珍しさや新しさから一般層にも注目されました。 　瑛人の「香水」がTikTokで利用されることによって大ヒットし、NHKホールで行われている紅白歌合戦に出場するまでとなったことがその一例です。 NHK紅白歌合戦の会場となるNHKホール（画像：写真AC）　楽曲自体の魅力がヒットを生み出したのは言うまでもありませんが、爆発的にヒットし一躍“時の人”にまでなったのには、全く新しいヒットの仕方であったというプラットフォームの視点での面白さもあったことでしょう。 　一方で2021年は、昨年あったような大きなトピックが少ないように感じます。 　billboardの上半期楽曲ランキングを見てみると、そのラインナップはAdo、BTS、LiSA、YOASOBIと、2020年の勢いをそのまま引き継いでいるような印象をおぼえます。 　2020年に頻出したような、知名度が低いアーティストが突然幅広い世代に大ヒットするという様子は、上半期が終わった現時点では比較的少なく留まりました。 　とはいえ、TikTokを見てみると、「寄り酔い」「グッバイ宣言」「サクラウサギ」（いずれも曲名）など、いまだ活発にヒットが生まれる場としての役割を担っています。 「ヒットのあり方」に大きな変化「ヒットのあり方」に大きな変化　しかし、TikTokからのヒットという点での新規性がなくなったことや、一度ヒットを飛ばしたアーティストの2作目であることなど、一般層が触れるニュースとしての新しさが薄れたため、2020年よりもヒットの印象が薄くなっているのではないでしょうか。 　あるプラットフォームでは人気を獲得しているにも関わらず従来の「ヒット」の印象とは異なる理由はそれだけではありません。近年、ヒットのあり方自体が変化しています。 　一斉に特定の楽曲に注目が集まることをヒットとするならば、それが生まれ得る場は以前よりも増加傾向にあります。 　2018年頃に米津玄師が大ヒットすると、もともとボカロPであったことからボーカロイドにも焦点が当てられるようになりました。 2021年7月、ユニクロ・UTとのコラボ生配信ライブに出演したYOASOBI（画像：The Orchard Japan）　YouTubeなどを通じてボカロPや動画サイトで活躍するクリエイターにも注目が集まった流れを汲（く）むように、2020年には小説を音楽にするというコンセプトでボカロP、Ayaseを中心人物とするYOASOBIがTikTokやYouTubeを起点に大ヒットしました。 　その後、TikTokやYouTubeからヒットが豊富に輩出され続けていることは言うまでもありません。 　さらに、流行（はや）りの起点はインターネットだけになったかと言えばそうではありません。 今なお多大な影響力を持つテレビ今なお多大な影響力を持つテレビ　アニメタイアップの形で2020年はLiSAが一躍有名になり、2021年は映画タイアップ（『花束みたいな恋をした』）から有名になりTikTokなどにも飛び火する形でAwesome City Clubの「勿忘（わすれな）」が注目を浴びています。 アルペンのタイアップ企画に登場したAwesome City Club（画像：アルペン）　YouTtubeやTikTok、Instagram、そしてテレビやストリーミングなど、音楽が注目されるプラットフォームはいくつも存在しています。 　これからは、プラットフォームによって棲（す）み分けが生じていくのかもしれません。現にTikTokでの音楽ランキングとそれぞれのストリーミングサービス、そしてbillboardなどの音楽チャートをそれぞれ見比べてみると、そのラインナップが大きく異なっていることがわかります。 　ヒットは、今や各プラットフォームに細分化されるものになりました。幅広く知られることだけがヒットであるとは限らなくなってきているのでしょう。 　それでもなお広く知名度を獲得することをヒットとするならば、それは純粋な音楽の力だけでは無しえないことになってきているかもしれないと筆者は考えます。 　今でも強い影響力を持つのは、テレビタイアップです。テレビ離れが進んでいることは近年しばしば指摘されていますが、視聴者層の偏りは他のプラットフォームよりも少ないでしょう。 　以前は楽曲やアーティストのヒットが先にあってその後タイアップにつなるという図式がありましたが、現在では特定の層の注目にテレビ制作サイドが目を付けてタイアップにつながり、そこから広く大きなヒットが生み出されるという構図が見られるように思います。 動画・映像と切り離せなくなった音楽動画・映像と切り離せなくなった音楽　また、動画の影響力も強く存在します。YouTubeを日常的に利用する人が増えたため、ミュージックビデオ（MV）やリリックビデオの影響力は無視できるものではありません。今では、多くのアーティストがMVを公開しています。 　音楽の良しあしだけでなく、きっかけとなるものの質や訴えかけ方が以前よりも重要視されるようになっているのです。 　このように、音楽のヒットをめぐる話題は多くの音楽以外のプラットフォームへの言及を避けられない状況となっています。音楽が介入できるプラットフォームが増加したからに他なりませんが、裏を返せば、音楽を中心にしては音楽のヒットは生み出されにくくなったと言い換えることもできます。 　引き続き情勢に振り回されている2021年。上半期は2020年と大差ないように見えた音楽ヒットの様子でしたが、後半戦は一体どのような話題が待ち受けるのでしょうか。

嵐、米津玄師、でんぱ組……コロナ禍ライブで成功したアーティストに共通する「新たな試み」とは？

2020年以降の新型コロナ禍で急拡大した「オンラインライブ」。有観客イベントの代替策として捉えられがちですが、実は全く異なる新たな魅力を創造していると、音楽ライターの村上麗奈さんは指摘します。嵐や米津玄師、でんぱ組.incなどのアーティストたちが切り開いた新たな地平とは――？コロナ禍で都内ライブハウスが次々閉館　新型コロナウイルスが流行しはじめてから丸1年以上。緊急事態宣言の発令と解除が何度も繰り返され、音楽ライブなどのイベントは以前ほど自由に開催できない状況が続いています。 有観客での音楽ライブは、コロナ禍で中止を余儀なくされた（画像：pixabay）　リスナーとアーティストが直接音楽を通して交流をする機会が減ってしまっていますが、影響はもちろんそれだけではありません。ライブを開催する場所も影響を受け続けています。 　東京都内だけでも、代官山LOOP、六本木VARIT、下北沢GARDEN、Zher the ZOO YOYOGIなど、多くのライブハウスが閉店に追い込まれました。 　従来のように観客を入れた状態でのライブが開催しにくくなった中、異なる方法でイベントを行おうと多くのアーティストが開催しているのが、配信でのライブです。 　ZAIKOやツイキャス、YouTubeなどのプラットフォームを使った配信でのライブは、この1年と少しですっかりスタンダードな活動のひとつになりました。 　コロナウイルスの流行とともにその知名度を広げたオンラインライブ。「有観客ライブができない中での苦肉策」といったように、コロナとひも付けネガティブな文脈で語られることが多い配信ですが、この期間のライブを見ると、それが決して単なる代替案ではないことがわかります。 単なる代替策ではないオンラインの魅力単なる代替策ではないオンラインの魅力　新しいさまざまな技術を使うことで、配信は配信ならではの魅力を持つようになりました。それは、コロナの影響で公演数が増加したことにより、配信上で工夫を凝らす必要に駆られたというだけが理由ではありません。 　動画の時代をもたらすとされる5Gの登場もあり、配信に利用できる技術は着々と発展しています。現在の配信ライブの増加は、それを試す期間になっているとも言えるのです。 　2020年8月にサカナクションが行った配信ライブ「SAKANAQUARIUM 光 ONLINE」。観客がいないからこそ可能な大胆な照明や通常のライブ形式にとらわれない「ライブミュージックビデオ」としての映像の作り方で話題になりました。 サカナクション山口一郎さん。2021年1月にはウェブサイト「ほぼ日刊イトイ新聞」で自身のバンド論について語った（画像：ほぼ日）　それだけでなく、このライブでは3Dサウンドシステムが日本で初めて導入され、配信ライブで問題点とされることもあった音質面でのデメリットを解消しました。 　毎年夏に国営ひたち海浜公園で開催されている国内最大級のフェス、ROCK IN JAPAN FESTIVALは、2020年はJAPAN ONLINE FESTIVALと名を変えオンラインで開催されました。 　CGや巨大スクリーンを効果的に利用した配信ならではの視覚的な迫力のあるフェスになり、オンラインでの音楽イベントの開催を一般層まで浸透させるきっかけになったように感じられます。 嵐、米津、VTuberが実践した新機軸嵐、米津、VTuberが実践した新機軸　でんぱ組.incの初の配信ライブ「THE FAMILY TOUR 2020 ONLINE」では、SNS上のコメントをリアルタイムで配信上の画面に反映し、楽曲の演出とする計らいがありました。 　嵐の「This is 嵐 LIVE 2020.12.31」やVTuberヒメヒナによる「HIMEHINA LIVE 2021『藍の華』」は事前に歓声などを募集し、それを当日に流すなど、目の前にいないファンとのコミュニケーションのはかり方も模索されました。 　このように、SNSの拡散力やそれを反映する技術を使って、ファンとのやりとりがライブの中で可視化されるようになりました。 2021年1月に開催され、ヒメヒナも参加した「VTuber Fes Japan 2021」（画像：ドワンゴ）　配信ならではの技術を利用した演出はそれだけではありません。ライブ会場を架空の場に作り上げてしまうというオンラインならではの挑戦もありました。 　米津玄師がオンラインゲーム「フォートナイト」内で行ったバーチャルライブがその筆頭でしょう。オーディエンスはアバターとして架空の会場に入ることができ、バーチャルライブを画面内の客席から鑑賞することができます。 　実際のライブのような空間を架空の世界に作り上げ、新たなパフォーマンスの見せ方を提案しました。 　バーチャルYouTuber、キズナアイは海外向けのバーチャルライブも行っています。米ロサンゼルスを模したバーチャル会場で、時間帯やMCの言語をアメリカに向けたU.S.Tourは大盛況のうちに幕を閉じました。 ポストコロナ時代の発展にも期待ポストコロナ時代の発展にも期待　会場ごと特定のアーティストのために一から作る発想は、リアルライブでのステージセットと似ています。 　今では、仮想空間上でアバターを介しライブなどの視聴ができる「VARP」というバーチャルパークシステムも登場しています。いくつか、仮想空間の提供を行うコンテンツはありますが、その多くはスマートフォンなどの端末さえあれば利用することができる場合が多く、非常に手軽です。 バトルロイヤルゲーム「フォートナイト」内で開催された米津玄師さんの特別イベントの告知画像（画像：Epic Games）　バーチャルの流行はVTuberの活動や拡張現実（AR）技術の発展などにより、徐々に注目されつつありますが、コロナ禍の配信ライブによりその動きは加速されています。 　今後、仮想空間の中でのエンタメがどのように展開されていくのか期待が高まります。 　配信ライブは、リアルライブと異なる価値を提示しています。発展の原動力がコロナの流行でリアルライブが開催しにくいといったことであったせいで、ネガティブな印象と併せて語られがちですが、新たなエンタメの形としてコロナ禍以降も成長し続けていくのではないでしょうか。

実在しないのになぜ？ 架空のVTuberキャラがわざわざ「東京在住」を名乗るワケ

VTuberとは、CGで描かれたキャラクラーになりきり動画コンテンツを配信する活動形態のこと。当然ながらそのキャラはこの世に実在しませんが、わざわざ「東京在住」と名乗ることがしばしばあります。その意味とはいったい何なのでしょうか？ 音楽ライターの村上麗奈さんが解説します。仮想キャラなりきり動画配信　VTuberという活動形態をご存知でしょうか。 　2D、あるいは3DCGで描かれたキャラクターと、人やモノの動きをデジタル化するモーションキャプチャ技術を用いて仮想のキャラクターになりきり動画配信などを行うVTuber。 　2016年に「キズナアイ」が初めてバーチャルYouTuberを名乗ってからその数は年々増え続けており、現在ではVTuberの総人口は1万人を優に超えています。 若者を中心に人気を集めるVTuberのイメージ。その数は優に1万人を超える（画像：イラストAC）　新型コロナウイルスの影響で対面でのイベントが延期や中止などの対応に追われる日々が続いている昨今ですが、動画サイトでの活動がメインであり、存在の仕方も通常のYoutuberと異にしているVTuberが受けた打撃は比較的小さく済んでいます。 　さまざまな動画コンテンツやバーチャルイベントを通じて、日々多くのファンを魅了しているVTuberは架空のキャラクター。つまり、彼らに居住地は必要ありません。 　われわれのように現実世界に暮らしている者であれば、住所や生活圏を述べることができます。アニメなどのキャラクターにしても、どのような世界にいて、どのような都市に身を置いているのかといったことがある程度設定されているケースが多くあります。 　しかしVTuberの場合、存在するための背景や文脈は必要ではありません。コンテンツを制作するVTuber自身には、われわれと同じような時間の概念が存在しているにもかかわらず、それがどのような世界や場所でといったことは一切問われないのです。 本来「場所設定」は重要でない本来「場所設定」は重要でない　彼らの動画を見てみると、キャラクター自身がCGであることはもちろん、背景もCGであることがほとんどです。真っ白でだだっ広い、なにもない空間を背景に配信をするVTuberの動画も数多くあります。現実世界にもアニメの世界にも存在し得ないような空間です。 　キャラクターが存在する居住地のみならず、VTuberの世界にはそもそも“場所”という概念自体が必要ではありません。そのキャラクターがどのような設定で、どのような場所にいるのかといった情報は重要ではないのです。 　にもかかわらず、VTuberには多かれ少なかれキャラクターについての設定が存在しています。その中でも「東京都内」に身を置いているというVTuberも存在します。 　たとえば、赤月ゆに（文京区）や鳩羽つぐ（杉並区の西荻窪）などです。 JR西荻窪駅からバスで行かれる善福寺公園。残念ながら鳩羽つぐは、いない（画像：写真AC）　もちろん、文京区に行けば吸血鬼の赤月ゆにに会えるわけでなければ、西荻窪に赴いて鳩羽つぐに遭遇できるわけでもないでしょう。いわゆる「中の人」がそこに存在するとも限りません。 　では、居住地的要素が一切必要ないVTuberがこうして居住地を設定しているのには、一体どのような効果があるのでしょうか。 　VTuberはフィクションの面とノンフィクションの面を併せ持っています。アニメなどのキャラクターとは違い、キャラの動きも話す内容も現実に基づいています。われわれと同じように実際に生きている人間（「中の人」）が、外見と性格を仮想キャラに置き換えているだけなので、当然と言えば当然です。 フィクションとノンフィクションの狭間フィクションとノンフィクションの狭間　つまりVTuberは、今日の天気や時事ネタにまで言及することが可能なのです。これは基本的にはアニメのキャラクターにはできません。アニメのキャラクターが天気に言及するとき、それは多くの場合アニメの世界側での天気であり、それを視聴するこちら側の状況には関与しないからです。 現実世界で雨が降っていても、アニメの世界は晴れということはしばしば起こる。VTuberの場合はどうか（画像：写真AC）　しかし、VTuber（仮想キャラ）はわれわれの住むこちら側には存在していません。現実世界には「中の人」は存在しても、VTuberは基本的に画面上から出ることはできず、実体として存在しているわけではないからです。 　VTuberは日常生活の話をすることが可能ですが、生活を営んでいるVTuberの実体をわれわれが目にすることはあり得ないのです。 　このように現実と虚構の狭間で居住地を自称するVTuberは、よりリアリティーを持たせるために実在する地名を述べていると考えることができます。 　フィクションとノンフィクションをまたぐコンテンツであるVTuberが実在する地名を居住地として述べることによって、両者をさらに強固につなげる。このことで、より身近に感じつつも決して道端で出会えないフィクションであることが強調されるのです。 　このフィクション・ノンフィクションの狭間を感じることができるのがVTuberの面白さのひとつではないでしょうか。この狭間で、VTuberは独自の文化を築き上げていると言えます。 ビジネス展開上のメリットもビジネス展開上のメリットも　架空世界を舞台にしたコンテンツに東京の地名が用いられている例はいくつもあります。その中でも、ただ地名を借りているだけではなく、その土地の特性まで取り入れている例も存在します。 「電音部」という、ダンスミュージックをテーマにしたキャラクタープロジェクトがそのうちのひとつです。 　VTuberも声優として参加している同作の舞台は、未来の東京。渋谷や秋葉原など、東京の地区を舞台として取り上げ、それをモチーフとして設定が作り込まれています。 キャラクタープロジェクトの舞台にも描かれている秋葉原（画像：写真AC）　単一のコンテンツとしてだけでなく音源やイベント、グッズ展開、ネット上での番組など広くメディアミックス的に展開する電音部。拡張を続けるこのようなコンテンツにとって、東京の舞台設定は消費者との距離が近くなるという点で非常に効果的であったと言えます。 　東京の存在を使って架空世界と現実世界との距離感を縮めることで、完全に架空の世界を舞台にするよりも、電音部のキャラクターやコンテンツを現実に持ち込みやすくなり、話題を作りやすくなると考えられます。 　このように、東京は架空の世界でも存在感を放っています。現実との心理的な距離を近くし、フィクションとノンフィクションの懸け橋のような手段として用いられているのです。

なぜAKB48は「僕」でNiziUは「私」なのか？ アイドルソング歌詞に表れる「方向性」の決定的違い

秋葉原発のAKB48が日本を席巻した頃　東京・秋葉原に劇場を構えるAKB48。 　ほかにも名古屋を拠点とするSKE48、大阪のNMB48、福岡のHKT48など、48グループは極めて地域性を押し出した活動を展開し、それぞれ固有のファンを獲得することに成功しました。 　彼女たちの台頭により、2000年代後半以降の秋葉原はよりいっそう「アイドルの聖地」としての色合いを濃くしました。 アイドルの歌詞に表れる「ファンとの距離感」とは？ 一人称の違いから読み解いてみよう（画像：写真AC）　さて、彼女たち48グループの楽曲で使われる一人称の多くが「僕」なのをご存じでしょうか。48グループの公式ライバルとして誕生した坂道グループ、乃木坂46や櫻坂46（旧欅坂46）でも同じように「僕」が用いられることがほとんどです。 　一方、2020年にデビューし人気を博しているガールズグループNiziU（ニジュー）の楽曲での一人称は「私」がほとんどです。また2000（平成12）年前後に一世を風靡（ふうび）し今も活動を続けるモーニング娘。の歌詞も、一人称は「私」が多くなっています。 　このような、ガールズグループの楽曲における人称はどのような意味合いを持つのでしょうか。 　はじめに、48グループ、坂道グループの楽曲で使用されてきた「僕」のいくつかの意味合いを見てみましょう。前述では48グループ、乃木坂46、櫻坂46はいずれも「僕」の頻度が多いと一緒くたに示しました。しかし歌詞をよく見てみると、同じ「僕」でも意味合いが異なることがわかります。 ファン目線で展開するAKB48の歌詞世界ファン目線で展開するAKB48の歌詞世界　48グループと乃木坂46の楽曲の多くは、少女――アイドル自身と言い換えることもできます――を見る側の視点から歌詞が書かれています。 　AKB48を代表するヒット曲のひとつである『ポニーテールとシュシュ』（2010年）の歌詞には ＜ポニーテール（揺らしながら） 　振り向いた 　君の笑顔 　僕の夏がはじまる＞ とあり、ポニーテールをしている少女自身ではなく、それを見る「僕」目線での歌詞であることがわかります。 AKB48劇場がある秋葉原周辺の地図（画像：（C）Google）　ポニーテールをしてパフォーマンスをするAKB48が体現しているのは、歌詞で言うところの「君」で、「僕」はそんな「君」に思いを馳（は）せる存在です。「君」を体現しながら「僕」目線で歌っている、ということなのです。 　今では女性からの人気も負けず劣らず獲得した48グループですが、当時はファンのメイン層が男性、すなわち“見て消費する”側面が強くありました。 　歌詞のこのような構図はアイドルとファンの見る・見られるという関係性に対応しており、「僕」として歌詞内容に引き込む効果があったと考えることができます。 　一方、櫻坂46の場合は単なる「君」の相手として描かれるものではない「僕」を多く表現してきました。 NiziUと櫻坂46の比較で分かることNiziUと櫻坂46の比較で分かること　48グループのような、相手がいて成り立つ恋愛ソングが比較的少ない櫻坂（欅坂）46の楽曲には、自分らしさを追求し、集団や抑圧からの脱却を目指す歌詞が多くあります。 　櫻坂46の場合「僕」は強さの表現のようにも見えますし、飾らないアイドル自身の姿のようにも捉えることができます。 　このような歌詞であったがゆえに、48グループに比べ、メンバー自身により近い属性のファンを多く獲得したと考えることができます。「僕」が中性的に響いたのも、ファン層の拡大にひと役買っているでしょう。 　そこにあるのは見る・見られるといった距離のある関係性ではなく、共感、共鳴というような、没入を伴う聴き方だと言えます。 アイドルのコンサートライブは男女を問わない大勢のファンが訪れる人気イベント。コロナ禍では開催が難しくなっている（画像：写真AC）　では、一人称で「私」が使用されている場合はどうでしょうか。 　NiziUの場合、一人称は「私」でこそあれ、歌詞の中での「私」の立ち位置は櫻坂46に類似していると考えることができます。 　2020年12月のデビューシングル『Step and a step』の歌詞に＜私だけのペースで＞と自らを肯定するような歌詞があるように、NiziUの楽曲はそのままの自分を前向きに捉える歌詞が多いのが特徴です。 「情景」描写と「情動」描写の違い「情景」描写と「情動」描写の違い　櫻坂46の場合は前提としてある何らかの障害から脱却することによって自由を目指し、それを肯定するという流れでしたが、NiziUの歌詞の場合は、外的環境などが関与しない状態での自分自身の肯定を描いています。 　どちらも、一人称は「君」との対比として使われることは少なく、そこに直接的な関係性は描かれない、あるいは重要視されないのです。 　NiziUの代表曲『Make you happy』は恋愛ソングと言える歌詞ですが、48グループが連続的な“情景”を描写しがちなのに対し、こちらは“情動”に比重があります。 「僕」から見た「君」、「私」から見た「あなた」の描き方の違いが、48グループの恋愛ソングとは印象を異にしているようにも見えます。 「僕」から見た「君」、「私」から見た「あなた」。描かれ方にグループの特性が表れる（画像：写真AC）　ただひと口に僕、私、といってもその使い方は時とアーティストによってさまざまです。 「僕」「私」に固有の意味合いを持たせる傾向があるとは言い切れません。それよりも、「僕」「私」が、「君」あるいは「あなた」とどのような関係性で描かれるかという点に、楽曲の特徴が表れるのかもしれません。 　AKB48が「僕」目線の「君」を描き続けることでファンを「アイドルを見る」存在として歌詞内容に取り込んでいるのに対し、NiziUは「私」の内部に重きを置いて描くことにより彼女たち自身の内面を見せる、すなわち楽曲にファンを取り込まない状態で完結しているように見えます。 メンバー選抜に表れるファンとの距離感メンバー選抜に表れるファンとの距離感　これは、AKB48とNiziUのメンバー選抜の方式ともつながるものがあります。 　48グループの「選抜総選挙」は、ファンの投票により、つまりファンが深く関与することで選抜メンバーが決定してきました。 　応援する・されるという関係性が非常にはっきりしている企画です。 　対してNiziUの場合、総合プロデューサー（J.Y. Park氏）が直接審査を行い、オーディションの様子をファンに関与させない形で見せることで注目を集めました。 　ガールズグループの楽曲で描かれる「私」と「あなた」のあり方は、ファンとの関係性を浮き彫りにしているのかもしれません。

AKB商法が「J-POPをダメにした」は間違い――音楽ライターが教える、ヒットチャートの正体

エンタメ中心地・東京の実態　東京都が毎年発行する「東京の産業と雇用就業」2020年版によると、映画やテレビ番組の制作会社、レコード会社といった音楽産業に携わる企業（別映像・音声・文字情報制作業）などを足し合わせた付加価値額は1.8兆円。東京都には全国の64.3%が集中しています。 　人口比でいえば全国民の11%ほどが暮らしながら、6割超もの付加価値額を独占している東京。日本におけるエンタメ発信地の中心であることは疑いようのない事実です。 CD売り上げチャートの形骸化　中でも私たち消費者に身近な存在なのが音楽です。日々新譜がリリースされ、時代ごとに大きく変化する音楽の流行。次々と話題作が生まれる状況を可視化する指標として役に立つのが、ランキングです。 　以前はCD売り上げランキングが大きな影響力を持っていました。 　しかしここ20年ほどCDの売り上げは落ち続け、今では「CDチャートは崩壊した」とまで言われています。今日ではCDの売り上げが低迷するとともにストリーミングやダウンロードの利用者が増えたこともあり、ストリーミングなどでの再生数が人気の指標として利用されるようになりました。 　CDランキングが形骸化していると言われ始めたのは2010年代はじめ頃のこと。 　CDに多種多様な特典を付け、同一のCDを何枚も購入することを暗に促しているとも捉えられかねない販売方法が登場したのはご存じの通りです。パッケージのジャケット写真を変え、いくつものバージョンをほぼ同一の収録曲で発売されるケースも増えました。 チャートが意味するものとはチャートが意味するものとは　そのため、CD売り上げランキングの上位は、このような戦法を取ることの多いアイドルで占められることも増え、世間一般が認識するヒット曲の並び順とは乖離（かいり）することもありました。 　アイドルとの握手券を特典に付けることで、結果的にひとりのファンが何十枚、何百枚もの同じCDを購入するという現象やその手法は「AKB商法」などとも呼ばれ、批判を集めもしました。 特典付きや、ジャケット写真が何種類もある（画像：写真AC）　AKB商法のせいで、といった語り口で、チャートがその意義を失っていったことを嘆く声もしばしば聞かれます。 　たしかに、そのような商法が、「音楽」ではなく「CD」を販売するという即物的な売り上げ戦略のために行われていると指摘することは的を射ているでしょう。この戦略によってチャートがヒットを忠実に反映しにくくなった側面があるのも否定できません。 　しかし、チャートの意義についてはもう少し考えることができそうです。 　そもそもチャートの順位とはなにを表しているのでしょうか。 　CDのランキングであれば売り上げ、レンタル店のランキングであればレンタル回数、ストリーミングのランキングであれば再生回数がカウントされています。当然ながら、それぞれのランキングの順位には少しずつ違いが生じます。 　このことからも分かるように、それぞれの回数や枚数がカウントされているだけで、それらが世の中のヒットや注目度を正確に反映しているとは限りません。 多様に細分化された音楽消費多様に細分化された音楽消費　ストリーミングやダウンロードのランキングの場合、買い切りかつ特典が付くことも多いCDよりも、世間の音楽としての“注目度”をより忠実に反映していると言うこともできます。 　しかしこれもまた、ある一側面から見たものでしかないのです。 　今の時代、音楽の消費のされ方は「聴くこと」だけに限りません。ミュージックビデオなどの視聴と同時に行う聴取体験や、ユーザーが自らカバー歌唱したり動画制作などで利用したりといった消費行動も珍しいことではありません。 現代の音楽体験は「聴く」だけにとどまらず、多岐にわたる（画像：写真AC）　近年では、動画での再生回数やツイート数、カラオケで歌われた回数なども加味したbillboardの総合チャートが単一のランキングのデメリットをカバーする存在として登場しています。「所有」だけでなく「接触」を加えることで共感性の高いチャートを描き出している、現代におけるヒットに寄り添っているチャートです。 CDチャートはいずれ崩壊した？　CD売り上げランキングの形骸化については、SNSの影響力の伸長やダウンロード視聴・ストリーミング再生の普及などによって、遅かれ早かれ一般的な認識と合致する「ヒット曲指標」としては機能しなくなっていたのではないでしょうか。 　こうした音楽聴取のデジタル移行と、いわゆる「AKB商法」的な売り上げ戦略が同時期に重なったのが、2010年代の日本音楽シーンの特徴とも言えます。 　音楽の良し悪しはCDの売り上げ枚数と必ずしも相関があるわけではないのと同じように、ヒットの定義もCD売り上げが表していたとは言えないのではないでしょうか。 売り上げは「絶対」ではない売り上げは「絶対」ではない　かつてCDランキングはある程度指標として信用されてきました。 　しかしその理由はCD売り上げがヒットや人気を正確に反映する性質を完璧に持ち合わせていたからではなく、配信なども少なかった当時、気に入った音楽を繰り返し聴くにはCDを手に入れることが一番手っ取り早い方法だったからと言えます。 音楽を聴くにはCDを買うという選択肢がほぼ唯一だった時代、CDランキングは人気の指標として信用されていた（画像：写真AC）　ヒット曲を並べることは、世の中の流れをつかむことやそれを起点にして新たな音楽に出合うきっかけにもなります。CD全盛期の時代から、チャートに世の中の流れや世相を重ね合わせて見る分析は常になされてきました。 　しかしそれを唯一の評価として“妄信”することは、幅を狭めて自らの音楽体験の楽しさを半減させてしまうかもしれません。売り上げ至上主義といった、偏った見方に陥ってしまう恐れもあります。 　数字として表れている再生数や売り上げは、事実でこそあれ、絶対的な存在ではないのでしょう。

激減する都内「CD店」と、増える「イントロなし曲」 両者の意外な相関関係とは

音楽再生はCDからストリーミングへ　デジタル機器によって利便性が高まっている令和時代。そんな現代に生きる我々は、サブスクリプションサービスや動画サイトを利用することで聴き切ることができないほど多くの楽曲に触れられるようになりました。 　RECOfan渋谷BEAM店（渋谷区宇田川町）が2020年10月に、TOWERmini汐留店（港区東新橋）が2021年3月に閉店するなど、東京を中心に展開されていたCD・レコードショップの店舗数は一時期と比べて減少しています。代わりに、サブスクリプションなどを利用し、携帯端末で音楽を聴く人が増えているのです。 音楽配信サービスが普及し始めた今、CDで音楽を聴く機会が減ったという人は少なくない（画像：写真AC）　サブスクリプション（定額制）型ストリーミングの普及は日本では遅れているとも言われていましたが、ここ1、2年でその流れもようやく変わってきています。 　CDや専用の再生機器から、スマートフォンやデジタルプラットフォームへと移行した視聴方法の変化は、そこで聴かれる音楽の構造にも大きな変化をもたらしました。 　多くの楽曲を聴くことができるプラットフォーム、そして多くの情報を手に入れることができる情報社会。1曲数分であれ、リスナーに冗長である、あるいは好みではないと感じられれば楽曲はスキップされてしまいます。 　そんな情報過多に適応した社会を乗りこなすためもあり、イントロが短い、あるいはない楽曲や、メロディの展開が多い楽曲、1曲の長さが短い（2～3分程度）ものが増えました。 　フィジカル（CDなど物理的なもの）からデジタルへという音楽の変化については、「モノとしての愛着」という視点からの議論がたびたびかわされてきました。しかし、音楽を取り巻く環境の変化がもたらしたものは、愛着などといった漠然とした感覚だけではなかったのです。 SNSでの「2次利用」から火がつく例もSNSでの「2次利用」から火がつく例も　音楽の周辺に関する変化はそれだけではありません。聴取方法が変わり、音楽の構造自体も影響を受けたならば、リスナーの聴き方も変化しています。 音楽の聴取方法の変化は、楽曲の構造やリスナーの聴き方にも影響を及ぼしている（画像：写真AC）　Youtuberやインフルエンサーが登場し、TikTokやInstagramなど気軽に発信しやすいSNSが存在する現代。誰もが発信者になることができる時代であり、いわゆるデジタルネイティブの世代の人々は、自らが発信側にまわることについてハードルが高いと思っていない場合も少なくありません。 　TikTokでは楽曲が2次利用されることによって、アーティストの意図とは異なった形でヒットに結びついている例も多くあります。 　現代において、リスナーはリスナーであるだけではないのです。発信者の側面も持ち合わせているリスナーのもとでは、無意識のうちに、自分の動画で「使える」「使えない」、あるいは「使いたい」などの評価軸が新たに生まれています。 　そのような新たな評価基準は必ずしも音楽的な良し悪しと関連があるわけではありません。 　楽曲が利用された動画で「バズ」を生みだすことは、その音楽の良さを必ずしも保証するものではありませんし、2次利用してもらおうと画策するのも、それを視界にまったく入れないのも自由です。狙ったところで思い通りにバズらないのが面白さでもあるでしょう。 わずか「15秒」で生まれるヒット曲わずか「15秒」で生まれるヒット曲　アーティストが2次利用についてどのような感覚でいるにしろ、特に動画やSNSと親和性が高い若い世代は、利用する側としての判断基準を持ち合わせていることは非常に多いのです。これは音楽を取り巻く環境の変化として、無視するわけにはいきません。 　音楽が使用されるといっても、フル尺で使用されるとは限りません。TikTokの場合は15秒切り抜きなど、楽曲の一部を切り取って使う例がほとんどです。ここからヒットが生まれる場合、ワンコーラスも聴かずしてヒットする場合も多いということです。 TikTokからヒットした最近の楽曲は、アコースティックギターでの弾き語りなど“手作り感”があるものも多い（画像：写真AC）　ここで注目されているのはキャッチーな言葉づかいであるかどうかであったり、動画のBGMとして使いやすいかどうかといったことです。 　近年のヒット曲は「使用」という視点からの評価が大きく関わっているのです。従来の聴かれ方と比べると大きく異なっていることがわかるのではないでしょうか。 　しかし、従来はまったく「使用」の側面からの評価がなかったかと問われれば、まったくなかったと答えることはできません。 　2020年に「鬼滅の刃」ブームでLiSAが大躍進を遂げましたが、これまでもタイアップからヒットした例は枚挙にいとまがありません。これらも、ドラマやアニメ、映画等との相乗効果、つまり「使用」の評価項目に重きが置かれてヒットした例と言えるでしょう。 　TikTokの例もアニメやドラマの例も、映像との組み合わせによるものですが、映像と音楽の組み合わせを行っているのはアーティスト自身のプロモーションでも同じです。 映像との結びつきを強めた音楽シーン映像との結びつきを強めた音楽シーン　今では、多くのアーティストが楽曲のMV（ミュージックビデオ）を動画サイトに投稿しています。MVから注目される例も多々あり、その重要度は年々高まっているように見えます。動画サイトの利用者の多さからすれば当然のことでしょう。 　最近では、MVの存在とともに成長したボーカロイド系の流れを汲んだカルチャーの流行もあり、アーティストの姿を映す演奏動画ではなく、楽曲のストーリーをイラストやモデルの起用によって描写したMVも増えています。 音楽を単体で聴くのではなく、映像とセットで視聴する機会が増えたのも昨今の特徴（画像：写真AC）　時代によって流行りの音楽の形式や形態が変わることは当然です。時代とともに音楽も変化、あるいは進化しています。 　デジタル媒体が普及したことにより、楽曲が専用の物体に依拠することは少なくなりました。しかしそれは、音楽を音楽のまま純粋に受け取ることが促進されたわけではありません。 　他の表現形式、特に映像と強く結びつくようになった音楽。映像なしで音楽を聴く頻度が下がったという人も多数いるのではないでしょうか。あらためて音楽のみにじっくりと耳を傾けてみるのも、普段の視聴と印象が変わって面白いかもしれません。

あなたが一番好きな「東京ソング」は？ 90年代～令和まで、変化し続ける描写のゆくえ

輝かしさと憧れの対象だった東京　日本を代表する大都市、東京。これまで楽曲の中でも幾度となくその風景が描かれてきました。歴代の描かれ方を見てみると、時代によってさまざまに変化していることがわかります。 　以前の東京を題材にした楽曲は、人生における重要なトピックでもある「上京」や、輝かしくも騒々しい夜の輝きなど、東京特有の描写がされることが多々ありました。 　東京の存在の大きさや明るさと自身の小ささや焦燥感の対比など、その地名が持つ特徴を効果的に利用した楽曲もいくつもあります。 　単に地名のひとつとしてでなく、大都市としての特性を楽曲に取り込んだ形であったことは、日本の首都の存在感が他の地域と比べても特別にあったことを示しています。 「東京は夜の七時」などが収録されたピチカート・ファイヴのアルバム「SINGLES」（画像：日本コロムビア）　ピチカート・ファイヴ「東京は夜の七時」（1993年）、くるり「東京」（1998年）、桑田佳祐「東京」（2002年）などが筆頭の、2000年代はじめまでの楽曲が特にこのような特徴を備えていると言えるでしょう。 　では、近年の東京の描かれ方はどのように変化しているでしょうか。 2010年代、変わり始めた描かれ方2010年代、変わり始めた描かれ方　まず、場所に関する直接的な描写が少なくなったように思えます。 　東京は特定の都市としての扱いから、象徴のように扱われることが増えました。その背景には、特定の場を表している楽曲が大衆の心には刺さらなくなったことが関係しているのかもしれません。 　Perfumeの「TOKYO GIRL」（2017年）は東京で物足りなさ、憂鬱さを抱える人物を描いています。近未来感のあるパフォーマンスや、プロデューサー中田ヤスタカのサウンドに定評のあるPerfumeが提示する東京は、東京であることの重要性には縛られていないようにみえます。 2017年発売、ドラマ主題歌に起用され彼女たちの代表曲のひとつともなったPerfume「TOKYO GIRL」（画像：Universal Music）　サザンオールスターズの「東京VICTORY」（2014年）も東京の情景に触れているわけではありません。気鋭の現役大学生アーティストVaundyの「東京フラッシュ」（2019年）も同様に、東京の地域性は直接的に見出しにくいつくりになっています。 　東京である必然性は以前よりもなくなったと言い換えることもできるかもしれません。 　変化は地域性の希薄化だけではありません。フジファブリックの「東京」（2019年）、King Gnuの「Tokyo rendez-vous」（2017年）は東京と孤独が結びつけられています。土地の華々しさや人口の多さと自身の孤独が対比されて描かれた90年代と比べて、東京の印象が変化していることが表われている例であると言えます。 　大都市として描かれた東京が、東京ならではの輝きをもって描かれなくなった理由はいくつか考えられます。 ネット全盛の現代における東京ネット全盛の現代における東京　そのひとつには、東京が以前ほど流行（はや）りの発信地としての役割を一手に担わなくなったことが挙げられます。 　インターネットの発展で情報が瞬時に手に入ることなどにより、東京にいないと流行りが追いにくいという状況は是正されてきています。音楽に至っては、SNSなどネットのプラットフォームから突然話題作が生まれるなんてことも珍しくありません。 　また、地方などの盛り上がりによって東京に対する特別な憧れも希薄になっているのではないでしょうか。 数々の流行を生み出してきた街、渋谷。冒頭で紹介したピチカート・ファイヴも「渋谷系」と称された（画像：写真AC）　さらに、国外の存在を意識しはじめたことも関係していると考えられます。動画サイトや各種デジタル配信の普及により、国内外問わず楽曲が溢れるようになりました。言うまでもなく、国外のアーティストの楽曲の音源を聴くこともストリーミングや動画サイトを利用すれば容易です。 　国外を意識せざるを得なくなることによって、東京は「国内の大都市」というだけでなく「日本の中心都市」の性質を強く帯びるようになります。これにより、東京はひとりの虚しさと対比した輝きや国内の視点からの解釈だけでなく、日本の代名詞的な利用のされ方をしているのではないでしょうか。 　東京に限らず、特定の地域を物理的な場所として描くということは、パーソナルな内容でない限り難しくなってきているのかもしれません。今の時代、地域の関係ないSNSに居場所を求めることは珍しくありませんし、地域的な愛着が数十年前ほどなくても不思議ではありません。 リモートの浸透で台頭する「地方」リモートの浸透で台頭する「地方」　リモートワークの可能性が広まった2020年でしたが、音楽についても同じようなことが言えます。 　スタジオに入らなくても、機材やソフトウェアをそろえれば、個人で十分に音楽が作れる時代です。これは、東京に出て事務所に属さずとも音楽を発表でき、聴いてもらうことができることを意味します。 　流行りの最先端と言えば東京、とは今でも言えるかもしれませんが、東京以外の場からヒットを飛ばすことも難しくない時代です。感染症の拡大も背景に、地方からの動きもいっそう活発化するのではないでしょうか。 SNSなどを介して誰でもヒットのチャンスをつかめるようになった現代。2020年もさまざまな注目曲がTikTokから生まれた（画像：写真AC）　2021年はじめに放送された音楽バラエティー番組『関ジャム 完全燃SHOW』（テレビ朝日系）の企画「売れっ子プロデューサーが選ぶ2020・年間ベスト10」で、川谷絵音や作詞家いしわたり淳治がランキング上位に位置づけた藤井風（ふじい かぜ）は岡山出身。岡山弁の歌詞が彼の音楽的魅力とともに注目を集めました。 　地域間の隔たりが薄くなってきている現代、新たな形で音楽における地域性が見出されようとしているのではないでしょうか。

「アムラー」ほどの社会現象が、もう二度と起こらないワケ

東京のファッションシーンを作り上げた　1990年代、「アムラー」や「シノラー」など、歌手のファッションを若者たちが真似ながら、東京を中心にひとつのファッションシーンを作り上げていく風潮がありました。 　前者は安室奈美恵さん、後者は篠原ともえさんの服装やメイクを模した女性たちのことで、ほかにも華原朋美さんをまねた「カハラー」などが渋谷や原宿で数多く見られました。 　つまり当時、歌手は楽曲が聴かれるだけでなく、その存在自体が憧れの対象となりカリスマ的存在になっていたのです。 　しかし2021年現在の音楽のヒットを見てみても、そのように多くの人の憧れの対象、カリスマとして存在しているアーティストはいないように思います。そこにはどのような時代の変遷があるのでしょうか。 「○○ラー」という呼称の現在地　近年の歌手がカリスマとして憧れの対象になることが全くなくなったわけではありません。 　きゃりーぱみゅぱみゅさんは、2012年頃にその独特な名前とキャッチ―な楽曲、衣装で頭角を現しました。原宿の「Kawaii」文化を志す人たちにとって、彼女は一種のカリスマとして君臨しました。そのヒットは、原宿ファッションをあらためて世間一般に周知させたと言えるでしょう。 　きゃりーぱみゅぱみゅさんのファンのことを「ぱみゅらー」と呼ぶことがあります。「アムラー」「シノラー」をはじめ、90年代に流行した「○○ラー」の多くはメイクや服装、雰囲気を真似る人のことをさしていましたが、「ぱみゅらー」は彼女のファンの総称だとされています。 ファンが服装を真似なくなった理由ファンが服装を真似なくなった理由「ぱみゅらー」はSNSで自然発生した言葉で、それがさす範疇は明確には決められていませんが、ファンなら誰でも「ぱみゅらー」と言える、というのです。 　SNS上には、ファンの総称を指す言葉がアーティストごとに定まっている場合も少なくありません。「ぱみゅらー」も90年代の「○○ラー」とは関係のない総称のひとつだという見方もできるでしょう。 　きゃりーぱみゅぱみゅさん以後、2020年代を見てみると、ファンの総称としての「○○ラー」は存在するかもしれませんが、カリスマ的な憧れの的でもある「○○ラー」は中々思い当たりません。これは、ヒットする歌手やアイドルの立ち位置や時代の変化を明確に表しています。 　まず、ファン活動の場の変化です。 90年代に「アムラー」現象を巻き起こし、2018年9月16日をもって引退した歌手の安室奈美恵さん。引退から1年後にAWAなどの音楽ストリーミングサービスに楽曲を配信するなど、人気とカリスマ性は今なお健在（画像：AWA）「アムラー」「シノラー」の90年代、スマートフォンやSNSはもちろん存在していませんでした。ある歌手が好き、という表明をしたい場合、自分の身なりに何かしらの変化を加えるということが一番スタンダードだったのでしょう。 　浜崎あゆみさんのシングル「evolution」のMVで、本人が身に着けていたファーの尻尾が注目され大流行したことがありました。あの尻尾を模したストラップを携帯電話につけるなど、服装や小物によってアピールできるという面があったのです。 　しかし、今はSNSなどでネットに居場所を見つけることができる時代です。 「憧れ」の切実度合いが薄まった理由「憧れ」の切実度合いが薄まった理由　SNS上には「誰々のファンと繋（つな）がりたい」のようなハッシュタグがいくつもあり、それぞれのコミュニティーを形成しています。ここで好きなアーティストを表明するために必要なのは、もはやファッションなどの身に着けるものではありません。 　一方で、SNSのタグ機能によって、アイドルや歌手が着ている服がどこのブランドの服なのかということを知りやすくなっている場合もあります。その点では、アーティストやアイドルを身近に真似ることができる存在になっているとも言えるでしょう。 　では、なぜそのようなアイドルや歌手がファッションシーンの一部を作り変えないのか。それは、ファッションの流行の問題だけではありません。アイドルや歌手とファンの距離感にも理由はあります。 JR秋葉原駅近くにあるAKB48劇場。「会いに行けるアイドル」の礎をつくった（画像：（C）Google）　2000年代後半以降、AKB48が「会いに行けるアイドル」をキャッチコピーとし知名度を上げるようになってから、アイドルとファンの距離感はぐっと縮まりました。 　SNSでオフショットを公開したりするなど、舞台上で作り上げられたアイドルというよりも、一般人との境界線を薄めたようなアイドルが多く存在するようになりました。 　よりナチュラルな志向に変化しているのでしょう。よって、特定の歌手やアイドルを象徴するアイテムやファッションといった、ある種の奇抜さをもって売り出すということが少なくなっているのだと思われます。 　また、最近ではTikTokやYouTubeでの発信から若者の支持を得る歌手がいますが、この場合はついひと月前まで一般の学生だった、なんてことも少なくありません。無所属でプロモーションなしで偶然人気に火が付き、あとあと事務所が介入するということもあります。 日本のマンネリ化、台頭する韓国日本のマンネリ化、台頭する韓国　この場合の強みはなんといってもファンとの近さで、カリスマと呼び憧れの対象にするにしても、その距離感は90年代とは大きく異なっているのです。 　さらに、そのようなアーティストはテレビ出演していない、したとしても回数が少ない場合が多く、憧れのきっかけとなりやすい“見た目”を使ってのプロモーションの要素が薄いとも考えられます。 　その代わりに、TikTokなどで「きゅんです」という流行語が生まれ、ヒット曲「ポケットからきゅんです！」（ひらめ）が誕生するといった、SNSでも使いやすいキャッチ―な語の流行に音楽が関わるのは現代らしいと言えるでしょう。 　とはいえ、作り上げられたカリスマ、憧れの対象がまったく存在しなくなったわけではありません。 　数年前からKポップアイドルが流行していますが、それにはまった人たちは、そのメイクなどを取り入れるなど、憧れの対象とし、真似ています。 韓国での合宿トレーニングやオーディションを経て誕生したガールズグループNiziUは、2020年12月の正式デビュー以前から話題を呼び大ヒット（画像：CS日テレ）　日本のアイドルの打ち出し方がマンネリ化の傾向にあり、目新しいファッションやメイクの戦略も見られないため、もともと美容大国とも言われている韓国のアイドルなどに憧れるのでしょう。 「○○ラー」とくくられるような、やや露骨とも言えるファン表明としてではない憧れの対象として、今日もカリスマは存在していると言えます。

瑛人や「きゅんです」…… 2020年に無名アーティストが次々ヒットを飛ばした理由

音楽ヒットは「東京発」からSNS発へ　2020年は、音楽のヒットの出どころが大きく変わった1年でした。 　アーティストの所属事務所やレコード会社による公式プロモーション、あるいは渋谷や新宿にあるCDショップによる店頭セールスなど、あくまで東京を中心とする“中央集権”体制が常識だった音楽シーンのヒット構造。 　しかし近年SNSによる影響力が徐々に高まり、いよいよ決定的となったのが2020年だったと言えるでしょう。 楽曲「香水」が大ヒット。公式YouTubeチャンネルで「ビデオブログ（Vlog）」を配信するなど、ネット上での発信も多い瑛人（画像：AlphaBoat合同会社）　瑛人、yama、りりあ。、ひらめ、オレンジスパイニクラブなどの名前を目に（あるいは耳に）したことがある人も多いのではないでしょうか。上に挙げた名前は、2020年TikTokを通じて楽曲をヒットさせたアーティストです。 　TikTokとは、15秒の動画を音楽とともに投稿できるサービス。2016年にリリースされたあと、2018年に中高生を中心に盛り上がりを見せました。 　始めはダンス動画などが多く、ノリのいい音楽が使用されることが多かったですが、2019年頃から異なる潮流も見られました。2020年になると、TikTokで人気を得た楽曲がストリーミングやbillboardのチャート上位にランクインされるほど、TikTokは音楽界にも影響力のあるプラットフォームに変貌を遂げます。 　瑛人の「香水」はそれを象徴する最たる例でしょう。 アコギと歌詞が高める「共感度」の強みアコギと歌詞が高める「共感度」の強み　2019年4月にリリースされた「香水」は、そのおよそ1年後からTikTokでの使用や動画サイトでの「歌ってみた」コンテンツが増加しました。2020年5月にはbillboard JAPAN Hot 100で34位にランクイン。翌週には5位まで浮上し、TikTokユーザーだけでなく多くの人々に浸透しました。 「香水」のサビは15秒きっかりでTikTokの動画の長さと相性がよく、そのコンパクトさは人気になった理由のひとつと考えられています。また、アコースティックギターと歌といったシンプルな編成は、TikTokから人気になる楽曲の多くに見られる特徴でもあります。 「香水」やひらめの「ポケットからきゅんです！」など、アコースティック編成の楽曲は弾き語りカバーもしやすく、歌ってみた動画にしやすいためさらに人気が拡大しました。 「TikTok CREATOR'S LAB. 2020 -REFLECTIONS-」で、TikTok流行語2020大賞が「#きゅんです」に決定。写真中央が受賞した、ひらめ（画像：SANGPIL PARK、Bytedance）　TikTokで多く利用されることにより人気になった楽曲は、歌詞にも共通点があります。 「香水」は元恋人との再開を歌う曲で、多感な若者を中心に共鳴しやすいでしょう。りりあ。の「浮気されたけどまだ好きって曲。」では心情の説明が細かくされている半面、特定の人物像が描かれないため、聴き手が自由に自分ごととして解釈しやすくなっています。 　誰もが自分の出来事としてカバーしたり、感情移入したりすることができるのです。 アーティストではなく曲単位で売れる理由アーティストではなく曲単位で売れる理由　歌詞を自分のものとして消化できることは、楽曲が主にならないゆえに、ユーザー自身が楽曲を使用して数十秒の動画を作成するTikTokと非常に相性がよいでしょう。 　LINEやインスタといったSNSの名前などが歌詞に使われていることも、より身近に感じる要因です。TikTokで見つけた楽曲を自分の動画のBGMに使うという、TikTokユーザーの行動の特性上からも、親しみやすい楽曲であることがTikTokからのヒットの傾向だと言えるでしょう。 　このような特徴を備えているなどTikTokに最適化された楽曲は、無名の歌手の旧譜でも一瞬にして注目を浴びることができる時代なのです。 　TikTokでの楽曲のヒットは、基本的にアーティストではなく曲単位で生まれます。 若い世代を中心に欠かせないプラットフォームに成長したTikTok（画像：Bytedance）　アーティストの思考や方向性よりも、楽曲の雰囲気や内容にリスナーが即時的に飛びつくことで素早い広がりを見せ、プラットフォームを越えた人気を獲得しているのです。 　楽曲単位で人気を獲得できるTikTokは、さまざまなアーティストの楽曲が混在するプレイリストの存在感が大きい音楽ストリーミングと相性がいいとも言えるでしょう。 　楽曲が動画に使用され、その動画がバズること、また影響力のあるプレイリストに組み込まれることなどがきっかけでヒットになるということは、リスナーが楽曲に及ぼす影響が大きくなっているということでもあります。 コロナ禍で強固に結びついた音楽と映像コロナ禍で強固に結びついた音楽と映像　プレイリストを作るのはアーティストの公式プロモーションの一環ではないことも多いですし、TikTokなどで利用されるのもアーティストからすると全くの偶然であることが多々あるからです。リスナーはもはや、単なる受け手ではないのです。 音楽のヒットに直接的な影響力を持つようになったリスナー。2020年はその象徴的な年とも言える（画像：写真AC）　2020年は新型コロナウイルス感染拡大の影響で音楽ライブが配信に移行する風潮があったなど、音楽と映像の結びつきがより強固になる動きがあった年となりました。 　楽曲の作者ではないユーザーが作る動画と音楽の結びつきがこれからどのようなヒットを生みだし、どんな化学反応を見せるのか。あるいは、楽曲そのものの意味の重要性はユーザーによる消費に阻害されないのか。 　いずれにせよ、しばらくTikTokや動画プラットフォームの存在感は大きくなり続けるでしょう。その動向に2021年も目が離せません。

年間チャートでも存在感 「ボカロ系ユニット」を何度も聴きたくなるワケ

ずっと真夜中でいいのに。ヨルシカ YOASOBI「ずっと真夜中でいいのに。」「ヨルシカ」「YOASOBI」。 　2020年に注目されたこの3組はともに、音声合成ソフトVOCALOID（ボーカロイド）で楽曲を制作する「ボカロP」としても活躍するクリエイターと、女性ボーカルが所属する音楽ユニットです。 　ボーカロイドとJPOPを融合させたような音楽性で若者を中心に人気を獲得し、音楽ストリーミングサービスSpotifyでは、東京をはじめ日本での人気曲が集まったプレイリスト「Tokyo Super Hits！」の常連でもあります。 ビルボードジャパンの2020年総合チャート「JAPAN HOT 100」で、楽曲『夜に駆ける』が1位を獲得したYOASOBI（画像：ビルボードジャパン、阪急阪神ホールディングス）　ボカロPが作曲しているだけあって、ボーカロイド音楽の特徴とも言える言葉数の多さや加工した鍵盤の音（リリースカットピアノと呼ばれる）が目立つ3組。彼らが人気を集めた理由とは一体何でしょうか。 　ずっと真夜中でいいのに。とヨルシカは、いまだに詳細なプロフィールや容姿を公開していません。このような活動形態でも人気を集めるようになったのは、ネット上で十分に活動できるようになったがゆえの特筆すべき変化と言えるでしょう。 　この活動の仕方はしばしば「謎に包まれた」という煽（あお）り文句によって聴き手側の興味をか掻き立てます。 　しかしプロフィールを公開しないことによる効果はそれだけではありません。作曲者や演奏者が何者かわからないことで、楽曲を作り手・歌い手の意思表示とは捉えられなくなるのです。 作り手の心情を切り離した楽曲作り手の心情を切り離した楽曲　作者や演奏者の心情とはある程度距離を置いた「作り物」として注目させることで、音楽の音や構成、歌詞に注目させる効果があります。 　小説を読む際、読者は作中のキャラクターの発言内容を作者が考えていることと常に同一であると受け取るでしょうか。そもそも小説を読むにあたって、作者の存在を強く意識するでしょうか。 　これを裏付けるように、ずっと真夜中でいいのに。とヨルシカのどちらも、虚構性の強い小説のような歌詞が特徴でもあります。 ヨルシカの『盗作』（左）と『だから僕は音楽を辞めた』（画像：タワーレコード）　たとえばヨルシカの『だから僕は音楽を辞めた』は、歌詞に「僕」と「君」が登場しますが、それがどのような人物なのかといったことや、ふたりの関係性などは一切明らかにされません。 ＜君の目を見た　何も言えず僕は歩いた＞ 　こうした歌詞は小説にあってもおかしくない文で、このような文体の詞をヨルシカは多用しています。またそのほか、ひとつの物語を構築するようなコンセプトアルバムを『だから僕は音楽を辞めた』『エルマ』の2作で作り上げています。 　メディア出演が増えているYOASOBIにも同様のことが言えます。 　彼らのコンセプトである「小説を元にして作られた」音楽は、言うまでもなくフィクション性が強い歌詞をしていますし、メディアに出ているとはいえ、ボーカルのIkuraはビルボード・ジャパンのインタビューで 「まず原作のイメージを大事にしたいと思って、ストレートに楽曲の色に染まれるよう、歌い方のクセをできるだけ抑えました」 と語っており、自分の感情を介在させないことに意識的です。 ボカロ曲の特徴を継承する意図ボカロ曲の特徴を継承する意図　作者の存在を強調させない楽曲作りに意識的である様子は、動画サイトに投稿されるミュージックビデオ（MV）からも見いだすことができます。 　ずっと真夜中でいいのに。の楽曲MVはほとんどがアニメ調のもの。キャラクターがときどきリップシンク（歌詞に合わせて口を動かす動作）をするなど、楽曲とのリンクが随所に散りばめられているのが見る者を引き込みますが、映像はいささか抽象的で完全に歌詞や映像の説明がなされるわけではありません。 2020年7月には、注目の次世代アーティストとしてヨルシカとともにタワーレコード企画「NEXT BREAKERS」にも選ばれた、ずっと真夜中でいいのに。（画像：マレ）　一方、ヨルシカのMVは実写のものも少なくないですが、MVに出てくる人物の顔が映されない点は、あえて楽曲の説明を避けているように見えます。 　反対に、同じくヨルシカの『盗作』は動画の概要欄やMVの内容含めて物語としての「盗作」を作り上げており、CDの初回盤には「盗作」の小説が付属します。どちらにせよ、徹底的に作者の感情や状況を排除していると捉えてよいでしょう。 　この特徴は、ボーカロイド音楽の特徴を引き継いでいると言えます。 　ボーカロイドを利用した楽曲は、初音ミクなどの人間ではないキャラクターが歌唱しています。初音ミク、鏡音リンなどのキャラクターが人気なこともあって、作者が誰であれ第一に「ボーカロイドキャラクターの曲」という受け取られ方を促進しており、作曲者が誰かは二の次です。 　この仕組みを引き継いでいるのがYOASOBIやヨルシカ、ずっと真夜中でいいのに。なのです。 聴き手が「解釈」したくなる能動の仕掛け聴き手が「解釈」したくなる能動の仕掛け　また彼らの音楽は、小説的でありながらも、歌詞を聞いてすぐに理解できる物語の構造はしていません。 　ネット上では感想のような解釈のようなものが多数散見されますし、曲を聞いて想像したシチュエーションは異なるというアンケート結果もあります。 　ヨルシカの『風を食む』、ずっと真夜中でいいのに。の『ハゼ馳せる果てるまで』『秒針を噛む』、YOASOBIの『夜に駆ける』というタイトルも同様ですが、一度読んだだけでは意味が確信できない言葉遣いも少なくありません。 　歌詞も含め、解釈を試みたくなる意味深長な言葉の組み合わせがされている楽曲と映像は、一度聴いた・見ただけではどう消化したらよいか理解しきれないゆえ、繰り返し再生することを促します。 　探すともなく音楽を聴くことができるネット環境で、受動的になりがちな音楽体験を「解釈」をしたくなる能動的なものに変化させることで、彼らは一度注目した聴き手を離さないのです。