シティポップの記事一覧

日本語ロックの伝説「はっぴいえんど」が提唱 東京の原風景「風街」とは何だったのか？

昨今のシティポップブームから再評価が高まる和製ロックバンド・はっぴいえんど。その歌詞の魅力と東京性について、音楽ライターの鈴木啓之さんが解説します。活動期間わずか3年　昭和文化の再評価が著しい昨今、音楽の分野ではシティポップが海外の熱心なファンや若い世代に人気です。 　その昔はフォークやロック、その後ニューミュージックと呼ばれたジャンルの音楽で、かつては「シティポップス」という言葉はありましたが、「シティポップ」という呼ばれかたはわりと最近になってからです。 　そんななか、日本語ロックの創成期のバンドとして神格化されて久しい「はっぴいえんど」が、今また殊更にクローズアップされているのは、シティポップのルーツとしての存在だからです。 　わずか3年の活動期間ながら、 ・日本語の歌詞 ・洋楽テイストの洗練されたメロディー が融合した音楽を都会的な表現で創り上げたレジェンド。 　東京が舞台とされた作品が多いのは、4人のメンバーうち、岩手県出身の大瀧詠一以外の3人が東京出身であることが大きいのでしょう。しかしながら大瀧のウェットな歌声は、クール過ぎない世界観を絶妙に形成する役割を果たし、はっぴいえんどの音楽に普遍性をもたらしました。 　細野晴臣と松本隆は港区、鈴木茂は世田谷区の生まれ。後に職業作詞家へと転じて言葉の遣い手となる松本は、主に麻布、六本木や渋谷かいわいの古きよき東京を「風街」と表現しました。 名曲「風をあつめて」から考える名曲「風をあつめて」から考える　ただし歌詞に出てくるのは決してリアルな街の描写ではなく、松本の記憶をもとに再構築された、あくまでも架空の街。そこには1964（昭和39）年の東京オリンピックを契機に、東京の街からさまざまな風景が失われてしまったことが影響しています。 　実際に松本は南青山で生まれ育った後に、オリンピックのための立ち退きで麻布霞町に転居したといいます。そんな喪失感を埋めるために詞がしたためられたのかもしれません。 はっぴいえんど『風街ろまん』（画像：ポニーキャニオン）　東京オリンピック開催から7年後、1971（昭和46）年11月にリリースされた彼らの2枚目のアルバム『風街ろまん』は、松本の詩世界と大瀧、細野、鈴木のメロディーが絡み合って生まれた名盤です。 　最高傑作と名高い「風をあつめて」も収録。歌詞に登場する路地ならぬ「路次」は港区の芝大門から浜松町の周辺を指したものと松本自身が語っています。そういった話を聞くと、曲から思い描く風景のイメージが一気に可視化されるのです。 　3番の歌詞に出てくる「珈琲屋」については具体的な場所は書かれていませんが、松本の行きつけの喫茶店として知られる渋谷桜丘町の「マックスロード」を書いたという説があります。 　同店は後にドラマ『東京ラブストーリー』で、カンチとリカが待ち合わせた店としても有名でしたが、その後、珈琲チェーン店になり、現在では一帯の再開発で跡形もなくなってしまったのは残念でした。 歌詞から見える東京の原風景歌詞から見える東京の原風景　続く「摩天楼」の歌詞には、1970年代初頭の新宿のイメージが重なります。京王プラザホテルを皮切りに、新宿住友ビル、新宿三井ビルディング（ともに新宿区西新宿）と高層ビル群がまだ少なかった頃です。 「風をあつめて」に続く「暗闇坂むささび変化」は、タイトルにも掲げられている麻布の暗闇坂にまつわる伝説を題材としたノスタルジー。「はいからはくち」のフレーズは、高輪の清正公前の都電かバスの停留所でステップを飛び降りたときにひらめいたのだといいます。 麻布十番の暗闇坂（画像：(C)Google）　アルバムの見開きジャケットに描かれた都電のイラストは漫画家の宮谷一彦によるものですが、もともとは北区の王子公園の横の坂が書かれたものでした。それを松本があえて自分がなじみ深い東京タワー（港区芝公園）近くの坂に見立て、路線番号だけが書き換えられています。現実には訪れることがかなわない街。極めてノンフィクションに近いフィクションということでしょう。 　音楽の魅力は世代や境遇を超えます。半世紀以上前の東京で生まれ育った人間の、幼い頃の記憶に焼き付けられた原風景。それが現代の若い聴き手たちに共鳴を抱かせることが興味深いです。 はっぴいえんどの音楽の行方とははっぴいえんどの音楽の行方とは　つい先日、11月5日と6日には、松本隆の作詞活動50周年記念コンサート『風街オデッセイ2021』が日本武道館（千代田区北の丸公園）で開催され、2013年に急逝した大瀧以外のメンバー3人が久しぶりに公の場で顔をそろえた。6年前に東京国際フォーラム（同区丸の内）で開かれた『風街レジェンド2015』以来となります。 　日替わりで多くのアーティストが出演したなかで、はっぴいえんどは2日間通しての出演。演奏をした3曲は2日間とも同じで、松本が久々にドラムを叩く姿を見せながら、「花いちもんめ」「12月の雨の日」「風をあつめて」の3曲を披露しました。 千代田区北の丸公園にある日本武道館（画像：写真AC）「12月の雨の日」は大瀧の代わりに鈴木慶一がボーカルを務め、「風をあつめて」では珍しく鈴木がベースを担当して会場を沸かせました。 　もちろん年配の観客も多かったですが、意外なほどに若い世代の男女が客席のあちらこちらに見られたのも事実。彼らは東京の失われた風景を、意識するしないにかかわらず、音楽で追体験しているのだと思わされました。 　松本隆が作詞したはっぴいえんどの音楽は、時空を超えてこれからも支持され続けてゆくのでしょう。2度目の東京オリンピックを終え、東京の風景が大きく変貌している今だからこそ、余計に感慨深いものがあります。

バブル以降、ポップスの歌詞から「地名」が消えた理由――オメガトライブを通して考える

歌謡曲ではかつて多く地名の入った歌詞が歌われてきました。しかしバブルを経ると急激に減少。いったいなぜでしょうか。法政大学大学院教授の増淵敏之さんが解説します。オメガトライブというプロジェクト　暑い日が続く今夏、筆者（増淵敏之、法政大学大学院政策創造研究科教授）は時々、定番のシティポップを聴いています。 　シティポップとは、1970年代後半から1980年代にかけて流行したニューミュージックのなかでも、特に都会的に洗練され、かつ洋楽志向の楽曲を総称した日本の音楽ジャンルで、ここ数年、国内外で広く再評価されています。 　そんなシティポップのアーティストのひとつに、オメガトライブがあります。オメガトライブは、プロデューサー・藤田浩一の指揮の下、作曲家・林哲司と和泉常寛、アレンジャー・新川博らの制作陣を中心としたプロジェクトバンドの総称です。 　ボーカルは杉山清貴、日系ブラジル人のカルロス・トシキ、新井正人と移り変わり、それぞれのバンド名は ・杉山時代：杉山清貴&オメガトライブ ・カルロス時代：1986オメガトライブ、カルロス・トシキ&オメガトライブ ・新井時代：ブランニュー・オメガトライブ でした。 1986オメガトライブのアルバム「Navigator」（画像：バップ）　オメガトライブのようにバンド内で楽曲を自作し、自演するアーティストが登場する以前、日本の音楽業界では、専業の作詞家と作曲家が楽曲を作るのが一般的でした。ですから、歌手はその楽曲を歌うだけということになります。いわゆる分業制です。後年、ファクトリー（工場）ミュージックという言葉が広まりますが、分業体制のもと、工場で音楽を作るといった意味合いでした。 　プロデューサーの藤田浩一は音楽事務所トライアングル・プロダクションのオーナーでもあり、かつ作詞家や作曲家、アレンジャーとのプリプロダクション、レコーディング・スタジオでのミュージシャン、エンジニアへの指示、レコード・ジャケットの決定からマーケティング戦略までの流れを一元管理していました。そういう意味では、オメガトライブのプロジェクトは紛れもなくファクトリーミュージックでした。 カルロス時代にから抽象化する歌詞カルロス時代にから抽象化する歌詞　カルロス・トシキがボーカルだった1986オメガトライブ、カルロス・トシキ&オメガトライブはヒット曲を連発しました。すでに杉山時代とは作詞、作曲を行うプロジェクトメンバーも替わっていました。 　彼らの楽曲を聴いていてふと気がついたのですが、カルロス時代のオメガトライブの歌詞世界は前任の杉山時代と比べて、抽象化しています。いったいなぜでしょうか。 　杉山時代には、多少なりとも具体的な地名が書き込まれていました。材木座海岸から茅ヶ崎への国道134号線を走る「海風通信」、同じ国道で葉山を抜ける「ROUTE134」などです。 「海風通信」を収録した杉山清貴&オメガトライブのアルバム「AQUA CITY」（画像：バップ）　しかし1986オメガトライブ時代以降になるとそのような歌詞は皆無になります。海は「湘南」ではなく、都会は「東京」を具体的には描いていません。 　前述したように杉山時代とカルロス時代以降は作詞、作曲家が変わっています。マーケティングを最重要視するファクトリーミュージックならではの、時代の変化に対する素早い反応が見え隠れします。その背景を見ていきましょう。 舞台が明確にされていない歌詞　カルロス・トシキがボーカルを務めた1986オメガトライブ、カルロス・トシキ&オメガトライブは、杉山時代の歌詞世界よりさらに海、リゾート色が強くなっています。 　ヒット曲の「君は1000%」はまさにマリンリゾートが舞台ですが、「アクアマリンのままでいて」では主人公の男性がビル街のなかで夏の思い出に思いをはせます。 1986オメガトライブのシングル「君は1000%」（画像：バップ）　具体的な場所は明確にされていませんが、恐らく1980年代後半のバブルに向かう東京でしょう。 バブルが東京のイメージを変えたバブルが東京のイメージを変えた　日本全体の土地の価格総額は1990（平成2）年末の時点で、1985（昭和57）年末の2.4倍となりました。バブルのピーク時、日本全体の地価の合計は、アメリカ全体の地価合計の4倍になりました。東京圏に限っていうと、驚くべきことに1987年と1988年の住宅地価格はそれぞれ22%、69%上昇し、商業地の価格はそれぞれ48%、61%上昇しました。 　地価の上昇は、地価の高い都心の一戸建て住宅や高級マンションだけでなく、都市近郊の一戸建て住宅を買うことさえも困難にしました。当時は茨城県取手、埼玉県の上尾、鴻巣、栃木県の小山などに新築住宅、マンションが次々に建設され、東京100km圏の新幹線通勤可能範囲には同様の現象が生じていました。郊外化の進展です。 　一部の大企業は新幹線通勤費を負担しており、それが郊外化に拍車をかけた側面もあります。六本木交差点では午前2時過ぎまで空車のタクシーはなく、また1メーターでは乗車拒否をされることもありました。さらに、午前0時を回ればタクシーでの帰宅が認められている企業もありました。 「東京スタディーズ」（画像：紀伊國屋書店）　2005年に発表された「東京スタディーズ」（紀伊國屋書店）で、山田晴道が「脱・地名の歌詞世界の中で」の項で指摘した、ヒット曲の歌詞に東京を含む歌が減少している点がこの時点から始まっていたのかもしれません。 　山田は、かつて東京が上京者や地方在住者にとって大きな魅力となっていたものの、バブルの波が全国に広がったことで、生活様式は均質化、均等化し、交通と通信の発達により地理的隔絶感も薄れたことが具体的な地名を盛り込む必然性の喪失につながったと述べています。 　つまり東京を「魅力の象徴」として打ち出す必然性が、マーケティングの観点からなくなったのです。 　またバブル以降、J-POPのメガヒットが乱発したことで「誰もがイメージできる抽象的な恋愛空間」を描いた方が売り上げが伸び、地名を出すことにデメリットが生じました（もちろん、ピチカートファイブの「東京は夜の7時」（1993年）などの例外はあります）。時系列的に見て、1986オメガトライブ以降の歌詞世界はその初期的なアプローチと解釈できます。 　誰もイメージを仮託できる抽象的な恋愛空間を描いたのが、1986オメガトライブ、カルロス・トシキ&オメガトライブの残した楽曲だったのです。

80年代に一世を風靡 杉山清貴＆オメガトライブと名曲「ふたりの夏物語」から見る男女の恋愛観

80年代のサマーソングのヒットメーカー　今から35年前の1985（昭和60）年3月、杉山清貴＆オメガトライブの「ふたりの夏物語」が発売され、大ヒットしました。 杉山清貴＆オメガトライブ「ふたりの夏物語」（画像：バップ）　この曲は同年の「JALPAK」のCMソングとしてオンエア。ちょうどバブル前夜のことでした。ちなみにJALPAKとは、JAL（日本航空）グループの旅行会社が手掛けるパッケージツアーです。 　そんなJALPAKを始め、当時の航空会社は国内旅行から海外旅行まで、CMを使ってさまざまなキャンペーンを積極的に実施。まさに、「リゾート時代」の到来と言えるものでした。 　杉山清貴＆オメガトライブの「オメガトライブ」は芸能事務所「トライアングルプロダクション」を率いた藤田浩一が作曲家の林哲司と和泉常寛、編曲家の新川博らと立ち上げた音楽プロジェクトの総称で、多くのヒットサマーソングを手掛けました。 　ボーカルの杉山は「ふたりの夏物語」の発表年にグループを脱退し、その後、後任のボーカルは日系ブラジル人のカルロス・トシキ（君は1000%！）や新井正人が努めました。 80年代を彩った職業作詞家とその世界観　杉山清貴＆オメガトライブの成功を支えたのは、何といっても作詞家の康珍化（かん ちんふぁ）の存在です。 　康は、 ・山下久美子「バスルームから愛をこめて」（1980年） ・上田正樹「悲しい色やね」（1982年） ・杏里「悲しみが止まらない」（1983年） ・小泉今日子「まっ赤な女の子」（同） ・高橋真梨子「桃色吐息」（1984年） ・中森明菜「北ウイング」（同） ・原田知世「愛情物語」（同） ・中山美穂「人魚姫 mermaid」（1988年） など多くのヒットソングを手掛けた、当時を代表する希代のヒットメーカーであり、その歌詞世界は1980年代を写し取った鏡と言っても過言ではありません。 杏里「悲しみが止まらない」（画像：フォーライフミュージックエンタテイメント）　康に限らず、松本隆や売野雅勇、来生えつこ、三浦徳子、松井五郎、大津あきら、銀色夏生、秋元康など、当時は独自の歌詞世界を持った作詞家が活躍した時代でもありました。 　もちろん作詞・作曲両方を行うシンガー・ソングライターやバンドも少なくありませんでしたが、彼らが「等身大の世界」を提示するのに対して、康などの職業作詞家は「物語」の作り込みに特徴がありました。 車なしには語れない当時の恋愛事情車なしには語れない当時の恋愛事情　さて、康は杉山清貴＆オメガトライブの歌詞を通して、1980年代をどのように描いたのでしょうか。少し見てみましょう。 　その背景には、バブル期特有の時代感覚があります。車が男女の物語の必須アイテムとして登場し、物語の展開もそれらを使った「空間異動」を伴っています。 　杉山清貴＆オメガトライブの歌詞の舞台は、先入観としては「海」、具体的には湘南のイメージが強いのですが、シングル曲だけを見るとそうでもありません。 「ふたりの夏物語」こそ、出会いは「夜のマリーナ」で「ビーチ」が登場しますが、デビュー曲の「SUMMER SUSPICION（サマー・サスピション）」（1983年）は恐らく、東京から高速道路でドライブするという設定でしょう。 杉山清貴＆オメガトライブ「SUMMER SUSPICION」（画像：バップ）「RIVERSIDE HOTEL」（1984年）は「君を乗せた白いクーペ」がリゾート地のホテルに着くという内容です。 「サイレンスがいっぱい」（1985年）は「プールサイド」、「ガラスのPALM TREE」（同）は「アクセル踏み込」んでのドライブ、「ASPHALT LADY（アスファルト・レディ）」（1983年）は紛れもなく都会、おそらく東京でしょう。 文字でありながら「映像」的な歌詞　筆者（増淵敏之。法政大学大学院教授）が康珍化の歌詞世界が、特に際立っていると思うのは、「君のハートはマリンブルー」（1984年）です。 杉山清貴＆オメガトライブ「君のハートはマリンブルー」（画像：バップ）　インパクトのあるタイトルで、歌詞はとても映像的です。歌詞に登場する女性は、夏の終わりに男性との恋人関係を終えたという設定。 　しかしふたりは再び出会い、秋が過ぎたころ、ひっそりとした海に向かいます。まるで映画のように、時間の経過が暗示されており、冒頭の「季節外れのBUSが一台」という歌詞からして、映画のシーンのようです。 　ふたりは海に向かう道で、そのバスとすれ違います。夏の終わりにすれ違った彼らの現在がその情景に投影されているのです。 　そして「カーブ続きの ふたりの道がもう一度 愛に出会うなら悲しみなんて 知らないころの8月に きっと戻れるさ」と、最後の「夕陽をあつめるツイードのジャケット 君の背中にかけて」の一連の展開も秀逸です。 　もう一度、やり直そうとする男性の優しさが見事に表現されており、風景の持つ色彩までもが鮮やかに伝わってくるのです。 　康は大学時代に短歌の世界を指向し、有望な将来を嘱望されていました。それが就職したCM制作会社で偶然、作詞をすることになったといいます。 　大学時代は自主映画を撮っていたこともあり、作詞家にならなければ映像の世界に身を置いていたかもしれません。康の歌詞の持つ独特の「映像感覚」はこれらの経験から成っているのかもしれません。 「シティ・ポップ」の歌詞のような世界「シティ・ポップ」の歌詞のような世界　話は少々ずれますが、イラストレーターのわたせせいぞうが漫画雑誌『モーニング』に1983（昭和58）から1989年まで連載していた『ハートカクテル』をご存じでしょうか。 わたせせいぞう『ハートカクテル』1巻（画像：講談社）　この作品は、1986年にテレビアニメ化されています。わたせの作品の特徴はグラフィックデザインタッチのレイアウトと、鮮やかな色彩のカラーにあり、影やグラデーション表現が美しい作品です。 　また1話分が4ページで構成されており、物語のテーマは「純愛」でした。 　それはまるで、1970年代後半から1980年代にかけて日本の音楽シーンを彩った音楽ジャンル「シティ・ポップ」ような歌詞世界でした。 　現代用語事典「知恵蔵mini」（朝日新聞出版）によると、シティ・ポップは「都会的で洋楽志向の強いメロディーや歌詞を特徴とする日本のポピュラー音楽」と定義されています。 『ハートカクテル』の舞台はアメリカの西海岸の街のようにも見えますが、日本に例えれば湘南です。青い海や青い空、白い雲がとても印象的な作品でした。康の歌詞世界はこれに近いと言えるかもしれません。 　そのコンセプトは、非日常というより、当時の若者が少し背伸びをすれば手に入れられそうな生活でした。 　連日の猛暑が続きながらも、コロナ禍で空間異動が難しい現在、自宅で当時の曲を聴いていると、あの時の光景がまじまじと浮かんでくるような気持ちになるのは、決して筆者だけではないでしょう。

ビーチリゾートから東京へ 「角松敏生」の歌詞世界から見る大都市の行方

40年間にわたって日本のミュージックシーンをけん引してきた角松敏生。還暦を迎える2020年8月を記念して、角松が曲中に描いてきた「東京」の変遷について、法政大学大学院教授の増淵敏之さんが解説します。角松敏生と「シティ・ポップ」　音楽プロデューサー／シンガー・ソングライターの角松敏生のこれまでの音源をまとめた作品集「角松敏生ワークス -GOOD DIGGER-」（ソニー・ミュージックダイレクト）と「角松敏生ワークス -GOAL DIGGER-」（キングレコード）が2020年7月22日（水）、発売されました。 　収録曲は杏里や中森明菜など、角松がこれまでのキャリアで手掛けてきたさまざまなアーティストの名曲から選ばれています。ちなみに後者は、タワーレコード限定のリリースです。 1985年発表の5thアルバム「GOLD DIGGER～with true love～」（画像：ソニー・ミュージックエンタテインメント）　角松敏生は現在、「シティ・ポップ」を代表するアーティストとして、日本はもとより世界中の音楽好きの若者から注目されています。プロデビューは1981（昭和56）年、若干20歳のときですから、これまで約40年間にわたって日本の音楽シーンで活躍していることになります。 　シティ・ポップとは、1970年代後半から1980年代にかけて日本の音楽シーンを彩った音楽ジャンルです。現代用語事典「知恵蔵mini」（朝日新聞出版）によると、 「都会的で洋楽志向の強いメロディーや歌詞を特徴とする日本のポピュラー音楽」 と定義され、代表的なアーティストは大滝詠一や山下達郎、大貫妙子、松任谷由実、竹内まりやなどが挙げられています。特に、竹内まりやの「Plastic Love」は現在までにYouTube再生回数が約3579万回と、驚異的な数字を記録しています（2020年8月1日時点）。 「リゾート指向」から、舞台は東京へ　そんなシティ・ポップで、角松は経済成長の真っただ中だった日本、そしてその象徴である「東京」をきらびやかに描きました。 　デビュー当初は夏と海などを歌詞世界にちりばめた、「リゾート指向」の強いシティ・ポップというイメージが強かった角松ですが、やがて作品の舞台が東京へ移行していきます。 　ちょうど1985（昭和60）年にリリースされた「Tokyo Tower」がもっとも象徴的な作品です。この作品は同年リリースされた、5枚目のアルバム「GOLD DIGGER～with true love～」にも収録されています。 1983年発表、まだリゾート指向が色濃い「ON THE CITY SHORE」（画像：ソニー・ミュージックエンタテインメント）　このような大きな方向転換は、前年である1984年にリリースされた4枚目のアルバム「AFTER 5 CLASH」からでしょう。同作品ではそれまで舞台だった「夏と海」が、「都会と夜」に変わります。 バブル前夜、1984年の日本バブル前夜、1984年の日本　アルバム「AFTER 5 CLASH」は、角松にとって「郊外のリゾートからの脱却」であり、また、都市と向き合い、独自の世界を展開していく最初のアルバムとなりました。 　1曲目の「IF YOU…」はイントロのカッティングギターが印象的な、疾走感あふれるファンクナンバーです。 1984年発表の4thアルバム「AFTER 5 CLASH」（画像：ソニー・ミュージックエンタテインメント）　アルバムと同名の7曲目「AFTER 5 CLASH」は、都会の夜の恋人たちにまつわる物語です。歌詞に東京は明記されてはいませんが、当時の状況を考えれば、そのように解釈しても問題はないでしょう。 　アルバムがリリースされた1984年の日本は、バブル前夜でした。 　東京では、六本木プリンスホテル（2006年営業終了）に代表されるホテルが次々に完成。 　また六本木や西麻布には「カフェバー」という名の、カフェとバーが融合したリゾート感漂うおしゃれな飲食店が増えていきました。ビリヤードを楽しめる「プールバー」が出てきたのも同じ頃です。 「アーバンリゾート」の登場　そしてさらに、東京は狂乱と喧騒（けんそう）の時代を迎えます。 　1989（平成元）年は芝浦に「GOLD」、1991年は「ジュリアナ東京」と大型ディスコがオープンし、多くの若者でにぎわいを見せました。 週末でにぎわう大型ディスコ「ジュリアナ東京」（画像：時事）　六本木にはタクシー待ちの行列ができ、1メーターでは乗車拒否される始末。あのような時代は、もう二度と訪れることはないでしょう。 　このような現象からわかるのは、海に代表されるリゾートが、東京に「アーバンリゾート」として登場したということです。 　アーバンリゾートとは大都市圏内やその周辺にありながらも、都会とは一線を画すような「疑似リゾート空間」を指します。 　大規模なところではコンベンション施設やスパなどを併設し、水や緑の木々を空間演出に使っていた場所もありました。 　前述のカフェバーやプールバーもその一端を担っていました。言い換えれば、移動を伴わずに楽しめる「都会のくつろぎ空間」とも表せるかもしれません。 　角松本人が東京生まれ、東京育ちのため、「AFTER 5 CLASH」で本格的に原点回帰を行ったとも言えます。 　東京には若者を引き付けるアーバンリゾートが乱立し、あえて夏や海にこだわる必要もなくなり、東京や都会での夜の物語へと移行したのでしょう。 ニューヨーク長期滞在で変わった価値観ニューヨーク長期滞在で変わった価値観　前述のように、角松の作風は1984年の「AFTER 5 CLASH」以降、次第にダンスミュージックやファンク色が強くなっていきます。 　1985年の「GOLD DIGGER～with true love～」前後には、彼はニューヨークに長期滞在し、海外の都市とも向き合うようになります。その要因はダンスミュージックや最先端のファンクミュージックに引かれてのことだったようです。 　その後、フュージョンに関心を寄せ、1990（平成2）年にはロサンゼルスに居を構え、ラリー・カールトンやジョー・サンプルなどといった大物ミュージシャンとのレコーディングを実施。 　角松は滞在中に海外の都市が持つ音楽文化を深く理解し、そしてそれらを自らの音楽に取り込んでいきます。 　またその頃には、他のミュージシャンとの交流、他のアーティストへのプロデュースや楽曲提供、インストゥルメンタルアルバムの制作と意欲的に活動の幅を広げていきます。 　そして1993（平成5）年の日本武道館でのコンサートでの「凍結宣言」による活動停止を経て、1995年には覆面バンド「AGHARTA（アガルタ）」で長万部太郎の名前で復活。のちに人気グループ「V6」がカバーすることになる「WAになっておどろう」（1997年）を発表しました。 1997年発表の「ILE AIYE～WAになっておどろう」（画像：カッティング・エッジ）　角松は現在もオリジナルアルバムや企画アルバムを定期的に発表し、ライブも行っています。 　この8月12日（水）で角松は還暦（60歳）を迎えます。デビュー当時から知る筆者（増淵敏之。法政大学大学院政策創造研究科教授）にとって少々驚きですが、これからも彼なりの視点で、東京を描き続けてもらいたいと思っています。 「まばゆい」から「暮らしやすい」都市へ「まばゆい」から「暮らしやすい」都市へ　角松は長いキャリアのなかで、アーティストして幾多の紆余（うよ）曲折を経てきました。 　しかし、彼の楽曲のなかに浮かび上がる東京という都会も同じように変遷してきました。 　1980年代後半のバブル期の、まばゆい光を放つ夜の東京はすでに過去のものになりましましたが、それでも東京は都会としての魅力を失わず、新たな魅力がいくつも生まれています。 角松敏生の近影（画像：ソニー・ミュージックダイレクト）　これからも続くであろうコロナ禍のなか、求められる東京の姿はかつてのまばゆさよりも、「住みやすさ」「暮らしやすさ」なのかもしれません。

松任谷由実『かんらん車』――洋楽と歌謡界をつなぐ「おっとり感覚」 世田谷区【連載】ベストヒット23区（20）

「世田谷感覚」のただよう駒沢「ベストヒット23区」、今回いよいよ世田谷区を取り上げます。 　1986（昭和61）年、大学入学のために上京、川崎市の溝ノ口に住んだ私（スージー鈴木。音楽評論家）は、都内にある大学への通学のために、東急新玉川線（当時。現在の田園都市線）で、毎日通り過ぎていた世田谷区を「上品で、どこかおっとりとした街」だとイメージしていました。 　その新玉川線で、三軒茶屋駅と桜新町駅の間が駒沢大学駅。子どものころの私が「駒沢大学」（世田谷区駒沢）という大学を認識したのは、1970年代中盤のお笑い界を席巻したせんだみつおの出身校として、でした（ただしせんだは、駒大を2年で中退）。 駒澤大学の外観（画像：(C)Google）　せんだみつおの著書『ナハ』（東京書籍）によれば、人気のピークに上り詰めた1977（昭和52）年、せんだは世田谷区の、森繁久彌邸から「歩いて七、八分くらいのところ」に一軒家を購入。しかし、その直後の1978年12月に疲労がたたって入院し、一気に「落ち目」（当時のせんだがよく使った言葉）になるのです。 　でも、その『ナハ』でせんだみつおは、「落ち目」になるというシビアな話を、実に明るく軽妙な筆致で書き表しています。このあたり、世田谷に学び、世田谷に住み続けた人ならではの、おっとりした「世田谷感覚」なのかも知れません。 駒大出身の重要なふたりのミュージシャン駒大出身の重要なふたりのミュージシャン　せんだみつおを生んだ駒沢大学は、日本音楽史に非常に重要な役割を果たした音楽家も輩出しています。その名は、大沢（現・大澤）誉志幸と久保田利伸。 　このふたりには、出身大学以外にも共通点があります。ひとつは黒人音楽への傾倒、そしてもうひとつは、黒人音楽／洋楽寄りの音楽性を持っているにもかかわらず、歌謡曲の作家として世に出たということ。 　大沢誉志幸は、自身の初ヒット『そして僕は途方に暮れる』（1984年）で知られる以前に、歌謡曲の作曲家として、いくつもヒットを飛ばしていました。 1984年発売の大沢誉志幸『そして僕は途方に暮れる』（画像：エピックレコードジャパン）　沢田研二『おまえにチェックイン』（1982年）、『晴れのちBLUE BOY』（1983年）、山下久美子『こっちをお向きよソフィア』（1983年）、極めつけは、中森明菜4枚目のシングル『1/2の神話』（1983年）――。「デビュー前に100万枚売った男」という触れ込みもあったと聞いています。 ファンキーさの中の「世田谷感覚」　また久保田利伸も、大沢誉志幸ほどではないのですが、デビュー前の1985年、作曲家として田原俊彦に『華麗なる賭け』と『It’s BAD』を提供。特に『It’s BAD』は、ラップと歌謡曲を融合させた先駆的作品です。 1986年発売の久保田利伸のデビューシングル『失意のダウンタウン』（画像：ソニー・ミュージックエンタテインメント）　ちなみに、デビュー前の久保田利伸が業界関係者向けに制作した「すごいぞ！テープ」というデモテープを当時、私は入手したのですが、そこに収録されていた、ラップの部分を際立たせた『It’s BAD』のファンキーさぶりに、腰が抜けるほど驚いたものです。 　それにしても、その後の日本の「ファンキー界」を背負うふたりの駒沢大学OBが、共に歌謡界と積極的に交わったのも、「歌謡界なんて敵だ」「自作自演じゃなきゃファンキーじゃねぇ」などと息巻くことのない、おっとりした「世田谷感覚」だとするのは、少々無理があるでしょうか。 ユーミンの著作からも「世田谷感覚」ユーミンの著作からも「世田谷感覚」　と、エンタメ界における「駒沢大学閥」を見て来ましたが、やはり「ベストヒット世田谷区」を考える上で、松任谷由実の存在は外せないでしょう。何といってもユーミン、世田谷在住であり、さらには世田谷区の「名誉区民」なのですから。 　今回、「ベストヒット世田谷区」として推したいのは、アルバム『流線型’80』（1978年）収録の『かんらん車』です。実は、ここで歌われる観覧車は、1985年に閉園した世田谷区の遊園地「二子玉川園」のそれなのです。 1978年発売の松任谷由実の『流線型'80』（画像：EMI Records Japan）　松任谷由実『ルージュの伝言』（角川書店）によれば、ユーミンが多摩美術大学（こちらの「上野毛キャンパス」も世田谷区）の入試に向かい、時間が余ったので、上野毛駅の一駅先の二子玉川園駅（当時。現二子玉川駅）に降り立ったときの経験を基に書かれています。 「多摩美の試験の日、家を早く出たの。渋谷まで出て、東横線で自由が丘に乗り換えて上野毛まで行くんだけど、時間が早かったからね、気まぐれに乗り越したのよ。二子玉川園で降りたの。そしたら雪が降ってきたのね。わーって。ほろとかが乗り物にかけてあってね。わんわんわんわん雪が降ってきて、あっ、これは受かるって思ったの」 　上野毛駅に行くのに、渋谷駅から自由が丘駅を経由しているのは、二子玉川園駅に世田谷区経由で直行する新玉川線がまだ開通していなかったからです。それにしても、雪を見て「これは受かる」と確信するあたりが、とてもユーミンらしい！ 洋楽感覚と歌謡界をつなぐ「世田谷感覚」　そう言えばユーミンも、呉田軽穂名義による松田聖子への楽曲提供に代表されるように、歌謡界と積極的に交わった人でした。このあたり、やはり大沢誉志幸、久保田利伸と共通する「世田谷感覚」なのかもしれません。 閉園5年前。1980年頃の二子玉川園の様子（画像：国土地理院）　1977年、開通した東急新玉川線が渋谷駅と二子玉川園駅をつなぎ、1980年代、「世田谷感覚」の音楽家が、洋楽感覚と歌謡界をつなぎます。そして1986年、上京した私が新玉川線に乗り始めるのですが、二子玉川園はすでに閉園。駅から観覧車を見ることはかなわなかったのです。

山下達郎『僕の中の少年』――池袋が生んだ日本音楽界屈指のマエストロ 豊島区【連載】ベストヒット23区（3）

人にはみな、記憶に残る思い出の曲がそれぞれあるというもの。そんな曲の中で、東京23区にまつわるヒット曲を音楽評論家のスージー鈴木さんが紹介します。「今みたいな中心街じゃ全然なかった」　前回取り上げた杉並区・荻窪駅から丸ノ内線に乗って、椎名林檎『丸の内サディスティック』（1999年）に歌われた駅名をたどりながら、都心をぐるっと回って池袋駅へ。 山下達郎が生まれた池袋の現在の様子（画像：写真AC）　池袋といえば豊島区のど真ん中。というわけで、今回の「ベストヒット23区」は、前回の杉並区に続いて豊島区を取り上げます。そして豊島区が生んだ日本音楽界屈指のマエストロと言えば、この人――。 　山下達郎。 　まずは、あまり知られていないであろう、山下達郎の少年時代の話を、私の家の本棚にあった雑誌『宝島』1982（昭和57）年の5月号掲載「ロング・インタビュー山下達郎 サウンドよ色になれ」から引用したいと思います。 　生まれは豊島区池袋。本人によれば、池袋は「戦後の闇市のまっさかりにできた街」で「今みたいな中心街じゃ全然なかった」そうです。さらに「とにかく、ガラが悪かった」「いわば僕はゲットーチャイルドですな」と、かなり強めに話しています。 　転換点となるのは中学時代。山下家は練馬区に引っ越してお菓子屋を開業するのですが、達郎少年は越境入学の形で豊島区の高田中学（現・千登世橋中）に入学。この頃からポップスに熱中し始め、友人たちとバンドを組むことになります。 　高校卒業後、その中学時代の友人らと録音したのが、自主制作盤『ADD SOME MUSIC TO YOUR DAY』。お世辞にも上手いとは言えないコーラスと演奏の中でたったひとり、異常に伸びやかで高らかな、達郎少年のボーカルを楽しむ音源（山下達郎オフィシャルファンクラブより現在でも入手可能）。この自主制作盤が、伊藤銀次経由で大滝詠一の耳に入り、プロへの道が開けていくのです。 竹早高校に見る、山下達郎の「幻影」竹早高校に見る、山下達郎の「幻影」　このように豊島区で生まれ育ち、ポップスに目覚めた山下達郎ですが、高校は豊島区ではなく、文京区の都立竹早高校（同区小石川）に進学します。インタビューでは「本当は小石川高校に行きたかった」と語っていて、また、その竹早高校時代には当時っぽい話として、大学紛争ならぬ「高校紛争」も勃発、どうやらちょっとひねくれた高校生活を送ったようです。 山下達郎が通っていた竹早高校の外観（画像：写真AC）　余談ですが、NHKの大河ドラマ『いだてん』で、金栗四三（中村勘九郎）が教師として赴任した「府立第二高等女学校」は、その竹早高校の前身。同校のホームページには、金栗四三に関する以下の記述が掲載されています。どうやら実際の金栗先生も、ドラマでのイメージそのままの人だったようですね。 「金栗先生はマラソン以外に登山の指導も行った。さらに、金栗先生はスポーツの指導にとどまらず、校外への遠征旅行を企画したり、修学旅行に豪華客船による船旅を取り入れたりと、高女生に外の世界に出ていく楽しさ・世界の広さを体感させ、多大な影響を与えた」（竹早高等学校百周年記念誌『竹早の百年』からの引用） 　私は『いだてん』をかなり熱心に見ているのですが、個人的な「神回」は、その「府立第二高等女学校」を舞台とした第22回「ヴィーナスの誕生」です。 　短距離走選手の村田富江（黒島結菜）らが、金栗四三の解雇に反対して、教室に立てこもるという回なのですが、保守的な時代における女学生にもかかわらず、自分の意志を強烈に主張する村田富江の姿に、私は、後に「高校紛争」を起こす竹早高校の後輩たちや、強烈な意志を押し出して音楽界を変革し続けた山下達郎の幻影を見たものでした。 池袋の繁華街で聴こえてきそうな達郎少年の歌声池袋の繁華街で聴こえてきそうな達郎少年の歌声　では、豊島区が生んだ日本音楽界のマエストロ・山下達郎の数多い楽曲から、「ベストヒット豊島区」として、どの曲を選ぶべきか。私が推したいのは、1988（昭和63）年に発売されたアルバムのタイトルチューン『僕の中の少年』です。 昭和の香りを残す池袋の横丁（画像：写真AC）　テーマは自らの少年時代への決別。おそらく山下達郎自身の子どもと思われる「あの人」の「眼の中」に渡された自らの少年性 ＝ 「僕の中の少年」に「さようなら」と告げる歌詞。 　私も一児の父親でもありますが、息子が大きくなっていくたびに、自らの甘酸っぱい少年時代の記憶を、少しずつ息子に切り渡していくような、妙な感慨に襲われることが多くなりました。『僕の中の少年』も、当時の山下達郎が抱いていた、そういう感慨・気分を歌った作品だと考えています。 　数々の路線やデパート立ち並んだ現在の池袋は、まさに大都会という感じです。ただ、ちょっと裏通りを覗いてみると、「僕の中の達郎少年」が生まれ育った、昭和30年代の池袋の面影が残っています。 　そんな池袋のありようは、ソフィスティケートされた「シティポップ」の隙間に、濃厚なブラック・ミュージックのエッセンスが漂う達郎サウンドの構造と、近いものがある気がしてなりません。 　池袋の繁華街で耳を澄ませてみましょう。その後の池袋、豊島区、ひいては日本を揺り動かすような、異常に伸びやかで高らかな達郎少年の歌声が聴こえてくるような気がしませんか？

竹内まりや、山下達郎……欧米で大人気の日本音楽「シティポップ」、その中に封じ込められた「幻の東京」とは

漫画やアニメだけでなく、日本のコンテンツで外国人の注目を近年浴びているのがシティポップです。シティポップとはいったい何でしょうか。法政大学大学院政策創造研究科教授の増淵敏之さんがその意味と、東京の関係性について解説します。都会的で洗練された世界観　最近、何故か唐突に安部恭弘（やすひろ。※1）を聴いています。かつて札幌のFM局にいた頃にお会いしたことがありました。どことなく理知的なひとだったような記憶が。稲垣潤一が唄ってヒットした「ロング・バージョン」、佐々木幸男の名曲「セプテンバー・バレンタイン」も彼の作曲。アイドルも含め、数々の楽曲を提供していました。 シティポップにはロマンティックな夜景がよく似合う（画像：写真AC）　数年前からシティポップが流行っているといいます。ましてやYouTubeなどを通じて海外からの反応も多いというのだから不思議なものです。DJがクラブでシティポップの楽曲を使い始めたところに端を発している、ということも聞いたことがあります。 　さてシティポップを、当時は「シティポップス」と呼んでいたような気がしますが、ここではシティポップと統一して呼びます。シティポップとは、日本のニューミュージック（※2）の中でフォーク寄りではなく、いわゆるポップ寄りの音楽といえばいいのでしょうか。都会的で洗練された世界観を提示しているのが特徴です。 　1973（昭和48）年にリリースされた荒井由実（のちの松任谷由実）『ひこうき雲』のバックで演奏していたティンパンアレーがシティポップの道を開いたともいわれていますが、「都会的で洗練されたポップス」を示す点が強調されていました。アメリカでいえばボズ・スキャッグス、ボビー・コールドウェル、クリストファー・クロスなどのAOR（アダルト・オリエンテッド・ロック）のような存在なのかもしれません。 　松任谷由実、ハイファイセット、ブレッド＆バター、大瀧詠一、山下達郎、吉田美奈子、大貫妙子、尾崎亜美、竹内まりや、そして大ブレイクを果たした俳優の寺尾聡（あきら）などが代表的なミュージシャンでしょうか。角松敏生、稲垣潤一、杉真理、山本達彦などもいました。 　シティポップを演奏するのは今は亡き東芝EMI、RCAビクター、アルファのミュージシャンが多かったように思います。もちろん安部恭弘も東芝EMIでした。彼の歌詞は松本隆、康珍化（かん ちんふぁ）、売野雅勇（うりの まさお）など当代きっての作詞家が書いていました。安部恭弘は1982（昭和57）年にソロデビュー、寺尾聡のヒットがソロへの決意をした原因とされています。 ※1.安部恭弘：メロウでロマンティックな都会派サウンドで人気を博した80年代シティ・ポップの雄（タワーレコード オンライン） ※2.ニューミュージック：昭和40年代後半に現れた新しいスタイルの日本のポピュラー音楽。フォークやロックの影響を受けた世代によって生み出された（デジタル大辞泉） シティポップが描いた「抽象的な東京イメージ」シティポップが描いた「抽象的な東京イメージ」　ちょうど1980年代前半の日本は、バブルに向けての「助走期間」でした。しかし1985（昭和60）年に尾崎豊の「卒業」、1986年にBOOWYの「わがままジュリエット」がヒット、時代はロックの時代に向かっていきます。まさに安部恭弘のデビューのタイミングはシティポップ全盛の後半に当たっていたという気がしないでもありません。 　しかし彼の楽曲には、当時の時代が封じ込められてもいます。具体的な地名こそ登場しませんが、東京生まれの彼の楽曲には、抽象的な当時の東京イメージが付加されていました。松任谷由実は東京の具体的な場所を数多く描きましたが、それ以外のシティポップは「抽象的なイメージとしての都市」を描き、それを聴く人々はそれらを東京とイメージしてきたのではないでしょうか。 　そこで思いだすのは、マンガ家、イラストレーターのわたせせいぞうです。彼は1983年に「モーニング」で連載された『ハートカクテル』で一世を風靡。この作品は1986年にテレビアニメ化もされました。彼の作品の特徴はグラフィックデザインタッチのレイアウトで、色彩も鮮やかなカラー原稿などにあり、影やグラデーションの表現が新鮮でした。 アメリカのウエストコーストの中心地・ロサンゼルス（画像：写真AC）　まさに独自性のある作品を描いたマンガ家、イラストレーター。ただし『ハートカクテル』の舞台は、アメリカの町並み、どちらかといえばウエストコーストのように見えます。まるで大瀧詠一『ロング・バケーション』や山下達郎『FOR YOU』のアルバムジャケットのようなものでしょう。 　しかし『ハートカクテル』の登場人物の名前は日本人名でした。物語には「ジェシーズ・バー」が頻繁に登場し、当時の若者の間で、バーはお洒落な「都市装置」だったことがわかります。 　しかし読み取りようによっては『ハートカクテル』も、東京の断片を無国籍風にデフォルメしたともいえなくもありません。登場人物は当時、流行したトラッドファッションに身を包んでいることが多く、バブル時代の東京を想起させてくれます。 六本木でタクシーが捕まらなかった時代　シティポップはイメージとしての東京を描き、それは地方の人々に。バブル前の華やかな東京に対する憧れを涵養（かんよう。少しずつ養い育てること）したともいえます。 　しかし現在、シティポップを楽しむ若い人々は歌詞よりセンスの良いメロディの再評価をしているようにも思えます。しかし筆者（1957年生まれ）のような年代の人は、歌詞でいえば生活や風俗という側面からの、当時の懐かしい物語を楽しんでいるのかもしれません。 　自由に都市を描く、これがシティポップの真骨頂なのでしょう。そして安部恭弘の楽曲には当時の東京の風景が封じ込められているように思えます。繰り返しになりますが、バブル前の、無秩序に活気があった東京です。 　六本木は深夜過ぎでもタクシーが捕まらなかった時代。今、振り返れば「幻の東京」にも思えます。土地は狂乱の高騰をみせ、地方にもその余波はありましたが、それは東京とは比肩（ひけん。肩を並べること）できない程度の恩恵でした。 　筆者が安部恭弘のホームページをチェックすると、彼はマイペースで音楽活動を続けており、ライブもときどきやっているようです。タイミングが合えば、一度、彼のライブに訪れてみたいものです。